La prova della mia esistenza: una conversazione con Rene Rietmeyer

Rene Rietmeyer (1957, Paesi Bassi) parla di "Time-Space-Existence". Rietmeyer crea “Boxes”: oggetti astratti, tridimensionali, che vengono presentati perlopiù a parete in installazioni multiparte e variabili. Rietmeyer si dedica a rendere visibile l'effetto soggettivamente sentito di città e paesaggi, oltre che di persone.

Ciò avviene con i mezzi formali puramente astratti di colore, forma, materiale, struttura superficiale, composizione e installazione nello spazio. Il suo lavoro consiste nell'esprimere la propria esistenza, nel vivere una vita cosciente e nel creare una consapevolezza dell'esistenza negli altri. Come dice: "In definitiva, il mio lavoro non è altro che la prova della mia esistenza". Nel 2002 ha avviato PERSONAL STRUCTURES. Attualmente, la sua installazione “Hong Kong” è presentata alla mostra PERSONAL STRUCTURES nell'ambito della Biennale di Venezia 2013, a Palazzo Bembo. —Rene Rietmeyer vive a Venezia, Italia.

Rene Rietmeyer, Hong Kong, 2012. Pittura a olio su legno, 40x40x20cm. Toshikatsu Endo, Untitled, 1990. Legno bruciato e rame, 350 cm. Vista dell'installazione a Palazzo Bembo, Biennale di Venezia 2013. Foto: Global Art Affairs Foundation

Sarah Gold: Fin da giovane hai sempre creato il più possibile la tua vita. Pianifica attentamente la tua direzione e come vivi la tua vita. Mi hai detto che consideravi la tua decisione di diventare un artista contemporaneo come "una sfida intellettuale". Potresti descrivere questa "sfida" e hai la sensazione di "esserci riuscita"?

Rene Rietmeyer: Nel 1994, dopo essere stato per 9 anni direttore di un'accademia d'arte privata, non avevo ancora idea di cosa fosse l'arte contemporanea. Semplicemente non l'ho capito. Poi, a 36 anni, sono finalmente riuscito a lasciare andare la direzione dell'Accademia e dedico tutto il mio tempo a cercare di scoprire cosa sia veramente l'arte contemporanea. Mi aspettavo e speravo che l'arte contemporanea fosse principalmente una conquista intellettuale. Ho quindi pensato che comprenderlo e diventare in grado, io stesso, di creare arte contemporanea, sarebbe stata una vera sfida intellettuale. Tuttavia, sembra che gran parte delle persone coinvolte nel mondo dell'arte non si preoccupi davvero dei pensieri intellettuali seri nell'arte contemporanea. Potrebbe essere perché viviamo almeno negli ultimi 30 anni in una società in cui siamo tutti ben nutriti e abbiamo molto tempo rimasto, che molte persone hanno avuto la possibilità di sopravvivere in qualche modo creando oggetti che amano chiamare "arte", senza contenuti reali. Mentre molti altri "artisti" hanno continuato, corrotti dal denaro, a realizzare oggetti in cui loro stessi non credono più. In realtà ho trovato solo pochissimi artisti che prendono davvero l'arte contemporanea come una sfida principalmente intellettuale. Ma quelli che lo fanno, erano e sono personalità molto interessanti. Prendendo alcuni di questi stimati artisti internazionali come standard per misurarmi, devo giungere alla conclusione che mi sento come se io stesso "avessi avuto successo", ma mi ci sono voluti più di 12 anni di intensa occupazione e confronto, con artisti e arte contemporanea, per arrivare a questa sensazione.

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Rene Rietmeyer, Costa Azzurra, 2010. Pittura a olio su tavola, 28x21x7 cm. In questa serie sono stati realizzati un totale di 100 Box.

SG: Dopo che ti sei "affermato" come artista hai avviato STRUTTURE PERSONALI. Sapendo quanto tempo, energia e denaro investi in questo progetto, potresti spiegare perché e come sei arrivato a creare questa "piattaforma aperta"?

