STORIA Numero di innovazione 13.3 El Anatsui

In conversazione con El Anatsui

ARTsouthAFRICA di fondatore e caporedattore, Brendon Bell-Roberts, in conversazione con L'Anatsui. Questa intervista è stata pubblicata integralmente nel numero di innovazione di marzo (13.3).

STORIA Numero di innovazione 13.3 El AnatsuiEl Anatsui, AG e BA, 2014. Installazione. Corda in alluminio, filo di rame e nylon. Dimensioni variabili. Fotografia: Jonathan Greet. Per gentile concessione della October Gallery, Londra.

Emerso come artista durante i vivaci movimenti artistici post-indipendenza dell'Africa occidentale degli anni '1960 e '1970, il ghanese Anatsui ha continuato a ricevere riconoscimenti internazionali per la sua pratica in continua evoluzione e sculture altamente sperimentali.

Brendon Bell-Roberts: Innanzitutto, grazie per l'intervista; alcuni di noi qui sono grandi fan del tuo lavoro, quindi è un vero piacere e un onore chattare con te.

Vorrei fare riferimento alla tua precedente mostra al Brooklyn Museum lo scorso anno e alla tua attuale mostra personale alla October Gallery - alcuni titoli, come AG e BA, Timespace e Testimonial, sembrano molto intriganti. Potresti spiegare i titoli e cosa significano per te?

So che in genere non ti piace spiegare il tuo lavoro, ma i titoli sono piuttosto misteriosi e sarebbe bello se potessi condividere alcune delle tue intuizioni con noi.

El Anatsui: Penso che le spiegazioni tendano a ostacolare l'accesso delle persone al lavoro; impedisce loro di andare oltre ciò che ho detto. Non credo che le opere abbiano bisogno di titoli, e nelle occasioni in cui do dei titoli, voglio renderli il più flessibili possibile. Piuttosto che concludere il viaggio, i titoli dovrebbero essere estensioni del mistero, estensioni della libertà di interpretazione che è insita nelle opere d'arte.

Spesso titolo le opere nella mia lingua: Ewe. È un linguaggio altamente tonale ma il più delle volte è scritto senza segni di tono, quindi una parola ha la possibilità di portare significati diversi a seconda delle diverse inflessioni che le si danno. Indica la nozione di non assoluto e penso che i prodotti creativi come le opere d'arte non siano assoluti. Le loro interpretazioni non possono convergere o essere dirette solo da un titolo.

Nel corso della tua carriera hai esplorato una gamma insolitamente ampia di media: dal cemento, alla ceramica, ai legni duri tropicali, ai legni trasportati dalla corrente e alle malte di legno di scarto, e poi in seguito, ai metalli trovati e riutilizzati, inclusi materiali per tetti, grattugie di manioca, coperchi di lattina, lastre di stampa e, nelle vostre ultime installazioni, tappi in alluminio. Puoi darci un'idea del viaggio tra i vari media? In che modo la transizione tra i diversi media riflette il tuo percorso personale attraverso la tua pratica artistica e la tua carriera?

Al liceo artistico ho avuto la possibilità di lavorare con i media tradizionali della scultura, ma dopo essermi laureata ho sentito istintivamente il bisogno di ripensare i media con cui ho lavorato. Il primo materiale a cui sono stato attratto sono stati i vassoi di legno comunemente usati nel mercato per mostrare il cibo. Ho trovato oggetti già pronti e sono intervenuto con segni o ideogrammi pirografici. Ho cercato e trovato gli intagliatori che hanno prodotto questi vassoi e ho collaborato con loro.

Circa quattro anni dopo, mi sono trasferito in Nigeria e così ho perso i servizi di questi intagliatori. Per i successivi cinque anni ho lavorato con l'argilla e ho prodotto la serie di vasi rotti.

