Flussi di coscienza

La dodicesima edizione del Rencontres de Bamako, altrimenti nota come Biennale della fotografia africana, ha raggiunto quest'anno due importanti traguardi celebrando il suo 12 ° anniversario dalla sua nascita nel 25, e, cosa più significativa, è stata la prima edizione prodotta esclusivamente dal Ministero di Cultura del Mali

Come ha commentato N'diaye Rama Diallo, ministro della Cultura del Mali, "Questo bisogno viscerale di rivendicare la propria storia e di promuovere un'altra immagine di se stessi deriva dalla persistenza, in alcune menti occidentali, di un vasto cliché sull'Africa, dove le savane si mescolano con fauna abbondante; guerra tribale, etnica o clan; folklore esotico; epidemie e carestie croniche; insomma, una panoplia di preconcetti che non rende giustizia alla storia dell'Africa, alla diversità delle sue ricchezze (culturali), o al genio e al fertile entusiasmo degli africani.

Sotto la direzione esecutiva di Lassana Igo Diarra, la democratizzazione dell'evento era della massima importanza, e sotto la direzione artistica di Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, insieme ai suoi co-curatori Aziza Harmel, Astrid Sokona Lepoultier e Kwasi Ohene-Ayeh, hanno implementato approcci vari che hanno visto la produzione di circa il 95% di tutto il lavoro in mostra proprio a Bamako. Ciò è significativo dato l'impegno della nuova leadership dell'evento a localizzare la produzione a beneficio della comunità locale e dell'economia di Bamako.

C'era anche una scala ambiziosa per l'edizione di quest'anno che ha visto il Museo Nazionale del Mali decentralizzato come il luogo espositivo chiave con le mostre e i discorsi sparsi in tutta la città e presentati in numerosi luoghi iconici tra cui Musée National, Palais de la Culture, Memorial Modibo Keita , Musée du District, Conservatoire des arts et métiers multimédias, Institut Français, Galerie La Medina, Famille Fall, Theatre Blonba con un dj set nel famigerato bar Bla Bla.

L'IMPROVVISO SCAMPER NEL SOTTERRANEO: Sulla presenza dell'invisibile, del remoto e di altre questioni spettrali

ERIC GYAMFI

Fixing Shadows, Julius e io, 2018-2019, installazione fotografica e sonora. Cortesia dell'artista.

Fixing Shadows, Julius e io inizia con l'interesse per ciò che accade alla vita di una fotografia mentre si muove nel tempo. Il lavoro esamina lo spazio tra due fotografie: la prima è del compositore, cantante, pianista e ballerino nero americano Julius Eastman e l'altra è l'autoritratto dell'artista Gyamfi. Lette come coordinate, il progetto cerca di mappare, attraverso tempi e incontri diversi, le possibilità e le potenzialità che uno spazio potrebbe incarnare. L'installazione è composta da circa 2000 serigrafie e stampe cianotipiche (misura tra A2 e A5) realizzate nel corso di un anno e montate direttamente su una struttura 300 x 500 x 30. Una traccia audio di un'ora e dodici minuti, cucita insieme dalle note vocali di Whatsapp raccolte dagli amici degli artisti, loop. Le registrazioni audio sono spinte dal desiderio di Gyamfi di estendere la ritrattistica oltre la piattezza di un'immagine. Sono raccolte di note vocali indirizzategli da amici che descrivono i due ritratti che aveva inviato loro e come li hanno letti individualmente. La struttura rettangolare mostra un palinsesto di immagini composte in forma di griglia e (ri) prodotte dai due ritratti originali. Il lavoro di Gyamfi considera ugualmente ciò che è sulla superficie di un supporto fotografico con le componenti narrative e formali di un'idea. Se si considera che la fotografia privilegi l'occhio come la sua logistica di percezione predefinita, Gyamfi estende la fisicità dell'immagine e la sua conseguente frontalità in dimensioni auditive, testuali e strutturali. Il suo lavoro ci invita a considerare anche la fotografia nelle sue forme extra-pittoriche.

FANYANA HLABANGANE

Silent Conversations (Graceful Chaos), 2017-2019, fotografia.Conversazioni silenziose (caos aggraziato), 2017-2019, fotografia.

La serie di foto in bianco e nero di Fanyana Hlabangane cattura figure umane, forme architettoniche e altri oggetti in momenti banali, privati ​​o solitari nella città di Johannesburg. Formatosi come sceneggiatore, l'artista si identifica intimamente con la solitudine e la estende attraverso la sua macchina fotografica cercando per le strade e documentando figure solitarie che fungono da promemoria o specchio della sua condizione. È affascinato dalla possibilità di utilizzare la fotocamera per registrare i nostri spazi interni così come le persone oi pensieri interiori che potrebbero rimanere nascosti e sepolti nei recessi della nostra mente. Attraverso la sua macchina fotografica, stabilisce un'identificazione con soggetti di interesse che generalmente sono inconsapevoli della sua presenza. Queste sono persone che stanno conversando o che sembrano essere in disaccordo con il loro ambiente. Per Hlabangane, c'è una scala per la città di Johannesburg che non solo sminuisce il proprio senso di appartenenza, ma può anche minare le proprie speranze e sogni. Eppure ogni momento di veglia in una città come questa può essere realizzato solo nella sua essenza granulare e vissuto nel regno dell'interno, quell'inquietante luogo di solitudine.