RR: Sentivo che se avessi continuato a concentrarmi solo sulla mia carriera personale di artista che, con la mia arte "non spettacolare", non sarei mai stata in grado di raggiungere molte persone. Il mio obiettivo è raggiungere quante più persone possibile con un messaggio sul vivere consapevolmente una vita, e allo stesso tempo in qualche modo sopravvivere finanziariamente a me stesso, pur avendo una vita interessante. Mettere insieme tanti artisti diversi crea una certa dinamica e così facendo sarò in grado di raggiungere molte più persone che stando da solo. Potrei quindi non diventare molto conosciuto come artista, ma raggiungerò il massimo possibile rispetto ai miei obiettivi principali.

Karlyn De Jongh: Con PERSONAL STRUCTURES hai scelto di documentare opinioni e modi di espressione diversi. In passato, quando hai iniziato il progetto con 16 giovani artisti, hai scelto artisti che si esprimevano in modo visivamente simile. Tuttavia, nel 2008, dopo aver sperimentato Toshikatsu Endo parlare ampiamente di Hermann Nitsch al nostro simposio di Tokyo sull'esistenza, hai deciso di aprire il progetto e dare una piattaforma anche ad artisti che sono visivamente molto diversi. Perché hai fatto questo?

RR: Nei primi anni di PERSONAL STRUCTURES mi sono concentrato dagli artisti partecipanti, oltre ai contenuti delle loro opere, anche sull'omogeneità visiva all'interno del progetto. Ciò tuttavia escludeva diversi artisti che avevano pensieri molto interessanti ma approcci "insoliti" esprimendoli. Sebbene avessi iniziato nel 2007 a includere artisti nelle nostre mostre le cui opere avevano un aspetto diverso, è stato davvero solo dopo la conferenza di Toshikatsu Endo nel 2008, che ho ripensato il mio concetto originale e ho aperto il progetto anche agli artisti interessati al Tempo-Spazio -Esistenza, ma ora indipendentemente dall'aspetto visivo dell'opera d'arte risultante da quel confronto. Affermare che l'omogeneità del progetto ora non è più nell'aspetto visivo delle opere d'arte ma, cosa più importante, solo negli argomenti che trattano.

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Rene Rietmeyer, “EL HIERRO, Spagna, febbraio 2011”, “Ritratto di JK e Roma 2010” e “Napoli, Italia, maggio 2010”, 2011. Veduta dell'installazione a Palazzo Bembo, mostra PERSONAL STRUCTURES, 54a Biennale di Venezia 2011. Foto: Fondazione Global Art Affairs. Cortesia: Rene Rietmeyer.

KDJ: Recentemente siamo stati a visitare Michelangelo Pistoletto a Biella, in Italia, e abbiamo parlato del suo progetto "Love Difference". Con l'avvio di PERSONAL STRUCTURES come piattaforma di artisti, documentando così opinioni diverse, sembri essere un "modello" vivente per qualcuno che ama la differenza. Cosa speri di trovare o speri di ottenere con STRUTTURE PERSONALI?

RR: Così tanti umani diversi, con così tanti punti di vista diversi, spesso credendo di essere gli unici a vederlo bene. Documentare il maggior numero possibile di visioni ben fondate sui temi Tempo-Spazio ed Esistenza, cercando di stimolare la discussione e la consapevolezza su questi argomenti. Inoltre vorrei provare a far vedere a più persone che la bellezza sta nella differenza e non necessariamente in ciò che riflette la propria opinione.

Valeria Romagnini: Guardando il tuo lavoro dagli inizi della tua carriera fino ai tuoi lavori recenti, sembra che tu abbia creato un inventario personale delle tue esperienze. Si può viaggiare per il mondo e percepire diverse atmosfere suggerite dalla tua serie. Le tue opere sono reazioni su uno spazio particolare in un particolare momento nel tempo, che potrebbero anche essere viste come sequenze di momenti diversi che si susseguono nel tempo. Tuttavia, dopo aver vissuto questi momenti, la percezione probabilmente sarà diversa e questi momenti sono diventati parte della tua memoria, della tua coscienza, della tua consapevolezza. Come percepisci consapevolmente il tempo? RR: Ripensandoci, ricordo le tante case nei Paesi Bassi dove eri seduto nel soggiorno totalmente silenzioso e sentivi l'orologio che ticchettava forte i secondi di distanza. Questi sentimenti non mi hanno abbandonato da allora, sento i secondi che sono vivo che ticchettano. È uno scorrere lineare del tempo, a volte sembra che ticchetti più velocemente, a volte più lentamente, ma non si ferma, il tempo della mia vita continua a scorrere, in secondi, giorni, anni. Non è una bella sensazione, ma quella coscienza è il pensiero trainante dietro la mia irrequietezza da raggiungere, da sperimentare, finché sono ancora vivo. Fortunatamente creando così un accumulo di ricordi, attimi di tempo vissuti consapevolmente espressi nelle mie opere.

