STORIA Ngendo Mukii

The Innovation Issue (13.3): In Conversation with Ng'endo Mukii

Animatore, regista e artista keniota, Ng'endo Mukii è stato un relatore in primo piano al 2015 Design Indaba Conferenza. Il suo discorso si è concentrato sull'uso di "animazione documentaria" per convertire l'immagine delle persone post coloniali / "indigene" nei media attuali. Abbiamo parlato con lei per saperne di più sulla sua pratica e su come piattaforme come Design Indaba siano fondamentali per supportare il lavoro innovativo in Africa. Questa intervista è apparsa integralmente in The Innovation Issue (13.3) di ARTsouthAFRICA.

STORIA Ngendo Mukii

Animatore / regista keniota Ng'endo Mukii. Photgraph di Alex MacNaughton.

ARTsouthAFRICA: Benvenuto a Cape Town, Ng'endo! Sei stato invitato a parlare alla conferenza annuale di Design Indaba per il 2015, presentando alcuni dei migliori della creatività globale su un palco. Cosa speri di ottenere e / o ispirare attraverso il tuo discorso?

Ng'endo Mukii: Ho testato alcune teorie sull'animazione documentaria e su come possiamo sfruttarla nel continente per scopi di intrattenimento, ottenendo anche alcuni vantaggi socio-politici specifici dal suo utilizzo. La preparazione per il mio discorso a Design Indaba mi ha costretto a elaborare queste idee in modo più fine e lavorarci sopra nella speranza che abbiano senso e siano convincenti durante la mia presentazione e oltre.

In che modo pensi che piattaforme come Design Indaba siano importanti per supportare o incoraggiare l'innovazione nel design e nell'arte?

È Design Indaba; belle menti da tutto il mondo, mescolando i loro pensieri e sfidandosi a vicenda per oltre una settimana a Cape Town. La cosa sorprendente di Design Indaba è che non solo invita coloro che sono veterani nei loro campi, ma anche artisti giovani emergenti, come me. Questo incontro di pensatori e creatori di diversi campi, in diversi stadi della loro evoluzione, scatena connessioni e creazioni che avrebbero richiesto anni per essere create e che forse non sarebbero accadute affatto.

Il tuo portfolio di animazione comprende campagne pubblicitarie, video musicali, storie animate per bambini e, naturalmente, il tuo lavoro sperimentale. Tuttavia, era il tuo cortometraggio, Febbre gialla, che ha davvero fatto sì che il mondo si alzasse e notasse il tuo stile espressivo unico. Questo era il tuo progetto di tesi, giusto? Per favore, parlaci del film.

Sì, Febbre gialla è il mio film di diploma realizzato al Royal College of Art di Londra. Nasce dal mio interesse per l'immagine che i media hanno creato delle donne africane e come questo ha influenzato il modo in cui vediamo noi stessi, il nostro senso di bellezza e ciò che facciamo per ottenere ciò che crediamo sia bello. Il titolo viene da una canzone di Fela Kuti, Febbre gialla, dove critica le donne per il loro uso di prodotti sbiancanti. Ho una prospettiva diversa dalla sua, però, in cui vedo questa pratica come sintomatica di un problema sociale più ampio il cui trattamento consiste nel mettere in discussione questi standard di bellezza creati dai media piuttosto che attaccare quelli di noi che cadono preda della sua seduzione.

STORIA Febbre gialla MUKII

Ng'endo Mukii, Febbre gialla (2012). Video ancora per gentile concessione dell'artista.

Nella tua dichiarazione di accompagnamento per Febbre gialla, descrivi come "la pelle e ... il corpo sono spesso distorti in una divisione topografica tra realtà e illusione". Diresti che l'arte contemporanea africana soffre della stessa divisione?

