Il problema dell'intervista: Maria Varnava

ARTsouthAFRICA 13.1 è il "Problema di intervista". In esso, ci impegniamo in una conversazione con un numero di artisti, curatori, scrittori e organizzazioni accuratamente selezionati che sappiamo essere realmente impegnati nella trasformazione, nel cambiare le percezioni sulla pratica dell'arte africana contemporanea e nel promuovere l'integrazione di comunità che altrimenti non potrebbero essere esposte alla ricchezza di talenti del continente e ai modi in cui l'arte può cambiare la vita. Abbiamo pubblicato numerosi estratti e ora presentiamo l'intervista completa a Maria Varnava, regista del Tiwani Contemporary di Londra.

Maria Varnava. Fotografia di Philippa Gedge Photography web
Fotografia di Philippa Gedge Photography.
Esiste qualcosa come "arte africana"?

Non ho un problema di per sé con il termine "arte africana", ma preferisco parlare di lavoro in termini di arte proveniente dall'Africa. Quando viene usato il termine generale "arte africana", sembra che questa arte sia una "cosa" monolitica e perpetua le idee di come dovrebbe essere questa "arte africana", cioè "altro", tribale, etnico, con piume, maschere e così via. L'arte africana è sempre stata diversa, eccitante e non solo. Questi sono termini che applicherei a tutta l'arte contemporanea. Quello che vorrei vedere è un allontanamento dalle idee preconcette che esistono sulle arti africane. Vorrei solo concentrarmi sulla forza del lavoro e su come gli artisti stanno spingendo i confini dei loro mezzi e i temi con cui lavorano. In definitiva, si tratta di artisti contemporanei il cui lavoro dovrebbe far parte di dialoghi e collezioni globali.

L'etichetta "African Art" abilita o limita gli artisti del continente?

Sento che in larga misura l'etichetta non limita né abilita gli artisti del continente. Sento, come con tutti gli artisti, la forza del lavoro e il modo in cui il lavoro si impegna con le pratiche contemporanee è ciò che abilita o limita gli artisti.

Cosa qualifica un artista a chiamarlo "artista africano?"

Questo è molto personale e dipende da persona a persona su come identificarsi. Per darvi un esempio personale, sono di origini greco-cipriote e sono cresciuto a Lagos. Come tale, il modo in cui scelgo di etichettarmi è greco nigeriano. Se continuiamo l'argomento per gli artisti e l'arte, spesso gli artisti non vogliono essere etichettati come artisti africani in quanto si vedono come professionisti dell'arte contemporanea. Inoltre, altri possono sostenere che la discussione sull'etichetta / identità è progredita a un punto in cui gli artisti sfidano le categorie in quanto tali. Ad esempio, un artista africano può partecipare a un'asta di arte africana e può anche partecipare a una vendita di arte contemporanea. Gli artisti e le loro pratiche sfocano i confini.

Vi è una percezione tra alcuni nel continente che l'arte contemporanea sudafricana sia più "occidentale" che "africana". Come possiamo colmare il divario geograficamente e culturalmente, tra nord e sud?

In primo luogo, dobbiamo tenere conto delle seguenti domande: cosa significa che uno è classificato come più occidentale e l'altro più africano? È implicito che uno è migliore dell'altro? Questo significa che uno dovrebbe lavorare per abbinare l'altro? In ogni caso, ritengo che l'Africa occidentale, in particolare la Nigeria, così come il Sudafrica, abbiano una struttura e un mercato dell'arte più sviluppati sul campo. Successivamente, gli artisti di quelle regioni tendono ad avere maggiore visibilità e maggiori opportunità di essere visti in un contesto commerciale, che potrebbe, alla fine, influenzare lo sviluppo della loro pratica e la vendibilità delle loro opere. Inoltre, entrambe queste regioni hanno una storia di istituzioni e scuole d'arte che si aggiungono alle rispettive scene d'arte dinamiche. L'istruzione è sempre un fattore nel colmare le divisioni, affrontando più problemi su un numero di livelli. E l'arte stessa, ovviamente, ha anche il suo ruolo da svolgere nel processo di colmare le divisioni.