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Rene Rietmeyer, RITRATTO DI SEK, FEBBRAIO 2011, 2011. Pittura ad olio su tavola, 25x25x12 cm. In questa serie sono stati realizzati un totale di 24 Box. Foto: Global Art Affairs Foundation

SG: Guardando i tuoi primi lavori, le tue serie erano spesso molto più fragili, più morbide, più "umane". Ora i tuoi lavori sono diventati più "duri"; la dimensione delle tue scatole è in generale più grande, la scatola stessa molto più "perfetta" e si sentono "più forti". Puoi spiegare questo sviluppo, questo cambiamento?

RR: Per favore, non mescolare più fragile e più morbido, con più "umano", io sono altrettanto "umano" oggi. Ma, soprattutto negli anni '1990, stavo cercando attentamente; Non sono così audace e spericolato come spesso vedo gli artisti americani. La storia dell'arte era d'intralcio. Da più di 5 anni però, avendo potuto avere molti confronti diretti e confronti con artisti che una volta sembravano così lontani, mi sento molto forte riguardo al mio lavoro e al pensiero dentro di me. So da solo dove mi trovo, conosco i miei materiali, so cosa voglio, non ho più bisogno di attenzione e inoltre, il mio progetto e la mia vita privata, vivere la mia vita come un totale, mi dà soprattutto negli ultimi anni un grande piacere , probabilmente anche questo mostra.

KDJ: Durante le nostre visite ad artisti come Hermann Nitsch e Lee Ufan, abbiamo spesso discusso dell'influenza della loro cultura sul loro lavoro. Hai affermato che se Nitsch fosse nato, ad esempio, nei Paesi Bassi, probabilmente non sarebbe venuto al suo Orgien Mysterien Theatre. In che misura le idee che proclami e le opere che crei sono una conseguenza "logica" della cultura in cui sei cresciuto?

RR: Senza dubbio le influenze culturali hanno un impatto immenso sui nostri pensieri e azioni, sulle nostre opere. La combinazione delle mie proprietà dispositive ereditate con l'ambiente in cui sono cresciuto ha avuto così tanta influenza su "ciò che voglio" che il modo in cui mi esprimo nelle mie opere d'arte può essere visto solo come la "conseguenza logica" di tutti questi fattori. In breve: "me" è come mi esprimo.

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Rene Rietmeyer, Costa Azzurra, 2011. Pittura ad olio su tavola, 28x21x7 cm. In questa serie sono stati realizzati un totale di 28 Box. Foto: Global Art Affairs Foundation

KDJ: Dipingi le tue opere a volte anche quasi un anno dopo l'effettivo accadimento. Per me c'è una differenza tra un ricordo fresco e un ricordo di qualcosa che è successo molto tempo fa: con il tempo tendo a dimenticare aspetti dell'esperienza. Le tue scatole Napoli 2010 che hai mostrato alla Biennale di Venezia 2011, in realtà sono state dipinte poche settimane prima dell'apertura della Biennale nel maggio 2011. Sembra che la tua Napoli 2010 sia influenzata da come eri al momento della pittura. Perché non date un doppio appuntamento ai vostri lavori?