Mi riferivo al corpo umano (soprattutto femminile) che si comporta come il paesaggio attraverso il quale realizziamo i nostri sogni e desideri in termini di bellezza. Ciò che desideriamo a volte può essere così lontano dalla nostra realtà, e dedichiamo così tanti sforzi a distorcere e manipolare le nostre apparenze nella speranza di raggiungere questa illusione di bellezza. In termini di arte africana contemporanea, non sono sicuro che ciò si applichi, soprattutto in modo ampio.

Essendo cresciuto a Nairobi, hai studiato sia negli Stati Uniti che nel Regno Unito, diplomandoti al Royal College di Londra dove hai prodotto il tuo film pluripremiato. In che modo pensi che questa esperienza all'estero abbia influenzato la tua pratica in modi che non avrebbe avuto se non avessi lasciato il Kenya?

Sento che tutti gli spostamenti che ho fatto nel corso degli anni hanno fortemente influenzato il mio lavoro. Ho passato sei anni senza tornare a Nairobi mentre studiavo alla Rhode Island School of Design (RISD), e poi lavoravo. Quando sono tornato a casa per la prima volta, ho subito un intenso shock culturale e quello che posso solo descrivere come un "svuotamento di me stesso". Questo è stato un epurazione quasi violenta delle aspettative e dei presupposti e una batteria costante per rimodellarmi e adattarmi al posto che chiamavo casa.

Andare dall'altra parte era stato molto più facile; questa volta non c'erano uffici per i servizi agli studenti, assistenti residenti, consiglieri scolastici o gruppi di studenti minoritari che mi aiutassero a entrare nel mio nuovo ambiente. Piuttosto, alla fine di un viaggio di 24 ore, BOOM! Ero a casa e Kenya ha detto: “Questa è la tua famiglia, ma hanno un aspetto diverso; eccone una che non hai mai incontrato prima, è carina e coccolona. A proposito, avrai bisogno di trovare un lavoro. Oh, e c'è la violenza post-elettorale. In bocca al lupo!"

Le influenze artistiche e concettuali durante la scuola d'arte sono state molto importanti nel definire quale direzione avrei preso. Se non fossi andato a RISD non sono sicuro che sarei finito nel cinema e nell'animazione. A quel tempo non c'erano scuole di animazione in Kenya e non lo consideravo nemmeno una possibilità. Una delle cose che mi ha davvero aiutato a entrare nell'animazione documentaria è stata la conferenza sulle realtà animate a cui sono andato a Edimburgo nel 2011. Avevo difficoltà a capire come utilizzare alcune registrazioni vocali che avevo fatto durante il viaggio Sud Africa. Non riuscivo a convincermi a usare le registrazioni direttamente perché sentivo di "barare", non avendo un'immagine indicizzata che andasse con il suono.

Una delle mie tutor al Royal College of Art, Sylvie Bringas, ha capito che stavo lottando e ha insistito perché partecipassi alla conferenza. Mi ha aiutato a realizzare la relatività del film e della fotografia come media indicizzati. Inoltre, il mio lavoro non era meno prezioso o meno importante a causa della sua natura animata e, quindi, della sua mancanza di immagini indicizzate. In effetti, potrebbe essere ancora più importante a causa di questo elemento. Senza queste influenze, sicuramente non avrei realizzato Yellow Fever né mi sarei avventurato nel documentario-animazione, né sarei stato esposto a questo specifico tipo di pensiero critico.

Tornando a casa, ho scoperto di essere molto più sensibile all'ambiente che mi circondava rispetto a quando ero cresciuto a Nairobi. Il modo in cui le persone si muovevano e parlavano; i ritmi; l'abbigliamento, il cibo, il calore e gli odori; comportamenti attesi, nuove costruzioni e spazi aperti. Mentre ero al RISD, ho iniziato a utilizzare le trame scansionate nella mia animazione. Al giorno d'oggi, tendo a scansionare i tessuti e li uso per vestire i miei personaggi o come trame per gli sfondi.

