Chi ha paura del Big Bad Global Art Market? Di Valerie Kabov

Valerie Kabov indaga sul mercato dell'arte globale e su ciò che ciò significa per le preoccupazioni reali del mercato in Africa. Kabov parla anche con Marc Stanes di Ebano e Johans Borman di Johans Borman Fine Art di lavorare con artisti emergenti e affermati del continente africano e l'attuale preoccupazione globale per i "giovani".
Questo articolo è apparso nel numero inaugurale di settembre ARTE AFRICA rivista, che è stata lanciata con grande entusiasmo all'FNB JoburgArtFair 2015. Potrai anche leggere questo contenuto esclusivo nell'edizione digitale di settembre (download GRATUITO dell'app qui per Apple e qui per Android).

AA STORY Kabov Global Art MarketYinka Shonibare, Salone del filantropo vittoriano, 1996-7, tecnica mista. Da "Africa Remix" alla Johannesburg Art Gallery, 2007. Immagine per gentile concessione della Johannesburg Art Gallery.
Attualmente, il mondo dell'arte si trova in un momento interessante. Negli ultimi dieci anni, il mercato dell'arte - assistito da progressi esponenziali nelle comunicazioni e nella tecnologia - è diventato una forza schiacciante, muovendosi attivamente per modellare, influenzare e cambiare il volto dell'arte contemporanea su scala globale. Per molti stakeholder del mondo dell'arte, questo spostamento significa la fine del mondo come la conosciamo - e per alcuni, non in senso positivo. Interviste, articoli e reportage che lamentano lo stato dell'arte del mercato sono diventati un punto fermo dei media artistici.
Le preoccupazioni includono la natura commerciale delle fiere d'arte, che gli artisti sono stati irrevocabilmente corrotti dai nuovi sviluppi, dalla chiusura di gallerie più tradizionali, dal "nuovo mondo" di gallerie in cui vendite e denaro sono l'essere tutto, fine e tutto e infine, una forte avversione per la nuova classe di collezionisti all'avanguardia, che vedono l'arte semplicemente come una risorsa e che hanno guidato i prezzi in modo astronomico "capovolgendo" il valore delle opere di artisti emergenti. Mentre la maggior parte di questi commenti sono seri e riflettono preoccupazioni reali, è utile individuarli nel contesto di una più ampia storia dell'arte per identificare la novità reale (anziché percepita). In questo momento, il mercato trova sinergia con importanti movimenti nella storia dell'arte.
Tra queste sinergie vi è il riequilibrio delle relazioni centrali e periferiche nel mondo dell'arte - e la costruzione del riconoscimento per scene d'arte sottoesplorate. La scena artistica contemporanea in Africa è un esempio di questo riequilibrio. Questa scena comprende un insieme di caratteristiche particolarmente singolari e il modo in cui viene affrontato e coinvolto determinerà se questo è davvero un momento storico.
Anche la visione più spaventosa della storia dell'arte rivelerà che l'attuale "momento" è tutt'altro che romanzo. I Medici, che erano nuovo ricco, consolidò il loro potere e il loro prestigio con il patrocinio artistico e culturale e comandò a geni come Raffaello, Da Vinci e Michelangelo di fare le loro offerte e interferire in modi che oggi sembrerebbero mostruosi. Eppure oggi siamo entusiasti di fare il mining della storia grazie proprio a questi interventi. Artisti come Superstar come Michelangelo e Leonardo erano multimilionari ai loro tempi, viaggiando in Europa su mega-commissioni, conquistati e cenati dai potenti del mondo. Rembrandt, una figura santa nel canone dell'arte, ha autorizzato i suoi apprendisti a dipingere il suo "autoritratto" come una forma di marchio e pubblicità. Alla fine del XIX secolo a Parigi, Daniel Kahnweiler, un altro nuovo ricco, ha iniziato a comprare lavori in blocco per la rivendita da artisti che pensava potessero avere un futuro: Picasso, Cezanne e Matisse. In più c'è un cambio, più c'è la scelta della mamma ('Più le cose cambiano, più rimangono le stesse.')