In questo periodo, ero in una residenza artistica negli Stati Uniti, dove mi è venuta l'idea di esplorare la motosega come strumento di scultura, quindi nei prossimi due decenni (e ancora) lavoro con questo strumento (e altri motorizzati) su assi di legno e altri oggetti in legno, come vecchi mortai, finestre e porte.

Ho scoperto per la prima volta il metallo sotto forma di grattugie di manioca. Ero attratto dalle loro perforazioni e vari gradi e sfumature di ruggine. Ho esplorato la semitrasparenza della sua natura perforata per lavorare su idee di muri come costruzioni umane che rivelano più cose all'immaginazione di quante ne nascondano agli occhi. Ho lavorato con i coperchi delle latta del latte prima che i tappi delle bottiglie di liquore si presentassero da soli e dopo aver lavorato con loro per un decennio e mezzo, mi rendo conto che quello che sembrava un mezzo con una breve tiratura ha continuato a generare nuove possibilità e nuove idee. Col senno di poi, vedo un filo conduttore che lega i media con cui ho lavorato negli anni. Hanno tutti qualcosa a che fare con la natura nutriente del cibo: i vassoi, le pentole, i mortai e i tappi delle bottiglie.

Sono cresciuto tagliato fuori dalla mia cultura indigena - la mia prima infanzia è stata trascorsa nei confini in una casa di missione, con la chiesa e la scuola come ambiente. Quindi la Scuola d'Arte dell'Università che ho frequentato era affiliata a una britannica con un curriculum che aveva un contenuto locale scarso o nullo. Sono rimasto inesposto al mio patrimonio artistico e culturale.

Per inciso, l'Università si trovava a Kumasi, dove si trova il Centro Culturale Nazionale. Verso la fine della mia carriera scolastica ho sentito una fame crescente per la mia cultura indigena, quindi andavo al centro nei fine settimana per osservare e interagire con gli artisti e gli artigiani e impegnarmi in molte sfaccettature delle arti - testando bronzo e ottone, tessuti e tessuti stampati, musica, poesia e teatro. Lì ho scoperto questo corpo di segni o ideogrammi che sono normalmente stampati su tele funebri - ognuna un'incapsulamento di proverbi o aforismi.

Dopo aver incontrato questi ideogrammi, ho iniziato a lavorare con loro come un modo per soddisfare la mia fame di eredità locale. Quando ho scoperto queste opere d'arte, avevamo appena finito di conoscere il Rinascimento europeo nella scuola d'arte e la differenza tra i due approcci era clamorosamente chiara. Uno è più rappresentativo e figurativo, l'altro analitico e alle prese con idee astratte, il primo più per gli occhi e il secondo più per il cervello. Fonti indigene mi hanno poi portato a stabilire una radice, da cui crescere ea guardarmi intorno alla ricerca di idee, media e processi.

Il rapporto tra le forme d'arte tradizionali e le pratiche più moderne è interessante. Sei consapevole dell'effetto o dell'impressione manipolata digitalmente nel tuo lavoro attualmente?

Inizialmente, non ero a conoscenza di questo, e quando me ne sono reso conto, ho pensato che fosse per caso. Tuttavia, riflettendo, penso di aver giocato con l'idea della digitalizzazione in alcuni dei miei primi lavori, in particolare con legni e ceramiche in cui le composizioni consistevano in unità quasi simili che potevano essere permutate in nuove affermazioni. L'idea della forma non fissa, della forma versatile, della forma che viene plasmata e rimodellata dagli stessi dati, c'è sempre stata.

Alla luce di questa visione digitale dell'opera, potresti mai vederti allontanarti dal tuo processo puramente fatto a mano verso una produzione più tecnologica e basata su macchine delle tue opere?

All'inizio della mia carriera, ero un puritano che credeva che l'artista dovesse usare la propria mano per realizzare le proprie idee. Ora, lavoro con molti assistenti, quindi trovo che il mio ruolo stia gradualmente cambiando in idea-creatore. La tecnologia è un mezzo per fare le cose più facilmente, più velocemente e probabilmente in multipli. Il modo in cui il lavoro è realizzato non mi toglie la paternità: è come se un autore si facesse moltiplicare digitalmente il suo manoscritto per raggiungere un pubblico più ampio.

