STORIA DI KHAYA WITBOOI

La rivoluzione di tutto: Andrew Lamprecht in conversazione con Khaya Witbooi

Andrew Lamprecht parla con Khaya Witbooi, un artista multimediale che utilizza una combinazione di stencil e pittura a olio per esprimere le sue osservazioni, di solito di natura socio-politica. Il risultato è spigoloso e urbano con una rilevanza africana. Argomenti come l'apparente incapacità della democrazia di fornire soluzioni ai problemi legati al Sud Africa post-coloniale e post-apartheid, il comportamento umano in questo contesto e gli effetti della globalizzazione vengono affrontati regolarmente.

«Mi sono preso la responsabilità di rilasciare una dichiarazione di un cittadino preoccupato. Non mi aspetto che persone da tutto il mondo lo facciano prima di me. Se c'è qualcuno che fa il primo commento, è la persona che lo sente immediatamente, e io sono quella persona ", dice Witbooi.

Questa intervista compare per intero nell'edizione inaugurale di ARTE AFRICA, "Becoming African", che sarà lanciato al FNB JoburgArtFair 2015!

STORIA DI KHAYA WITBOOISOPRA: Khaya Witbooi nel suo studio. Immagine per gentile concessione di Worldart.
Andrew Lamprecht: Khaya, la tua recente traiettoria verso l'alto è incredibile: non appena produci un'opera, viene venduta. Potresti dirmi cosa significa per te? soprattutto alla luce del tuo lavoro recentemente acquistato dalla Iziko South African National Gallery. Allo stesso tempo, per favore, parlami del viaggio che hai fatto per arrivare qui?
Khaya Witbooi: Il modo in cui le persone rispondono al mio lavoro è sempre sorprendente. La prima volta che sono entrato in Worldart, la mia attuale galleria, mi sono avvicinato a Charl Bezuidenhout - solo per vedere cosa avrebbe detto del mio lavoro. È stata la prima persona a cui mi sono avvicinato con un'opera d'arte.
Quindi, sono andato a trovarlo con un dipinto incompiuto e la sua risposta immediata è stata "Mettilo sul muro, qui starà bene". Ho cercato di ricordargli che avevo solo un'opinione, ma lui ha insistito che sarebbe stato bello. Poi lo portò a un negoziante di antiquariato, per chiedere la sua opinione - e il proprietario del negozio finì per comprare il mio lavoro, lì per lì! Questo mi ha colpito e, sebbene sembri così semplice, mi sorprende sempre. Ho iniziato a fare arte nel 2011 e da allora probabilmente ho un pezzo invenduto. Ma non ci sono certezze e non ho una formula, mi impegno a sufficienza e spero che mantenga lo stesso fascino e accoglienza.
E la tua formazione? I tuoi lavori sono molto abili ...
Vengo da una famiglia molto artistica; mio padre è un artista, uno dei miei fratelli è un grafico e l'altro un architetto. Quindi, per me la formazione non consisteva nel dover frequentare un istituto terziario, ero sempre consapevole e appassionato delle arti. L'arte non era offerta come materia a scuola, ma avevo un gruppo di amici e ci sedevamo come un gruppo di persone che disegnavano e facevano arte.
Il tuo lavoro si è davvero sviluppato. Sei rimasto fedele al tuo stile grafico e attingi da così tante fonti - dalla musica, dalla cultura popolare, dalla storia dell'arte e ovviamente dalla street art e dall'arte urbana - eppure rimane ancora molto sudafricano o almeno africano. Puoi parlarne, cosa stai introducendo nel linguaggio visivo?
Prima di tutto, mi occupo di questioni di identità, evitando di fare ciò che altre persone hanno già fatto, ma presentando anche un'estetica un po 'familiare. Tutto quello che ho visto, tutto quello che ho passato e tutto ciò che è nel mondo in cui vivo si attacca a me. Come persona visiva, conservo schemi di colori o immagini nella mia testa. Preferisco vedere le cose attraverso questo filtro: lavorare su un pezzo è una conversazione continua.