Vi è, tuttavia, uno spostamento storicamente significativo che molti mancano nelle loro legittime proteste di "troppi soldi nuovi che rovinano l'arte" - che parte di questo potere di mercato proviene davvero da nuovi soldi. Questo è un grande cambiamento di paradigma, perché parte del disagio della 'vecchia guardia omonima è che i nuovi soldi e i nuovi movimenti nel mondo dell'arte stanno spostando i centri del mondo dell'arte oltre Parigi, Londra e New York. Che questo nuovo denaro buca e sostiene artisti non occidentali che attesta il cambiamento duraturo della cultura visiva e dei suoi paradigmi. Sempre più artisti e settori artistici al di fuori dell'Occidente stanno guadagnando visibilità e riconoscimenti. Si potrebbe quindi ipotizzare che anche loro siano i "prodotti" della globalizzazione dilagante, del nuovo denaro e dell'orrore delle fiere d'arte?
Se il mercato - per essere l'unico meccanismo con cui sfruttare preziose opportunità - è privo di una bussola morale, allora deve essere la responsabilità di storici, critici, curatori e accademici nel (e interagire con) il settore, di mantenere e preservare un senso di moralità. L'emergere del settore dell'arte contemporanea in Africa sulla scena globale è un caso di studio e un esperimento nel rapporto simbiotico tra mercato e mondo accademico. Come ha affermato Mark Coetzee in una tavola rotonda all'Art Basel di quest'anno, "l'arte africana è attualmente di moda".1 I curatori e gli accademici africani hanno costruito le basi per interagire con la comunità artistica internazionale per decenni, confermando e convalidando l'attuale opportunità. Questo lavoro di base comprende mostre degne di nota come "Arte dal Commonwealth" nel 1962 a "Magiciens de la Terre ' nel 1989 e "Africa Remix" nel 2004, pubblicazioni come NKA Magazine e Revue Noire, iniziative come la Triangle Network, gallerie come la October Gallery e molti altri professionisti dell'arte, curatori, scrittori, storici e galleristi che hanno lavorato duramente per far avanzare la causa dell'arte e degli artisti nel continente.
Tuttavia, come ha anche giustamente sottolineato Coetzee, le mode vanno e vengono con regolarità prevedibile e alquanto deludente. Quindi per ora, mentre l'euforia e l'ottimismo dominano nell'arte contemporanea africana, dobbiamo fare una sobria analisi di cosa significhi questo momento presente e di ciò che ci viene richiesto per generare settori artistici vibranti e di successo.
Questa è una domanda complessa con risposte difficili in quanto vi sono una serie di fattori cruciali che differenziano i riflettori sull'Africa dagli altri e che possono caratterizzarne le conseguenze.
Uno di questi fattori è che - a differenza della maggior parte delle altre scene d'arte toccate dalla grandezza mondiale, come Brasile, India, Cina e Medio Oriente - l'Africa (con le poche eccezioni del Sudafrica, della Nigeria e dell'Angola) non ha un sostegno domestico mercati per l'arte contemporanea. I nuovi soldi nei suddetti mercati d'arte esteri provengono dall'interno - e vengono utilizzati per sostenere e attirare l'attenzione sulla loro scena artistica nazionale. Quando i prezzi per la (allora) moda dell'arte contemporanea cinese sono crollati e la bolla del mercato dell'arte temporanea è scoppiata intorno al 2008, è successa una cosa interessante: i prezzi sono diminuiti sostanzialmente solo per quegli artisti favoriti dai collezionisti occidentali. I prezzi per gli artisti sostenuti dai collezionisti locali sono rimasti stabili, consentendo la ricostruzione del mercato contemporaneo cinese, ormai un settore dominante nel mondo dell'arte solo pochi anni dopo.
Lo stesso non si può dire dell'Africa. Non è una valutazione irrealistica che l'arte contemporanea africana sia ancora ampiamente supportata da vecchi soldi - o per dirla in altro modo - non abbastanza è supportata da nuovi soldi. Questa mancanza di supporto è aggravata da un'inadeguata infrastruttura artistica nel continente. Queste lacune nelle infrastrutture hanno già creato e continuano a contribuire al drenaggio di talenti e risorse, per non parlare del fatto che molti capolavori dell'arte contemporanea africana andranno persi per il pubblico locale. Un'altra vulnerabilità è che i riflettori globali, con poche notevoli eccezioni, sono stati rivolti a artisti emergenti o giovani. Mentre questa attenzione agli artisti emergenti è un fenomeno globale, nel contesto africano è unicamente problematica, date le disparità di mercato e di infrastrutture descritte sopra.