RR: Tutti i miei lavori sono ovviamente influenzati anche dal mio momentaneo stato d'essere al momento dell'esecuzione. A volte di più, a volte di meno. Sì, datare le mie opere è una questione che mi ha occupato per un po 'finché non l'ho deciso; il momento in cui si è svolta la parte principale delle riflessioni su come potrebbe apparire una possibile esecuzione di un'opera possibile, è il momento che conta. Tuttavia, questo non è facile da stabilire e senza misurare esattamente, continuo a datare il mio lavoro con la data dell'effettiva esperienza del soggetto. La doppia datazione sarebbe tuttavia più accurata. Tuttavia, non mi è mai piaciuto impegnarmi molto, firmare, intitolare, numerare e datare le mie opere, sono i collezionisti che apprezzano questo, non io.

VR: Nel 2012 mi hai mostrato il muro di Antibes, dove Nicolas de Staël potrebbe essere saltato incontro alla morte, e il luogo in cui hai vissuto a Vallauris, accanto al Museo Picasso. Passando del tempo nel sud della Francia hai iniziato ad avere più libertà e coraggio nell'uso dei colori e subito dopo che i tuoi lavori sono diventati più tridimensionali, sono diventati davvero le tue Scatole. Anche per Matisse il sud della Francia ha avuto un impatto molto importante sul suo lavoro. La luminosità e i colori forti e potenti lo hanno impressionato e ha iniziato a utilizzare blocchi di colore, quindi ha affermato, "il chilogrammo di verde è più verde di mezzo chilogrammo di verde". Cosa significa per te il colore e perché crei spesso una superficie così materica?

RR: Sì, Matisse aveva ragione, non è solo il colore stesso che ha un enorme impatto su come percepiamo, ma anche la quantità di colore, i presenti opachi del colore materiale possono aggiungere un enorme potere nell'esprimere le emozioni. Ogni volta che ho i mezzi finanziari e "si adatta" al soggetto, mi piace creare una superficie opaca, c'è molto di me lì dentro.

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Rene Rietmeyer, VENEZIA GIUGNO 2010, 2010. Vetro di Murano e argento, 48x11x16 cm. In questa serie sono state realizzate complessivamente 103 Scatole. Foto: Global Art Affairs Foundation

VR: Quando guardi le tue opere dall'inizio della tua carriera, mentre sembra che la pittura ad olio e il legno siano i tuoi materiali preferiti con cui lavorare, hai utilizzato finora una vasta gamma di materiali diversi: vetro, legno, cemento, silicone, acrilico, colla, acciaio, ceramica. Quali sono le caratteristiche che ti portano alla scelta di un certo materiale? Ci sono altri materiali che vorresti provare e utilizzare?

RR: Non sono così sicuro di quanto sia personale o universale la mia risposta emotiva a determinati materiali, ma è ovvio per me che ogni materiale ha qualità molto specifiche che posso usare per ottenere una certa percezione. Quindi, ad esempio, la vernice acrilica ha per me un carattere più superficiale e artificiale rispetto alla pittura a olio e al vetro una sensazione più fredda dell'acciaio corten. Sfortunatamente, ultimamente non ho avuto le giuste circostanze per sperimentare nuovi materiali, ma spero di avere una volta l'opportunità e il soggetto con cui posso usare il piombo in combinazione con pittura a olio e legno.

VR: Le tue scatole trasportano il tuo rapporto emotivo con soggetti diversi e il tuo lavoro esprime le tue emozioni, pensieri e sentimenti verso certe persone che hai incontrato e luoghi che hai visitato nel mondo. Se dovessi considerare l'opzione di creare un autoritratto di te in questo momento, che tipo di pensieri emotivi e intellettuali esprimeresti? Come sarebbe?

RR: Ho affrontato spesso queste domande ma non ho mai risposto a queste domande ma, OK. Oggi sono un cubo di legno, 40x40x40 cm, un bordo duro leggermente levigato, forte formato presente, blu scuro / rosso cremisi alizarin, spessa, opaco, spatola opaca, superficie di pittura ad olio onesta e stretta in avanti, colori profondi stabili e non ancora fragile.

