Recensione di Liese vdWatt

Quale futuro? Quali mondi? Alcuni pensieri sull'Africa alla 56esima Biennale di Venezia

Liese van Der Watt fornisce la sua visione del Padiglione sudafricano alla 56a Biennale di Venezia, oltre a un'opinione sulla presenza dell'Africa alle "Olimpiadi dell'arte" per il 2015.

Recensione di Liese vdWatt
SOPRA: Veduta dell'installazione di "What Remains is Tomorrow", il Padiglione del Sud Africa alla 56esima Biennale di Venezia. Immagine per gentile concessione del Padiglione del Sud Africa.
Il fine settimana volo a Venezia per l'anteprima del 56th La Biennale è scandita, stranamente, dalla nascita di due bambini: uno, reale, nasce nella gentile Inghilterra e contrasta vividamente con l'altro, una ragazza migrante, nata su una nave della marina italiana dopo che sua madre nigeriana è entrata in travaglio durante un salvataggio operazione, non molto distante da Venezia.
Questo, proprio qui, deve sicuramente essere un futuro che il curatore Okwui Enwezor aveva in mente quando ha intitolato il 56th Biennale "Tutti i futuri del mondo", perché in questa netta contrapposizione di diritto ed emarginazione si trova il nucleo di ciò che Enwezor, con articolazione caratteristica, ha chiamato "l'inquietudine dei nostri tempi". E nonostante il fatto che questa inquietudine del nostro mondo - la crescente concentrazione di capitale, l'escalation dei conflitti, la privatizzazione dello spazio, la proprietà del lavoro - sia diventata l'argomento di rigore per gran parte dell'arte contemporanea, lasciando poco spazio all'autoreferenzialità formalista di un'epoca precedente, la visione di Enwezor per la sua Biennale è riuscita tuttavia a sorprendere alcuni. Nelle tante (e in gran parte superficiali) panoramiche emerse nei giorni successivi all'apertura del Biennale, alcuni critici hanno descritto lo spettacolo come "arrabbiato", "politico", "didattico" e anche in un caso come "brutto".
Naturalmente, se si ha familiarità con il lavoro di Enwezor, la sua visione della Biennale non dovrebbe sorprendere. Nel 1997, quando ha curato il Johannesburg Biennale, ha chiarito che per lui la punta di diamante nell'arte "si misura dal grado con cui gli artisti pongono domande durevoli", ed è rimasto fedele a questa visione politica in tutte le mostre che ha curato successivamente. Gli artisti che ha scelto per le sue due mostre ai Giardini e all'Arsenale ci sfidano ripetutamente a guardare al mondo che ci circonda e al futuro che stiamo creando.
Per molti critici, le credenziali di Enwezor come "primo curatore africano" della Biennale spiegavano l'inclusione di tanti artisti di origine africana (36) e di tanti che non hanno mai mostrato alla Biennale prima. Anche se sembrerebbe che le origini nigeriane di Enwezor abbiano suscitato aspettative spinate di una "alterità" ancora associata all'Africa, non vi è tuttavia alcun dubbio che le sue radici africane forniscano una sorta di cambio di codice unico nel contesto artistico internazionale in cui opera e dove si trova stabilito. È questa capacità - quello che chiamerei il suo occhio semiotico, la propensione a tradurre temi visivi in ​​contesti diversi - che caratterizza la Biennale di quest'anno soprattutto in opere che affrontano temi di lavoro, capitale, migrazioni e dislocamento in contesti molto locali e specifici, per tutto il tempo gesticolando verso un malessere globale più ampio.
Mentre questo status globale dell'arte e del commento è enfatizzato nello spettacolo di Enwezor, con molti artisti che chiamano più di un posto a casa, i Padiglioni Nazionali sono ovviamente, paradossalmente, bloccati nel mostrare l'arte che in qualche modo si impegna con l'identità nazionale. E come ha dimostrato la debacle con il Padiglione del Kenya (dove la maggior parte degli artisti proveniva dalla Cina), nazionalismo e origine non sono più facili compagni di letto, se mai lo sono stati.
Nel caso del Padiglione del Sud Africa, i curatori hanno incluso una varietà di artisti con sede (non necessariamente nati) in Sud Africa, piuttosto che seguire la formula collaudata dei padiglioni più degni di nota che hanno scelto solo uno o due artisti forti da i loro paesi. E mentre il team curatoriale dovrebbe essere applaudito per aver messo insieme una mostra dall'aspetto professionale in un brevissimo periodo di tempo (il via libera è stato dato in una fase così avanzata che il Sudafrica non è incluso in nessuno dei cataloghi), la finale Lo spettacolo sembra un po 'casuale, come uno di quegli "spettacoli di identità" che erano così popolari subito dopo le prime elezioni democratiche quando il Sudafrica fu autorizzato a tornare sulla scena internazionale. (Anche se, visto che stiamo contando, tre donne in un mare di uomini non bastano!)