Spesso, i giovani artisti si allontanano dall'Africa alla ricerca di opportunità educative e di carriera. Questa delocalizzazione riguarda il tutoraggio generazionale e i sistemi di supporto locali, nonché la loro stessa pratica, che deve essere rimodellata in relazione a un nuovo contesto e all'assunzione di una nuova identità. Di ritorno in Africa, le gallerie straniere che firmano artisti africani contribuiscono inevitabilmente al drenaggio dei talenti locali e dell'economia generale, poiché i profitti e le commissioni delle loro vendite circolano all'estero. Significativamente, senza i sistemi di supporto a casa o l'esperienza dei mercati internazionali, è più probabile che i giovani artisti siano influenzati negativamente dalle pressioni del mercato e dalle relative pratiche di sfruttamento.
Allo stesso tempo, ci sono anche artisti di talento al di fuori dello spettro della "gioventù d'oro" che sono stati semplicemente messi in ombra nel mercato del mercato. Questi artisti possono quindi sentirsi indifesi e senza speranza in un modo che i loro coetanei in paesi con economie artistiche stabili e una cultura del collezionismo non fanno. Nel tentativo di costruire forti identità culturali - senza le quali la generazione emergente non può che abbandonarsi all'apprendimento e ai risultati stranieri - è fondamentale riconoscere il contesto più ampio in cui l'arte si sviluppa e emerge. È più che probabile che il mercato globale, a tempo debito, vedrà artisti maturi in Occidente come un'altra opportunità sottovalutata. Tuttavia, quando il mercato globale raggiungerà questa realizzazione, sarà stato accuratamente preparato per esso da decenni di supporto istituzionale e accademico, insieme a consistenti organi di lavoro. I coetanei africani di tali artisti, che sono attualmente nell'ombra e privi dell'attenzione istituzionale e della convalida editoriale, potrebbero essere lasciati indietro. Questo problema non è riservato solo agli artisti o alla storia dell'arte in Africa.
Piuttosto, è una preoccupazione collettiva per la storia dell'arte globale - lo sforzo di spostare il nesso non può essere la responsabilità e il prodotto di una generazione.
È altamente improbabile che ci sia tempo sufficiente per affrontare questi problemi con il mercato e le infrastrutture nel momento in cui la moda passerà dove andrà (se la Biennale dell'Avana di quest'anno è qualcosa da fare). Mentre le gallerie occidentali, che si sono rivolte alla rappresentazione di artisti africani, sono in grado di focalizzare l'attenzione assumendo artisti da qualunque scena sia in voga, le gallerie e gli artisti del continente possono rimanere vulnerabili.
Guardando alla storia come un predittore, potremmo supporre che i paesi del continente con i mercati e le infrastrutture più forti, che hanno già preso il comando nella costruzione di collezioni pubbliche e private, avanzeranno nel ritagliarsi la propria nicchia sulla scena globale - lasciando il resto a badare a se stessi. Eppure questo è non il cambio di paradigma che così tanti hanno lavorato instancabilmente per raggiungere. Mentre per ora "African Contemporary Art" è un utile termine di marketing per quelli di noi che lavorano nel settore, parla di una visione più ampia e dell'etica della fratellanza nel continente, un'ambizione che sostituisce le semplici preoccupazioni del mercato.
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1 Discussione del panel, 'Building Art Institutions in Africa' Art Basel 2015.
STORIA AA Marc StanesValerie Kabov in conversazione con Marc Stanes
Co-fondatore di Ebony, Sudafrica
Nato a Londra, il fotografo e curatore Marc Stanes ora vive in Sudafrica. Dopo il successo della sua impresa iniziale Ebony a Franschhoek, una galleria specializzata in arte e design contemporaneo sudafricano, Marc è stato invitato a curare e dirigere il Museo di Arte Moderna di recente formazione in Guinea Equatoriale (2011). Ora è il principale consulente artistico di Ebony per i loro spazi attuali in Loop Street, Cape Town e Franschhoek.
