Intervista a STEVEN COHEN

Il "dipinto non è morto!" Problema: in conversazione con Steven Cohen

ARTsouthAFRICA ha parlato con Steven Cohen, pionieristico artista sudafricano, prima di recarsi a Canda per partecipare al Spotlight South Africa Festival. Cohen, il cui lavoro affronta provocatoriamente questioni di identità, ha messo in scena una delle sue esibizioni più conosciute, Lampadario (2001), in cui, vestito con tacchi vertiginosi e un tutu illuminato di lampadari, ha interagito con i residenti di un accampamento abusivo a Newtown, Johannesburg.
Questa intervista appare per intero in "La pittura non è morta!" Numero (13.4) di ARTsouthAFRICA - sugli scaffali di un negozio vicino a te! Potrai anche leggere questo contenuto esclusivo nell'edizione digitale di giugno (download GRATUITO qui per Apple e qui per Android).

Intervista a STEVEN COHENSteven Cohen, Lampadario, 2001. Fotografia © Caroline Suzman
Lampadario è comparso insieme ad altre opere famose di artisti del Sud Africa al festival Spotlight South Africa in Canada dall'8 al 28 aprile 2015. Il festival è il risultato di una collaborazione tra il National Arts Council of South Africa (NAC) e Palcoscenico canadese a Toronto.
ARTsouthAFRICA: In primo luogo, congratulazioni per essere stato selezionato per il festival Spotlight Sudafrica! Quale aspetto dell'esperienza ti aspetti di più?
Steven Cohen: Grazie, ma congratulazioni al National Arts Council e al Canadian Stage - Non mi sono invitato, per cambiare. Non vedo davvero l'ora di rappresentare il mondo dell'arte sudafricano, che ha sempre avuto un rapporto schizo-amore / odio con il mio lavoro. Non desidero essere guardato, ma voglio che il lavoro sia visto - ce l'ho fatta. E mi interessa rivisitare un'opera antica nel processo di dire addio ad essa.
Secondo il National Arts Council, c'è anche un prezioso aspetto del trasferimento di competenze al festival - parteciperai a una di queste iniziative?
Andando lì, essendo e facendo, trasmetterò un approccio molto prezioso e particolarmente sudafricano alla libertà di espressione artistica e all'esplorazione della politica di identità emarginata attraverso azioni di bellezza radicale.
Li mostrerò, non come è fatto, ma come lo facciamo. Stare a galla come artista sudafricano è un'abilità particolare. Si parlava di seminari sul trucco, ma ho rifiutato perché non sono Ru Paul. E oltre all'autocritica spietata, non sono sicuro di avere le abilità di cui i canadesi hanno bisogno. Piuttosto, sono ansioso di fare seminari di performance art in Sudafrica su un concetto di "scenografia corporea" che ho sviluppato - sul trattare il corpo come un palcoscenico.
Alla domanda sulla ripetizione Lampadario, hai detto, "Non posso farlo di nuovo. [Ho fatto] lo spettacolo molte volte, ma lo spettacolo è sempre e solo un riflesso di quel ... giorno [a Newtown nel 2001]. [Lampadario è] una documentazione video. Non so se si tratta di video [arte] o danza ... Non so nemmeno se si tratti di arte. Ma penso che sia stato un momento incredibilmente speciale ed [è] un giorno che rivive se stesso nella mia vita ... e per questo sono molto grato alle persone che, inconsapevolmente, sono diventate parte del lavoro. "
Perché continuare a mettere in scena spettacoli multipli di quella che alla fine è stata un'esperienza singolare? Cosa significa ogni enactment Lampadario cattivo per te?
Ogni atto dal vivo di Chandelier è un altro respiro della vita nel processo di morte squisitamente disegnato. E ogni nuova rappresentazione dell'aspetto della performance e la proiezione del video CHANDELIER è un'esperienza originale, perché è un pubblico nuovo. Ciò che potrebbe sentirmi visto è nuovo per loro.
È come dire "Ciao! Vengo così da un posto così dove questo e quello! Non è perché l'ho fatto così tante volte che non ho mai dovuto farlo di nuovo. Spesso introduce parti dell'arte-me e aspetti del paese da cui vengo a Steven-Cohen-e-Sud-Africa-vergini d'arte.
Come si è sviluppato il lavoro nel decennio da quando è stato concepito?
L'opera stessa non è cambiata, ma la sua lettura si è trasformata man mano che il mondo si è sviluppato negli ultimi dieci anni. Ora è in un linguaggio antico e un'estetica antica. Anche il formato video 4: 3 è l'equivalente grammofono dell'attuale tecnologia visiva. Ma i problemi di cui parla il lavoro - discriminazione, dislocazione, disuguaglianza e confronto razziale - sono solo aumentati; sono appena svaniti o sono diventati irrilevanti in SA o a livello internazionale. L'aspetto della performance dal vivo dell'opera è diventato molto più delicato mentre il mio corpo e il lampadario-tutu assumono la tensione dell'invecchiamento e iniziano a disintegrarsi, ma semmai il significato e la poesia dell'opera si sono intensificati con la fragilità causata dal tempo e dall'usura.