È necessario un nuovo "dialogo artistico africano" transnazionale per mettere in primo piano le varie conversazioni, sfide e successi di altri centri di cultura e pensiero africani?

È necessario un dialogo artistico transnazionale, panafricano, e già ben avviato. Posso pensare all'esempio molto forte del progetto Invisible Borders: “Dal 2009, l'organizzazione trans-africana Invisible Borders organizza viaggi su strada da Lagos verso altre parti del continente africano. Costituisce una premessa centrale nel tentativo dell'Organizzazione di promuovere un'idea di scambio transafricano, all'interno e ai margini del mondo dell'arte contemporanea. Per ogni iterazione, sono invitati a partecipare fino a 10 artisti, artisti che lavorano su mezzi diversi. Iniziato come iniziativa fotografica, il progetto ha abbracciato altre discipline, in particolare letteratura, cinema e performance art. Mentre sono in viaggio, gli artisti e l'organizzazione partecipanti si impegnano a condividere fotografie in tempo reale, blogpositive fattuali e riflessive, nonché diari video ”. http://invisible-borders.com/

Come possiamo evitare cattivi precedenti storici e piccioni da inquadrare il nostro discorso futuro?

Di artisti che si concentrano sul loro lavoro e sulla loro pratica.

Chi è il nuovo eroe dell'arte africana?

Abbiamo molti eroi africani. Bisi Silva è una di queste per me. Bisi, oltre ad essere un abile scrittore e curatore, è anche fondatore e direttore del Center for Contemporary Art (CCA), Lagos. CCA Lagos offre una piattaforma per artisti giovani ed emergenti per interagire con i media contemporanei e sviluppare la loro pratica. Ha anche creare una delle biblioteche d'arte indipendenti in più rapida crescita in Africa occidentale. Considerando che l'educazione artistica in Nigeria è piuttosto conservatrice, insistente nell'esplorare principalmente la scultura e la pittura e impegnarsi con temi e problematiche limitate, CCA Lagos svolge un ruolo attivo nel fornire uno spazio che consenta agli artisti di esplorare una varietà di media e argomenti. Le mostre, i colloqui, i seminari, i seminari e gli eventi del centro raggiungono il pubblico locale e internazionale, derivante dalla necessità di costruire strutture di supporto locali per la produzione artistica e lo sviluppo del pensiero critico e di fornire un quadro di supporto che incoraggi e avanzi l'individuo ricerca e produzione dei partecipanti. Ad esempio, CCA Lagos gestisce un progetto innovativo, che si svolge una volta all'anno per 30 giorni, che tenta di colmare una lacuna nel sistema educativo in Nigeria e in molti paesi africani che tendono a ignorare le metodologie e le storie critiche alla base della pratica artistica. L'attenzione si concentra principalmente sulla metodologia, il pensiero critico e l'implementazione di idee concettuali. È stato lanciato nel 2010 e quest'anno si è tenuto alla Biennale di Dakar. Bisi Silva è la chiave per il suo sostegno a una varietà di voci e la sua condivisione di conoscenza ed esperienza e, come tale, Tiwani Contemporary ha il privilegio di averla come Consigliere Curatoriale.

C'è qualcos'altro che vorresti aggiungere che non è stato trattato in queste domande?

Grazie mille per l'opportunità di un'intervista. Apprezzo molto l'opportunità di interagire con i tuoi lettori sudafricani e di presentare il lavoro di Tiwani Contemporary a un pubblico sudafricano. Mi considero semplicemente un gallerista e vedo Tiwani Contemporary come un fattore abilitante, uno spazio indipendente di dialogo che supporta artisti giovani, emergenti e affermati dall'Africa e dalla diaspora. Le questioni relative alla politica della rappresentazione non possono essere ignorate, ma io rinuncio a questo come quadro critico dominante per discutere del nostro lavoro e di quello degli artisti che sosteniamo. Siamo interessati a fornire una piattaforma per i nostri artisti per produrre, mostrare e vendere i loro lavori. Siamo interessati a crescere con i nostri artisti e ad essere attivamente coinvolti nello sviluppo della loro carriera e pratica. Siamo interessati alla documentazione e alla diffusione del lavoro e delle pratiche degli artisti per fornire visibilità su scala globale. Come tale, Tiwani è come qualsiasi altra galleria contemporanea seria, dedicata e impegnata che ha un chiaro mandato e fa parte di un dialogo globale internazionale.