Valerie Kabov: Dal punto di vista di una nuova arrivata in Sudafrica, come vedi i cambiamenti in atto nel mercato dell'arte da una prospettiva internazionale? Personalmente, avendo vissuto in Australia per molto tempo, la mia prima impressione del mercato dell'arte sudafricano (anche 6 anni fa) era che era molto simile alla scena australiana - stabilita e sicura ma per molti versi insulare, protettiva nei confronti del suo parrocchiale storia e non quella interessata all'impegno internazionale. Questo è cambiato radicalmente negli ultimi anni.
Marc Stanes: Negli ultimi dieci anni, il mercato in Sudafrica si è evoluto rapidamente, rispecchiando la generale ripresa del collezionismo internazionale. Inizialmente, le opere più tradizionali o moderne si sono apprezzate rapidamente a causa del maggiore coinvolgimento degli acquirenti, mentre il mercato secondario è cresciuto attraverso potenti case d'asta. Di recente, le opere contemporanee sono state al centro dell'attenzione, con la rapida espansione nel mercato delle nuove gallerie contemporanee e le gallerie più affermate che hanno guadagnato fama internazionale. Generalmente, gli acquirenti locali hanno guidato il mercato - tuttavia, c'è una crescente presenza internazionale, con opere in aste focalizzate sull'Africa e gallerie sudafricane che partecipano regolarmente al di fuori dei propri confini.
Come qualcuno che lavora con artisti emergenti e affermati del continente, sei in grado di commentare l'attuale preoccupazione globale per la "gioventù". Quali aspetti particolari di questo fenomeno ritieni siano particolarmente importanti per gli artisti in Africa?
Penso che "il momento è giusto" se sei un giovane artista che attualmente lavora nel continente - mai prima d'ora c'è stato un simile riflettore sull'Africa. Tuttavia, data la notevole consapevolezza da parte del mercato internazionale dei giovani artisti, è sempre più importante ricevere e ricevere i giusti consigli. I giovani artisti hanno il vantaggio di offrire una voce fresca e originale, ma i problemi associati, come la speculazione e l'essere sfruttati, possono essere un ostacolo.
Hai scritto molto sull'arte come asset class. Hai dovuto rivedere le tue idee sul concetto alla luce dei recenti sviluppi e tendenze del mercato, in particolare in riferimento al focus su artisti e fenomeni emergenti come il lancio e la speculazione - che molti dicono che è qui per restare? Questo fascino per gli artisti emergenti è valido o ai collezionisti manca l'opportunità con artisti più affermati che sono rimasti sotto il radar o sottoesposti?
Non sono un grande fan della speculazione o dell'acquisto di arte per investimenti. Riduce il piacere, l'interesse e la comprensione dell'artista e del loro processo. Può essere (o può rivelarsi di essere) un vantaggio crescente ma non c'è certezza. La speculazione è sempre esistita nel mercato dell'arte; non è una novità, ma alcuni artisti e gallerie internazionali hanno compiuto sforzi per combattere questo problema applicando i diritti di rivendita degli artisti e le restrizioni sulle vendite e sui contratti successivi. Non c'è dubbio che il crescente appetito per l'arte "giovane" del continente africano alimenta quanto sopra, ma non credo del tutto che ciò sia completamente dannoso per gli artisti più affermati che vanno avanti. Una maggiore consapevolezza dell'arte dal continente filtrerà attraverso tutti i segmenti. Dal punto di vista del mercato secondario, i collezionisti acquistano pezzi dagli ultimi cinquanta a cento anni, in particolare in Nigeria. Molti artisti vengono riscoperti, ma al momento non ci sono molti punti vendita per vedere quest'opera oltre alle aste. Troppe gallerie e rivenditori si stanno concentrando esclusivamente sul "adesso" e stanno perdendo una ricca vena di storia che ha rilevanza e influenza su molti giovani artisti che producono opere oggi. Pertanto, ciò rappresenta un'opportunità per il collezionista ben informato.
Come pensi che artisti e gallerie africane possano sfruttare al meglio l'attuale "momento" per l'arte contemporanea dall'Africa?