Non fraintendetemi: non cercavo necessariamente un tema, ma si voleva che le opere si relazionassero, si parlassero. Sotto un'ampia bandiera del "passato è tornato a perseguitarci" in opere che hanno "la sensazione che ci sia una narrazione di appartenenza che deve essere interrogata", come affermato nel catalogo, si avverte tuttavia una tipica ansia sudafricana per rappresentazione equa nella schiera di artisti che affrontano di tutto, dalla pesantezza della TRC nel nuovo film di Angus Gibson, alla leggerezza visiva della street art di Robin Rhode, alla cupa intimità della performance di Mohau Modisakeng sul rituale, ai paesaggi sbiancati di Borderlands di Jo Ractliffe serie.
Essendo uno dei due momenti in cui la mostra è “organizzata”, il film di Angus Gibson sulla TRC è brillante, ma probabilmente si adatterebbe meglio al Museo dell'Apartheid dove è anche direttore Christopher Till, il curatore del Padiglione. In questo luogo pieno di gente a Venezia, compete per l'attenzione, soprattutto verso la fine della mostra. In uno spettacolo che presumibilmente parla del futuro, come deve essere interpretato il ritorno dello spettatore al trauma rappresentato dalla TRC? Nonostante il fatto che questo non sia un documentario ma un frammento sensibile che ritrae la complessità di quel processo, il film di Gibson - più una registrazione sonora dei processi di Rivonia - potrebbe aver avuto più senso all'inizio dello spettacolo come contesto, piuttosto che scomparire in la maglia di altre opere.
Questa qualità confusa e sinottica è probabilmente anche il motivo per cui Willem Boshoff Razzista in Sud Africa ha causato un tale clamore. Non credo sia un lavoro particolarmente forte - anzi, è decisamente poco interessante visivamente - ma questo lavoro avrebbe dovuto essere supportato citando il contesto originale in cui Boshoff ha realizzato questo lavoro, ovvero un momento nel 2004 in cui l'ex presidente Mbeki ha espresso frustrazione con i bianchi che criticano il governo prevalentemente nero. Quando Boshoff ha finalmente realizzato il lavoro nel 2011, ha espresso la sua esasperazione al suggerimento che i bianchi non possano criticare, o rischiare di essere etichettati come razzisti. Questa è una nozione pericolosa: anche in un paese come il Sud Africa dove il bianco è particolarmente marcato e carico, i torti che Boshoff elenca come criminalità, disoccupazione, povertà - nonostante l'esagerazione e alcune forti scelte di parole - dovrebbe suscitare rabbia e disapprovazione con chiunque, indipendentemente dalla razza. Ciò che probabilmente ha causato tanto turbamento è che il lavoro di Boshoff sembra appiattire la storia, senza parlare delle ragioni contestuali di molte di queste lamentele.
Il consenso travolgente (e furioso) nel mondo dell'arte sudafricano è stato che questo è lo "sfogo" di un maschio bianco conservatore, una scelta sbagliata soprattutto per Venezia, ma questo è per interpretare male questo lavoro. L'intenzione di Boshoff è meno interessante: ciò che rende affascinante il lavoro è la politica della razza in Sud Africa che chiama, inaugurata dalla prima riga dell'opera, "Sono orgoglioso di essere etichettato come razzista in Sud Africa". Nota che Boshoff non è orgoglioso di farlo be un razzista, ma essere etichettato uno: sposta la questione del razzismo affinché diventi il ​​problema di colui che etichetta, di quello che lo accusa, senza rivendicare quel nome per se stesso. Questo mette lo spettatore in una posizione di compromesso: se è impossibile non disapprovare la corruzione o il crimine o aiutare gli orfani lasciati senza cure o violenti furti d'auto, questo rende razzisti?
Lo spazio non consente una rassegna dettagliata, ma basti dire che sono partito volendo meno panoramica, più approfondimento, più analisi dell'inquietudine che è sempre presente in Sud Africa. Forse più lavori nuovi che affrontano uno specifico punto di rottura sarebbero stati più considerati di questo mix di artisti per lo più affermati, piuttosto "sicuri" - Jeremy Wafer, Brett Murray, Nandipha Mntambo, Robin Rhode, Diane Victor - selezionati dalle gallerie di gate -keeper di Il mondo dell'arte del Sud Africa.
Forse meno (artisti) sarebbero stati sicuramente di più questa volta.
Liese van der Watt è uno storico dell'arte indipendente con sede a Londra. La sua scrittura attuale interroga razza, identità e rappresentazione nell'arte contemporanea africana e in particolare sudafricana. Fino al 2007 è stata docente presso il Dipartimento di Studi Storici dell'Università di Cape Town, dove ha insegnato Storia dell'Arte e Cultura Visiva.