A volte, mi siedo e guardo un'immagine e aspetto finché non mi dà qualcosa di interessante da dire al riguardo. Se mi siedo con l'immagine di una pistola, sapendo cosa hanno fatto gli altri con quell'immagine, aspetto che l'immagine mi parli, per darmi una nuova interpretazione che posso rivendicare come mia. È un viaggio quotidiano della mia vita e dei dintorni. Il mio lavoro non è limitato al Sud Africa: ci sono così tanti artisti che lavorano con gli stampini e sono famosi per questo. Ma sto cercando di fare un lavoro che, se lascia lo studio, mantenga ancora un collegamento - che dirà qualcosa su di me e sul modo in cui penso.
Grafica AA STORY KHAYA WITBOOIDA SINISTRA A DESTRA: Khaya Witbooi, Cellphone jamming (live at Parliament), pittura a olio e spray su tela, 150 x 130 cm [DETTAGLIO]; Lo spettacolo deve continuare, pittura a olio e spray su tela, 150 x 130 cm [DETTAGLIO]. Immagini per gentile concessione di Worldart.
Usi ampiamente gli stampini nel tuo lavoro. Sono rimasto sbalordito nel vedere una serie di stampe che hai fatto, che sono per natura molto ripetitive, ma ognuna era completamente diversa. Per favore, parlami di questo, di come rendere le cose uniche Potresti facilmente adottare un approccio semplicistico e realizzare cinquanta copie della stessa immagine, ma cosa ti spinge a renderle uniche?
Penso che l'arte venga insegnata concentrandosi sulla ripetizione e sulle formule. Per me, avere qualcosa che è uguale a quello di qualcun altro diminuisce il suo valore come opera d'arte. Volevo che ogni stampa avesse la propria identità e, sebbene sia la stessa cosa, non sto cercando di essere un incisore, quindi probabilmente non dovrebbero nemmeno essere considerate come stampe. Forse è un pezzo separato che è stato utilizzato più volte, in modi diversi. Mi piace il processo di creazione artistica, se eseguo una serie di stampe è un esperimento nel lavorare con diverse variazioni, quindi continuo a muovermi e continuo a fare la stessa cosa, ma dandole una sensazione diversa ogni volta che lo faccio.
Adesso lavori ai Greatmore Studios: com'è stata questa esperienza, trovi utile lavorare con altri artisti?
Penso che l'aspetto più importante sia che lavorare tra artisti significa che il tuo il lavoro è sempre visto prima dalle persone che fanno arte. È una sorta di pannello critico informale, una conversazione continua. Se ottieni l'approvazione di un artista, hai già vinto. Mi piace il fatto che siamo una comunità, che si prende cura l'uno dell'altro e che le idee scatenano le conversazioni perché tutti abbiamo le stesse problematiche e preoccupazioni. Mi piace la generazione costante di idee fresche e nuove. Ci sono anche eventi, in cui gli artisti vengono dall'esterno (lo studio) e mostrano, proiettano o tengono conferenze, quindi è un hub creativo completo.
Infine, qual è il futuro per Khaya? Dove stai andando?
Penso che se avessi il coraggio di lasciare il paese per un altro posto, sarebbe così difficile tornare indietro. Mi sono trattenuto (dal fare il trasloco), pensando che il meglio del mio lavoro sarebbe stato poi realizzato e conservato altrove, invece che qui in Sud Africa. Il fatto è che ho osservato altri artisti e il mondo là fuori può intrappolarti. Voglio essere qui, perché siamo in un momento critico in cui il nostro contributo come artisti conta moltissimo. Se perdiamo questo - ciò che sta accadendo ora, la rivoluzione di tutto - perdiamo l'opportunità, la possibilità di dire qualcosa di valido. Ci saremmo persi una cosa molto grande.

Penso di voler ancora essere in Sud Africa, per continuare a lavorare e supportare le cose in cui crediamo, dal punto di vista di un artista. Voglio rimanere una parte del discorso, ed è più difficile fare queste cose se non sei nello spazio in cui tutto accade.

Al momento, però, ho una mostra personale alla FNB JoburgArtFair, che è incredibilmente eccitante. Il mio spettacolo, intitolato "Originale", parla di come la nostra cultura e umanità siano diventate vuote, piene di un'identità straniera presa in prestito. Stiamo perdendo il nostro senso di Ubuntu, quindi volevo esplorare ciò che chiamiamo "la nostra cultura" e come influisce sulla nostra vita quotidiana.

Andrew Lamprecht è curatore e docente alla Michaelis School of Fine Art (UCT).