In molti modi penso che questo sia già stato fatto. Le rotte ovvie di buone mostre, fiere d'arte e collaborazioni con musei e altre gallerie internazionali sono importanti. Essere insulari non è un'opzione. Per l'artista, avere quella voce originale - che molti artisti del continente mostrano già - sembra "fresca" ed eccitante per il mercato internazionale.
Dato che la maggior parte dei settori artistici del continente deve affrontare sfide infrastrutturali e che, con poche eccezioni, i mercati locali non sono in grado di sostenere i mezzi di sussistenza degli artisti, vediamo più artisti rappresentati da gallerie al di fuori del continente, con alcune delle migliori opere d'arte L'Africa finisce in collezioni straniere. Consideri questo un problema e, in tal caso, cosa pensi che possa essere fatto per iniziare a rimediare?
Non sono pienamente d'accordo con questo e non lo vedo come un problema. Storicamente, questo è stato un problema nel continente, ma il risultato non è stato affatto negativo. Molti artisti sono partiti per intraprendere una carriera oltre i confini nazionali, ma alcuni dei più importanti, influenti e di successo sono rimasti. Alcuni sono anche tornati. Man mano che le economie nel continente migliorano e l'interesse locale nei confronti della cultura fiorisce, gli artisti sono in grado di produrre e vendere ai collezionisti sia nel continente che a livello internazionale.
Se alcuni importanti collezionisti e musei internazionali non fossero stati interessati, esposti o pubblicizzati nelle loro collezioni negli ultimi vent'anni, oggi ci troveremmo in una posizione diversa. In parte è a causa di questo interesse internazionale iniziale che gli artisti hanno più opportunità di supportarsi oggi. Credo anche che nel prossimo futuro ci sarà una crescita del numero di istituzioni e gallerie nel continente, ma potrebbe essere necessario rivolgersi a potenziali partner internazionali per finanziarsi adeguatamente.
La storia di AA Mercato globale dell'arte di Kabov Marc StanesSINISTRA A DESTRA: Aboudia, Senza titolo, 2013. Acrilico e tecnica mista su tela. Immagine d'autore degli artisti e per gentile concessione della Jack Bell Gallery, Londra; Edson Chagas, Found Not Taken, Luanda, 2013. Immagine d'autore dell'artista e cortesia di Stevenson Cape Town / Johannesburg.
STORIA AA Johans BormanValerie Kabov in conversazione con Johans Borman
Fondatore e direttore della Johans Borman Fine Art
Ingegnere strutturale qualificato, la carriera di Johans come gallerista è iniziata nel 1989. Negli ultimi trent'anni la sua conoscenza e il suo amore per l'arte africana moderna e contemporanea sono cresciuti in modo esponenziale - si confronta metaforicamente con un surfista che vende tavole da surf. Johans ha gestito le gallerie di Pretoria, Onrus River e Stellenbosch prima di aprire Johans Borman Fine Art a Città del Capo, nel 1999.
Valerie Kabov: Hai lavorato come gallerista e consulente d'arte per diversi decenni. In questo momento, il Sudafrica ha subito cambiamenti storici, così come il mercato dell'arte. Quali diresti che sono stati i tre cambiamenti chiave nel mercato dell'arte sudafricano, specialmente nei suoi rapporti con la comunità e il mercato dell'arte internazionale?
Johans Borman: Durante l'era dell'apartheid, il Sudafrica era in isolamento culturale. Dagli anni '1990, la nostra nuova democrazia ha permesso agli artisti sudafricani di viaggiare ed esibirsi a livello internazionale. Ciò significava che artisti, curatori, accademici e studenti locali hanno avuto l'opportunità di sperimentare tendenze e influenze artistiche internazionali. Dalla metà degli anni '1990, l'accesso a Internet in tutto il mondo è stato il prossimo fattore principale per contrastare l'isolamento culturale e geografico del Sudafrica. La nuova democrazia del Sud Africa e la libertà politica significarono accettazione internazionale, che ebbe un'influenza molto positiva sul mercato dell'arte locale. Ha instillato fiducia nel futuro del Sudafrica e ha suscitato nuovo interesse da collezionisti e curatori locali e internazionali. Il mercato dell'arte locale si espanse rapidamente all'apertura di nuove gallerie e il mercato delle aste esplose fino al 2001, quando gli attacchi dell'9 settembre bloccarono i mercati mondiali.