KDJ: Negli ultimi anni, ad eccezione delle vostre Scatole di vetro, avete sempre realizzato i vostri lavori con gli stessi materiali. Sebbene i "soggetti" indicati con i titoli sembrino molto diversi, le tue serie Oman 2012, El Hierro 2011 e le tue Kosuth-Box del 2010 sono tutte "pittura a olio su legno" e sono anche molto vicine tra loro nella forma e taglia. Ho ragione nel pensare che sia in atto uno spostamento di focalizzazione? Che nell'esprimere la tua relazione con un certo soggetto "tu" diventi sempre più presente nelle tue opere piuttosto che "i tuoi soggetti"?

RR: Non credo che sia in gran parte estendere la mia personalità che si manifesta sempre di più, anche non nella scelta della pittura ad olio come materiale. Uno dei motivi principali per cui ho lavorato principalmente con la pittura ad olio negli ultimi anni è purtroppo che, da quando ho lasciato Miami e l'Olanda, non ho più gli stessi due grandi studi. Negli ultimi 4 anni mi sono concentrato principalmente sulla creazione di una casa per il mio progetto qui a Venezia, in Italia. Non riuscivo quasi a lavorare e il mio studio qui è di soli 20 metri quadrati. Per le opere in vetro e ceramica ho utilizzato delle assistenze, e queste opere non sono state realizzate nel mio studio. Ma così è, le mie opere diventano secondo chi sono in quel particolare momento nel tempo, con le risorse e entro le possibilità che ho. Cambio continuamente, le mie opere per fortuna cambieranno di nuovo.

KDJ: Fatta eccezione per le tue serie Miami Beach e Côte d'Azur, i colori che scegli per le tue scatole sono spesso piuttosto "semplici". Voglio dire che spesso sono rossi, gialli o blu, e sembra che non ci sia molta differenza tra i colori: il rosso delle tue scatole El Hierro è abbastanza simile a quello delle tue scatole della valle degli squali; il giallo di Praga è paragonabile al giallo del Napoli. Perché? Tutti gli "elementi formali" con cui ti esprimi hanno per te un'importanza simile o ce ne sono alcuni che preferisci agli altri?

RR: Ho anche notato che negli ultimi anni uso spesso, come dici tu, colori "base". Penso che questa influenza sulla scelta del colore per la mia serie dica più su di me che sull'argomento di quella particolare serie. Negli anni precedenti ho realizzato molte serie con, come li chiamo io, colori "intermedi", ma in qualche modo mi sembra di avere una tendenza a quelli che sento come colori "più forti", per cui a mio parere ci sono ancora grandi differenze anche tra l'uno rosso intenso El Hierro e l'altro Shark Valley. Queste differenze non si mostrano bene in stampa, ma molto bene mostrando le opere una accanto all'altra. Simile a quello ho realizzato solo una volta una scatola con un lato curvo. Per me Colore, Forma, Consistenza, Materiale e Dimensione non sono tutti ugualmente importanti, il colore ad esempio ha inevitabilmente per me sempre un grande impatto, la consistenza meno, ma hanno una propria importanza, non posso trascurarne uno, e fa male quando Devo ammettere (spesso anni dopo) che probabilmente ho scelto male.

VR: Nella mostra PERSONAL STRUCTURES del 2013 durante la Biennale di Venezia, presenterai una nuova installazione in uno spazio condiviso insieme alla presentazione dell'artista giapponese Toshikatsu Endo. Come pensi che le due presentazioni si inseriranno nello spazio?

RR: Ho già esposto una volta, a Vienna, in un confronto diretto con un'opera di Endo e ho avuto la sensazione che non si fosse raggiunto il risultato sperato. Quindi, stiamo provando di nuovo. Sebbene visivamente così diverso, sono dell'opinione che ci siano molte somiglianze tra Endo, il suo lavoro, e me e il mio lavoro. Il lavoro di Endo, per la nostra stanza quadrata congiunta, è già stato deciso da tempo. Sapendo questo ho creato un'opera da cui spero possa esprimere la sua forte affermazione, come fa Endo, e che allo stesso tempo i due lavori insieme creeranno un'eccellente installazione in camera forte. Essendo entrambi sull'esistenza umana, presentando entrambi oggetti di legno tridimensionali modificati, lui rotondo, io quadrato, lui fuoco e rame, io dipingo di rosso, lui sul pavimento, io il muro, due uomini maturi provenienti da ambienti culturali così diversi che si presentano e, quando non saremo soddisfatti del risultato, separeremo di nuovo noi, le opere.