Come gallerista, come scegli quali artisti esibire? Quali sono state ad oggi alcune delle tue mostre più importanti per Tiwani? Ci sono delle prossime mostre che vorresti discutere?

Ogni galleria ha il suo modo di scegliere quali artisti esporre. Gli artisti che catturano la mia attenzione sono quelli che stanno spingendo i confini della loro pratica prescelta, hanno un nuovo modo di reagire alle nostre realtà contemporanee e comunicano la loro materia in modo non letterale ma efficace. Inoltre, vengono presi in considerazione anche i livelli di articolazione degli artisti riguardo alla loro pratica e alla loro capacità di parlare criticamente del loro lavoro. In una galleria commerciale, spesso devi pensare alla salabilità dell'opera, ma dalla mia esperienza che non è necessariamente il modo migliore di scegliere artisti a lungo termine; la forza dell'opera è molto più importante e molto più duratura in termini sia di sviluppo della galleria che di carriera dell'artista. Trovo che il lavoro condotto commercialmente sia spesso diluito e non sopravviva alla prova del tempo. Come tale, la scelta degli artisti nella galleria è sia personale che collettiva; come il lavoro e la pratica di un artista mi parlano insieme a conversazioni su come "artista convincente", "nuovo / eccitante" o impegnato in modo critico potrebbe essere quell'artista.

Ciascuna delle mostre che abbiamo tenuto finora nella galleria è stata importante e ognuna per un motivo diverso. La prima mostra che abbiamo avuto, "The Tie That Binds Us", è stata importante perché ha lanciato la galleria. Essendo la prima mostra che abbiamo tenuto, forse è stata una dichiarazione delle intenzioni e dell'impegno a lungo termine della galleria. 'The Tie That Binds Us' ha presentato il lavoro di cinque artisti; Mary Evans, Lawson Oyekan, Emeka Ogboh, Adolphus Opara e Ben Osaghae. Sebbene questo gruppo di artisti condivida un'eredità nigeriana comune, le loro pratiche artistiche sono estremamente diverse. Utilizzando una varietà di media e tecniche, tra cui pittura, fotografia, taglio della carta, arte del suono e video, le loro opere si sono impegnate in modo coinvolgente su molteplici questioni sociali e culturali. I temi sollevati nelle opere mostrate includevano: domande sulla storia; memoria mentre si manifesta attraverso i confini sia del tempo che geografici; e idee che mettono in primo piano da un lato la natura come fonte di guarigione e, dall'altro, l'ambiente come vittima del carattere distruttivo dell'uomo.

Per il nostro prossimo spettacolo, siamo estremamente onorati per presentare una retrospettiva delle opere chiave di Rotimi Fani-Kayode prodotte tra il 1986 e il 1989. Rotimi Fani-Kayode era una figura fondamentale nell'arte contemporanea nera britannica e africana degli anni '1980. Era un fotografo eccezionale che ha dato un contributo inestimabile alla discussione sull'esperienza di "outsider", sia in relazione al luogo, alla sessualità o alla cultura. La mostra è stata curata da Mark Sealy e Renée Mussai di Autograph ABP, di cui Fani-Kayode è stato cofondatore e primo presidente. È programmato per celebrare il 25 ° anniversario della sua morte e conferma la pertinenza duratura del suo lavoro. Lo spettacolo si svolgerà dal 19 settembre 2014 al 1 ° novembre 2014.

Maria Varnava è la proprietaria e direttrice di Tiwani Contemporary, Londra. Fondata nel 2011, Tiwani Contemporary espone e rappresenta artisti emergenti e affermati a livello internazionale, concentrandosi sull'Africa e sulla sua diaspora. Tiwani Contemporary lavora in collaborazione con il Center for Contemporary Art, Lagos (CCA Lagos) sia sulla sua mostra che sui programmi pubblici.

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