Quindi non vedi l'attuale attenzione all'arte contemporanea africana come un cambiamento chiave?
L'industria dell'arte contemporanea sudafricana ha registrato un'enorme crescita dall'inizio degli anni 2000, in coincidenza con il nuovo interesse internazionale e l'attenzione per l'arte contemporanea africana. La scelta del Zeitz Museum of Contemporary African Art di aprire a Cape Town riflette questo sentimento e potenzialmente stabilirà Cape Town come la futura capitale dell'arte dell'Africa.
Hai scritto molto sull'arte come asset class. Hai dovuto rivedere le tue idee sul concetto alla luce dei recenti sviluppi e tendenze del mercato, in particolare in riferimento al focus su artisti e fenomeni emergenti come il capovolgimento e la speculazione - che molti dicono che resteranno qui? Questo fascino per gli artisti emergenti è valido o ai collezionisti manca l'opportunità con artisti più affermati che sono rimasti sotto il radar o sottoesposti?
Le mie opinioni su come vivere e collezionare arte non sono cambiate. Non vedo l'arte come un tipico strumento di investimento finanziario, in quanto non è stata creata per essere quella in primo luogo. Non dovremmo mai dimenticare: l'arte riguarda la vita e il mercato dell'arte riguarda i soldi. A differenza degli investimenti finanziari convenzionali, l'arte non paga dividendi, interessi o affitti. Il "ritorno sugli investimenti" è il risultato dell'interazione con un'opera d'arte: risiede nella stimolazione emotiva e nella "ginnastica cerebrale" sperimentata durante questo processo di apprezzamento.
A mio avviso, il concetto di "arte di investimento" o arte come una classe di attività distrae dal vero scopo dell'arte. Il concetto è enfatizzato per motivare gli amanti non artistici a spendere di più nel "settore dell'arte", confidando che realizzeranno un guadagno salutare. Questo concetto è ampiamente promosso da case d'aste e rivenditori orientati al profitto che creano ambienti in cui prosperano la speculazione e il lancio. Non sentono alcuna responsabilità per mantenere un mercato sano e stabile - il loro unico obiettivo è realizzare un profitto. Questi fattori non sono sicuramente vantaggiosi per la carriera degli artisti contemporanei, poiché i loro mezzi di sussistenza dipendono da un mercato stabile e a lungo termine per il loro lavoro.
L'arte contemporanea e gli artisti emergenti godono di molta pubblicità, in particolare perché la maggior parte delle fiere d'arte e pubblicazioni si concentrano sul mercato contemporaneo e sono progettate per promuovere le ultime novità e le più "calde". Tuttavia, la realtà è che la maggior parte delle vendite complessive (in termini finanziari) provengono da artisti e opere più affermati di artisti dell'era moderna. Ciò conferma che i collezionisti esperti continuano a spendere molto di più per possedere opere di artisti affermati e "di marca" che hanno una comprovata esperienza (in termini di prezzi e valore).
E nel contesto di artisti provenienti da tutta l'Africa che vengono in Sudafrica? La mia opinione personale è che si tratta di un'arma a doppio taglio, in termini di sviluppo della carriera e creatività. Qual è la tua opinione su questo fenomeno?
Storicamente, gli artisti sono migrati ovunque possano stabilire carriere sostenibili. Se non nei loro paesi di origine, si trasferiranno dove hanno un pubblico e acquirenti o collezionisti.
Le fiere d'arte sono diventate il pilastro del mercato dell'arte, un canale chiave per il mercato. Come gallerista con una pratica consolidata e una base di collezionisti, senti la pressione di partecipare a questi eventi?
Il successo delle fiere d'arte sta nel fatto che offrono agli artisti e alle gallerie l'opportunità di generare collettivamente interesse pubblico per (principalmente) l'arte contemporanea. Le fiere d'arte, insieme ad app come Artsy, offrono un'opportunità unica per vedere e impegnarsi con la fratellanza internazionale di acquisto d'arte.