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Rene Rietmeyer, Costa Azzurra, 2011. Pittura ad olio su tavola, ogni scatola 28x21x7 cm. In questa serie sono stati realizzati un totale di 28 Box. Foto: Global Art Affairs Foundation

SG: Come persona, sei tutto sulla consapevolezza; Consapevolezza della nostra esistenza, di ciò che ci circonda e del nostro tempo di vita. Perché pensi di aver sviluppato questa speciale coscienza intensificata?

RR: Vedere così tante persone che muoiono intorno a me e allo stesso tempo sapere che non ci sarà vita dopo la morte, ti costringe a prendere la vita molto seriamente. Sapere che una vita è molto breve ti fa capire che ogni giorno vivo è un giorno importante e quindi dovrebbe essere una bella giornata interessante.

KDJ: A proposito di questa affermazione "In definitiva, il mio lavoro non è altro che la prova della mia esistenza". Cosa costituisce esattamente la tua esistenza? Cosa ti rende "tu"?

RR: La creazione del "me" è un processo biologico, sociale e psicologico complesso. Questo ovvio inizia con i geni sui quali non abbiamo alcuna influenza, quindi riceviamo influenze culturali da ciò che ci circonda e in una fase successiva possiamo aggiungere le nostre influenze "proprie" in noi stessi, l'auto-riflesso e l'attuazione delle conseguenze di quella consapevolezza può essere di grande impatto. Tutte queste e molte altre influenze alla fine creano il "me", ma solo finché sono ancora vivo. Quando muoio, rimane solo il mio corpo e anche quello si disintegrerà, "me" si impadronisce di esistere.

KDJ: L'anno scorso abbiamo visitato tutti insieme il Botswana. In uno di questi giorni, siamo andati in una "pozza d'acqua", un luogo dove gli animali vengono a bere, e siamo rimasti lì tutto il giorno, semplicemente seduti in macchina a guardare i diversi animali. È stato molto impressionante per me sperimentare la velocità della vita di questi animali e abbiamo anche discusso del fatto che noi, esseri umani, dovremmo, faremmo meglio - vivere più felici - se la nostra velocità della vita fosse più lenta. Vedendoti lavorare, ho la sensazione che non sia davvero possibile per te. Sembra che tu sia più simile ad Arnulf Rainer, che ora ha 83 anni e solo più lento di prima a causa della limitazione della potenza fisica. Prenderesti mai seriamente in considerazione il rallentamento con tutte le conseguenze che potrebbe avere per la tua vita?

RR: Quello che voglio dalla vita è stata tutta la mia vita consapevolmente vissuta uguale, salute, intense relazioni personali, scoprire le persone e il mondo, un'influenza positiva su ciò che mi circonda, una professione interessante, ecc. E in quest'ordine, ma anche in qualche modo equilibrato secondo le mie esigenze personali. Volevo creare un progetto più grande di me stesso e per raggiungerlo ho dovuto mettere a fianco il mio ego artista e lavorare ad alta velocità. Per ottenere qualcosa di significativo in questi giorni, sembra che non ci si possa “permettere” di rallentare. Rainer, 83 anni, non rallentando, ha sacrificato molte delle cose che apprezzo, io, 55 anni, non voglio fare lo stesso, per vivere una vita soddisfatta secondo le mie idee, dovrò rallentare e concentrarmi di nuovo su tutti gli aspetti importanti della vita.

SG: Fin da giovane, per te "vedere gli elefanti" è stata una metafora per "vivere una vita". C'è sempre stato questo "obiettivo" nella vita. Ora, hai visto gli elefanti, cosa verrà dopo?

RR: Vedere gli elefanti per me ha sempre avuto il significato simbolico di uscire e scoprire il mondo. Ricorderò sempre Rauschenberg che si è rammaricato di non aver potuto scoprire di più perché stava finendo il tempo. So che alla fine finirò anche il tempo, quindi devo affrettarmi e continuare a scoprire molti altri "elefanti". "Vivere una vita" non dovrebbe mai smettere.