Puoi approfondire un po 'i temi di sostenibilità, rigenerazione e trasformazione nel tuo lavoro?

Penso che la mia pratica rifletta tutte queste cose. I pittori si sono lamentati con me del costo dei colori a olio e io dico loro: "Bene, se è qualcosa che influisce sulla sostenibilità della tua pratica, perché non guardarti intorno. Il colore non è solo nei tubi, il colore è in tutto ciò che vedi ". Penso che sia quello che faccio; Cerco cose che siano immediatamente disponibili, sostenendo così la mia pratica. Nella mia pratica, trasformo i media; Dò loro una nuova prospettiva di vita.

Le idee con cui lavoro parlano direttamente all'idea di rigenerazione. Ad esempio, il tempo in cui ho lavorato con argilla e pentole rotte - ho usato l'idea della pentola come punto di partenza, dimostrando che quando una pentola si rompe, non è la fine della sua vita. Piuttosto, è l'inizio di un nuovo ciclo di vita, permettendogli più usi rispetto a quando era intero.

Anche i miei processi sono piuttosto basilari, fanno parte della vita quotidiana. Lavorare con i tappi di bottiglia richiede il mezzo più rudimentale; al punto in cui puoi usare solo le mani. Ci sono persone che lavorano con altre apparecchiature, strumenti che le lasciano in balia di fattori non sotto il loro controllo. La mia pratica è sostenuta perché utilizza ciò che non è troppo lontano dalle attività e dalle azioni umane.

A proposito di sostenibilità e di unione di elementi diversi, non so se ne sei consapevole, ma ARTsouthAFRICA sta lanciando la propria fiera d'arte a Città del Capo chiamata That ART FAIR. L'obiettivo è creare un nuovo pubblico e offrire ai giovani artisti di tutto il continente l'opportunità di mostrare il proprio lavoro in un ambiente accessibile e accessibile. Secondo lei, qual è il ruolo di fiere d'arte come QUELLA FIERA D'ARTE in relazione agli spazi delle gallerie tradizionali e alla nuova tendenza di portare l'arte alla gente e presentare l'arte in modo più pubblico e non convenzionale?

Se QUELLA FIERA DELL'ARTE è come la descrivi tu, allora la netta differenza tra essa e le mega fiere d'arte è che darà voce e visibilità ad artisti che sarebbero stati esclusi da quest'ultima perché non considerati affermati, con grandi gallerie o "vendita". Il modello è molto simile all'approccio alla produzione, diffusione e consumo d'arte nella maggior parte delle culture dell'Africa tradizionale, dove il pubblico è molto coinvolto e non vengono poste barriere a nessuno che abbia un input creativo da fare.

Questo è un paragone molto astuto. Hai altri pensieri riguardo ai giovani artisti e professionisti - qual è la tua opinione sullo stato di sviluppo nel continente?

Fino a poco tempo, mi ero concentrato sul lavoro in studio e non avevo visto molti artisti più giovani. Poi, per due anni consecutivi, ho avuto l'opportunità di presiedere una giuria per un concorso nazionale, così ho sviluppato una più profonda consapevolezza di ciò che sta accadendo sulla scena con gli artisti più giovani. Una caratteristica interessante e gradita è l'emergere di giovani artisti che entrano nella pratica da molte discipline diverse. Discipline che fino a poco tempo fa non erano considerate legate all'arte come ingegneria, chimica e matematica.

Il loro background sta alimentando la loro pratica, aprendo nuove e interessanti prospettive di avvicinamento a vecchi temi o soggetti. Queste opere presentano punti di transito, annullando qualsiasi stasi nel sistema, il che mostra una grande promessa per la crescita dell'arte nel continente.