Questa opportunità unica, tuttavia, ha un costo enorme. Per rendere possibili le fiere d'arte, è necessario recuperare i costi aggiuntivi di ospitare, organizzare e pubblicizzare una fiera, nonché i costi di spedizione e di viaggio. L'unico modo in cui questo è sostenibile è valutare i lavori tenendo presente questo recupero. Penso che l'influenza che le fiere d'arte hanno sui prezzi dell'arte contemporanea sia un problema molto serio: i prezzi sono gonfiati per rendere fattibile il modello di business e non sono necessariamente basati su un valore di mercato equo. Dobbiamo partecipare a fiere d'arte per promuovere le carriere degli artisti che rappresentiamo, tuttavia sono preoccupato per i reali vantaggi a lungo termine per artisti e gallerie. In molti casi, la mia osservazione è che "la coda scuote il cane".
Dati i mercati artistici locali sottosviluppati in tutto il continente, le fiere d'arte sono diventate una fonte di entrate cruciale per le gallerie e gli artisti di arte contemporanea africana. Sono anche una piattaforma per l'educazione, la promozione e lo sviluppo del mercato. Forse le fiere d'arte possono diventare il miglior "diavolo che conosci"?
Le fiere d'arte sono importanti piattaforme di marketing ma sono imprevedibili quando si tratta di vendite. È un modello di business molto rischioso affidarsi all'occasionale fiera di quattro giorni per fare vendite. Stabilire un'attività artistica sostenibile che supporterà gli artisti su base permanente, un locale di ampia base e il mercato internazionale è essenziale. L'istruzione, la promozione e lo sviluppo del mercato dovrebbero essere al centro dell'attenzione locale se gli artisti devono avere qualche possibilità di lavorare e costruire la loro carriera nei loro paesi d'origine. Un problema recente è che i curatori di fiere d'arte stanno diventando sempre più prescrittivi in ​​termini di opere degli artisti che vogliono esporre. Cosa succederà quindi agli altri artisti rappresentati da una galleria, che non possono mostrare e fare vendite, in una fiera particolare?
Come pensi che artisti e gallerie africane possano sfruttare al meglio l'attuale "momento" per l'arte contemporanea dall'Africa?
La mia opinione è che tutti gli artisti e le gallerie dovrebbero avere una strategia trentennale e non concentrarsi sul breve termine. Le vite degli artisti dipendono dal loro successo a lungo termine: un "lampo di pan" in una mostra o fiera non lo garantirà necessariamente. Il marchio richiesto per rendere possibile una carriera artistica professionale richiede enormi sforzi, dedizione e molti anni di produzione di opere buone e autentiche - e, naturalmente, la fortuna del successo commerciale, che è determinata dal pubblico acquirente.
Date le sfide infrastrutturali e che, con poche eccezioni, i mercati locali non sono in grado di sostenere i mezzi di sussistenza degli artisti, vediamo più artisti rappresentati da gallerie al di fuori del continente e alcune delle migliori opere d'arte africane che finiscono in collezioni straniere. Consideri questo un problema e, in tal caso, cosa pensi che possa essere fatto per iniziare a rimediare?
Questa è una realtà economica e di mercato e cambierà solo quando più africani compreranno e collezioneranno arte africana. La crescita dei mercati locali dell'arte africana e il sostegno agli artisti africani richiede lo sforzo collettivo di tutti i giocatori - gallerie, artisti, collezionisti e governi. L'istruzione e l'esposizione sono aspetti chiave: l'abbondanza di talento artistico sarà apprezzata e le opere d'arte diventeranno desiderabili solo se tutte le parti coinvolte sottoscriveranno una strategia di marketing orchestrata ea lungo termine.
STORIA AA Mercato globale dell'arte di Kabov Johans BormanBen Enwonwu, Purakapukali, 1973. Gouache. Per gentile concessione della Fondazione Ben Enwonwu.
Valerie Kabov è una storica dell'arte con particolare attenzione alla politica culturale e all'economia culturale. La sua ricerca, la sua scrittura e la sua pratica educativa vanno dall'interculturalità e la globalizzazione, i settori dell'arte emergente e la sostenibilità, nonché all'analisi del mercato dell'arte. È co-fondatrice e direttrice dell'educazione e dei progetti internazionali presso la First Floor Gallery di Harare, la prima galleria indipendente e internazionale di artisti emergenti, contemporanea e contemporanea dello Zimbabwe, che ha guidato la galleria e lo spazio educativo.