Ho scoperto che i colori qui erano molto saturi rispetto agli Stati Uniti e decisamente rispetto al Regno Unito. Cerco di catturare questo, creando un'autenticità nel mio lavoro. Sento che la combinazione di esperienze qui e all'estero ha aiutato il mio lavoro a prosperare. Soprattutto come registi, ognuno di noi vuole avere una voce unica da condividere e i viaggi che intraprendiamo influenzano inevitabilmente il nostro lavoro.

È stato detto che stai "aprendo la strada" ad altre giovani registe e animatrici africane. Come ti senti a riguardo? E dove porta questo percorso?

Mi piace molto questa idea! Non sono sicuro di quanto sia vero però. Forse per quanto riguarda l'animazione in particolare potrei ispirare le donne e gli uomini più giovani a esplorare il mezzo e trovare nuovi modi per usarlo, e potrebbero non avere altri modelli di ruolo indipendenti (soprattutto femminili) per aiutarli a capire quali possibilità esistono per loro in questo industria. Per quanto riguarda il cinema in generale, però, sento che la strada è già stata e viene continuamente spianata per mio conto.

Negli ultimi due anni in particolare, posso indicare Judy Kibinge di DocuBox Kenya per aver ispirato e sostenuto i registi di Nairobi. Non solo è lei stessa una celebre regista, ma ha anche creato un fondo locale sostenuto dalla Fondazione Ford, attraverso il quale registi come me possono ricevere formazione, tutoraggio e fondi per realizzare i nostri film. Immagino di poter ispirare gli altri nel cinema e nell'animazione, ma vorrei sottolineare che si tratta di un settore stimolante e ci deve sempre essere una persona o un'organizzazione che difenda e supporti i registi affinché abbiano successo. Quindi sì, persone come Judy di DocuBox Kenya, Kisha Cameron Dingle dell'Africa 1st e molti altri sono quelli che lavorano dietro le quinte e aprono la strada. La strada conduce al futuro!

Il tuo particolare stile di "documentario mixed media" (inclusi stop-motion, live action e animazione disegnata a mano) è stato descritto come "un'espressione unica". Come ti sei stabilito sul tuo mezzo attuale?

Quando ho iniziato nel dipartimento di illustrazione alla RISD (Rhode Island School of Design), disegnavo e dipingevo la maggior parte del tempo. Dovevamo prendere lezioni al di fuori della nostra major prescelta per laurearmi, quindi ho seguito un corso video e ho subito capito che dovevo cambiare major. Sono passato al reparto Film Animation and Video (FAV) e ho scoperto che potevo sperimentare con tutte le cose che già mi piacevano, disegno, pittura, incisione e fotografia e inoltre, avevo questo elemento di tempo con cui giocare.

C'è qualcosa di strano e incredibile in questo che dai per scontato una volta che lavori con i film per un po '. All'epoca stavo ancora imparando come utilizzare i livelli in Photoshop, quando un mio amico mi ha guidato attraverso il processo di digitalizzazione delle riprese video e di manipolazione nella timeline. Penso di aver sentito una piccola piega nel mio cervello espandersi in quel momento mentre guardavo la testa di gioco muoversi attraverso il filmato. Avevo temuto che lasciando il reparto di illustrazione sarei finito in un regno molto digitale, ma al contrario il reparto FAV era pieno di sublimi piaceri tattili. Stavamo animando la sabbia, cucendo pupazzi, montando film su macchine Steenbeck, usando ritagli di carta, scansionando superfici rocciose.

Ad ogni modo, mi hai chiesto come sono arrivato al mio attuale mezzo multimediale e Direi che è il risultato delle mie radici nelle belle arti e delle influenze al RISD.

Per il numero di marzo di ARTsouthAFRICA, ci stiamo concentrando sull'innovazione in Africa, guardando al lavoro all'avanguardia, ai media digitali e ai creativi che utilizzano soluzioni e approcci innovativi per fare nuovo lavoro. Pensi che gli artisti in Africa abbiano accesso sufficiente ai tipi di risorse necessarie per creare arte digitale? Secondo te cosa si dovrebbe fare per incoraggiare questo approccio al fare arte?