“Ho affrontato (il pubblico), non come un ribelle, come un fuorilegge, come un buco del culo; mai un eroe, solo come arte. " Hai fatto questa dichiarazione a Charl Blignaut per un articolo sul Times nel 2011 - queste percezioni sono state raccolte dalle reazioni del pubblico al tuo lavoro o dalle percezioni che pensi che il pubblico possa avere di te?
Quel commento è stato sia una riflessione che una previsione ed è un mix di prospettive; molto di come mi vedo, un po 'di come il pubblico mi vede. E, naturalmente, non dimenticare le autorità - i governi e le strutture a cui piace pensare di possedere noi - che non mi vedono affatto così. Mi vedono semplicemente come un pervertito che corrompe il loro benevolo controllo. In realtà si è evoluto e, dal punto di vista legislativo, ora sono visto come un vero e proprio stronzo di cazzo piuttosto che solo un buco del culo skanky; dichiaratamente un criminale, non solo un fuorilegge.
Parlando di precedenti penali, hai attirato l'attenzione internazionale per la tua esibizione Coq / Gallo (2013) alla Torre Eiffel a Parigi, per la quale sei stato arrestato con l'accusa di "esibizionismo sessuale". Questo certamente non è stato il tuo primo incontro con la legge: sei stato strappato da un centro commerciale in Sud Africa, scortato fuori da una stazione ferroviaria in Giappone e gettato a terra e ammanettato una volta in Francia. Hai in programma di confrontarti con le autorità mentre sei in Canada?
Non sono in Canada per performance art o interventi pubblici o qualcosa di pericolosamente reale. Il mio coinvolgimento con il progetto Spotlight Sudafrica fa parte del mio addio al palcoscenico. E in realtà non "pianifico" mai di firmare il mio lavoro con le autorità, di solito è il contrario; mi cercano di ballare con me. I duetti che abbiamo fatto sono una conseguenza dei loro desideri.
In che modo la dinamica translocale differisce tra l'esecuzione Lampadario in Africa al contrario di Europa o Nord America? In che modo il contesto cambia il lavoro? Quali differenze hai notato nella reazione del pubblico?
Il contesto cambia la reazione al lavoro, non al lavoro stesso: il lavoro è il lavoro. Ovviamente avevo delle intenzioni quando l'ho fatto, ma ora che è fatto, non provo mai a controllare le reazioni ad esso e, naturalmente, accetto che significherà cose diverse per persone diverse in tempi diversi in culture diverse. Ho notato che c'è una certa riluttanza ad affrontare i privilegi razziali e le questioni di potere sociale quando il pubblico è prevalentemente di classe dominante; quindi, in genere, c'è un impulso a "colpire" piuttosto che entrare in empatia o assumersi la responsabilità.
Sì, il tuo lavoro invariabilmente attira l'attenzione su ciò che è emarginato nella società, a partire dalla tua identità di maschio bianco, strano, ebreo, sudafricano. Hai detto di mascherarti per essere in grado di esprimerti: qual è il rapporto tra autenticità e teatralità nel tuo lavoro?
Cerco di introdurre autenticità sul palco e nelle gallerie e teatralità negli interventi pubblici nella realtà. Fingo di essere veramente io e in quel processo di solito riesco a diventarlo. Per me, i due non sono necessariamente esclusivi, ma piuttosto ciascuno di solito ha aspetti dell'altro, e il trucco - come in cottura o chimica - è quello di ottenere il giusto mix.
E infine, questo numero di ARTsouthAFRICA usa la 'Pittura' come punto di partenza tematico, quindi sembra opportuno chiedersi: fino a che punto l'atto di dipingere elaboratamente il tuo viso, e di mascherarti efficacemente nel farlo, funziona come una forma d'arte in sé e per sé?
Non vedo dipingere il mio viso come mascherarmi tanto quanto diventare me stesso, è semplicemente una tecnica per tirar fuori l'arte e attivarmi: è un trucco per non ballare ed è reale per il tempo che è lì. Sono quella cosa che decido di essere, durante!
Ho esplorato questo problema venti anni fa, quando ho comprato (letteralmente, pagato) la mia pagina nel volume XNUMX della pittura sudafricana - e ho insistito per entrare, usando l'immagine di me con una faccia truccata, con in mano una bambola schizzata di sangue, e con un dildo bloccato nel mio "là dove il sole splende spesso", da un'opera chiamata I Was Fucked Up My Art. Certo, i redattori hanno cercato di sfrattarmi ma io li ho combattuti come la stronza di street art che mi colpisce il tallone che sono. E Kendell Geers balzò in mia difesa, sottolineando che la mia faccia era dipinta e soddisfaceva tutti i prerequisiti di quella definizione. Kendell ha anche sottolineato che non era necessario che un dipinto coprisse l'intera tela. Il mio lavoro di esibizione è tanto pittorico quanto è danza, teatro, attivismo, actionismo, poesia e opera. Ed è irrilevante per me se è considerato multidisciplinare o indisciplinato. L'unica cosa su cui insisto è che è arte!