Il tipo di innovazione più diffuso nel nostro continente deriva dal non avere accesso a risorse prontamente disponibili altrove e dal dover creare soluzioni che si adattino al nostro ambiente e che siano sostenibili per questo. Certo, si arriva a un punto in cui la mancanza di risorse ostacola lo sviluppo e impedisce la creatività, ma a volte possiamo aspettare per sempre che le risorse arrivino quando la soluzione è dietro l'angolo. La cura potrebbe forse essere il fattore incoraggiante di cui abbiamo bisogno, sia che si tratti di curare che porta all'esposizione o di finanziamenti e risorse.

Hai già parlato della pressione che senti, come regista africano, di concentrarti su argomenti o argomenti considerati "africani" e di come questi tipi di ideali minano il loro vero scopo: celebrare l'Africa. Come trovi un equilibrio tra i due?

Penso che se sei appassionato di ciò su cui ti concentri, naturalmente influenza anche le altre persone ad essere appassionate. Le persone si adatteranno anche al contenuto che offri loro. Penso che a causa dell'immagine che è stata rafforzata dell'Africa e dei contenuti africani nel corso degli anni, ci sia un'inclinazione non solo a creare ciò che si adatta a questo modello, ma anche al nostro pubblico ad accettare solo ciò che si adatta a questo modello.

L'uomo non può vivere solo di pap e braais. C'è di più in Africa che i tramonti arancioni e gli animali selvatici (anche se mi piacciono entrambi e i braais sono davvero fantastici). Penso che l'equilibrio sia trovare il pubblico giusto. Se un regista giapponese può animare una sfera luminosa multicolore che cambia colore lentamente nel corso dei minuti e trovare il suo pubblico, allora forse siamo noi a fallire se non riusciamo a trovare il nostro.

Negli ultimi anni l'arte africana ha visto una crescente attenzione da parte dei collezionisti internazionali. Mentre alcune opere stanno recuperando somme record (£ 541,250 per la New World Map di El Anatsui, ad esempio), molti artisti stanno ancora lottando per procurarsi le finanze per finanziare i loro progetti in primo luogo. Qual è la tua opinione su questa dicotomia e come finanzi i tuoi progetti?

Ebbene, questo problema esiste ovunque e non è esclusivo del nostro continente. Pratico in un mezzo il cui prodotto finale è solitamente riproducibile all'infinito, quindi tali somme di denaro non si applicano in termini di una singola vendita. Come ho accennato in precedenza, per lo più faccio domanda per sovvenzioni di regia, o risparmio denaro e lavoro su progetti un po 'alla volta. Penso che per quelli di noi che "resistono" finché El Anatsui ha fatto, ci sarà una maggiore probabilità di vedere il nostro lavoro riconosciuto nel mondo dell'arte globale in modi diversi, non solo monetariamente. Wangechi Mutu è un artista (keniota!) Per esempio, quindi non è impossibile, ma proprio come ovunque, lo spazio in alto è limitato.

Sembra che tu sia all'apice di una carriera molto fruttuosa; parlaci dei tuoi prossimi progetti: cosa dovremmo cercare all'orizzonte?

Grazie! Sì, spero decisamente che questo sia l'inizio di una carriera molto fruttuosa! Ho appena girato il mio nuovo cortometraggio di finzione, Birika (The Teapot), e sto raccogliendo fondi per la post-produzione (niente tramonti arancioni, ma ho un cammello!) Considera che tipo di mondo sarebbe Nairobi se tutto il nostro le emozioni avevano un elemento fisico in loro. Ci sono molte immagini surreali, realismo magico, fiori che sbocciano e caffè che versa all'infinito.

Sto sviluppando un'animazione documentaria, chiamata SOS Kofi Annan e sono appena tornata dal Berlinale Talent Campus dove ha partecipato alla breve stazione di documentari. Questo film guarda alla storia politica del Kenya attraverso una lente molto personale, vissuta dalla mia famiglia allargata.