BUHLEBEZWE SIWANI

AmaHubo, 2018, video a 3 canali, 13ʹ01ʺ. Per gentile concessione dell'artista e WHATIFTHEWORLD /.AmaHubo, 2018, video a 3 canali, 13ʹ01ʺ. Per gentile concessione dell'artista e WHATIFTHEWORLD /.

Il lavoro di Buhlebezwe Siwani interroga generalmente l'inquadratura patriarcale del corpo femminile nero così come l'esperienza femminile nera nel contesto sudafricano. Il suo lavoro esamina anche l'impatto degli ideali occidentali di bellezza, potere, genere e spiritualità nella società sudafricana di oggi. AmaHubo è un'installazione video a tre canali che trae il suo soggetto dalla denigrazione e dalla fine delle credenze religiose e spirituali africane dovute in gran parte alla conquista e colonizzazione euro-cristiana del Sudafrica. Di particolare interesse è la strumentalizzazione del corpo femminile nero e il modo in cui attesta le storie scolpite nei corpi e nelle menti delle donne nere, siano esse credenti nel cristianesimo o guaritrici tradizionali. Il video infonde anche questa politica culturale (di razzismo, sottomissione basata sul genere e sulla religione) con una consapevolezza delle strutture economiche che assicurano espropriazione e sfruttamento allo stesso tempo nel Sudafrica post-apartheid. AmaHubo si situa all'incrocio in cui questi mondi si intersecano.

IBRAHIM AHMED

Ciò che viene dopo porta la pace a questa irrequietezza N. 10, 2018, tecnica mista, collage su carta.

Brucia ciò che deve essere bruciato è un corpus di opere in cui Ibrahim Ahmed fa i conti con le tensioni tra la mascolinità tradizionale e la creazione del sé individuale. Le sequenze in bianco e nero e a colori sono composizioni collage e montate attraverso le quali l'artista articola una contestazione di queste ideologie faccia a faccia Autoritratti "mutilati" o esagerati con tecniche di manipolazione digitale di svuotamento, appiattimento e stratificazione della forma sia narrativa che fotografica.

BADR EL HAMMAMI

Mirage, 2018, video HD 16/9, 9ʹ. Cortesia dell'artista.Mirage, 2018, video HD 16/9, 9ʹ. Cortesia dell'artista.

Il processo artistico di Badr El Hammami affronta l'alterità attraverso la negoziazione, la collaborazione e gli scambi con venditori ambulanti, bambini delle scuole elementari o altri artisti. Nelle sue opere le nozioni di sfollamento, migrazione, confini e politica passano attraverso filtri personali legati alla memoria e alla famiglia. Nella sua serie di cartoline Saluto di Kerkennah, l'artista combina l'uso di cartoline turistiche delle isole Kerkennah in Tunisia, mappe recuperate dagli abitanti dell'isola e altre immagini estratte da Internet, che uniscono il fisico con il virtuale. A prima vista, le immagini, che vengono visualizzate frontalmente, possono rappresentare un paesaggio inquietante o utopico. Ma un'analisi più attenta rivela sfumature di morbide macchie fumose che mediano in modo inconsistente l'aura turistica di ciascuna delle cartoline. Questa tecnica sovverte potenzialmente la coerenza narrativa nelle cartoline e agisce anche per trasformare l'immagine in quanto tale. Questo effetto è creato dall'artista che dipinge intenzionalmente e brucia le cartoline.

L'immagine in movimento funziona Miraggi: Kerkennah raffigura una serie di brevi video prodotti in situ. Queste performance filmate sovrappongono istantanee Polaroid a paesaggi reali. Ma le Polaroid (o immagini fisse) nascondono quasi totalmente il paesaggio reale nell'immagine in movimento, mentre l'immagine del paesaggio reale è accennata leggermente attraverso la carta fotosensibile. Il lavoro mette in discussione il nostro rapporto con lo schermo, che è molto presente nella nostra vita quotidiana, e anche con le informazioni che tendiamo a consumare quotidianamente senza contese.

ABRIE FOURIE

River Notes (Beli, Cres, Croazia), 2014, fotografia.River Notes (Beli, Cres, Croazia), 2014, fotografia. Cortesia dell'artista.

La serie agisce come una sorta di poesia visiva, che potrebbe essere vista come visioni collettive ed esperienze di vita quotidiana che trascendono in un altro spazio, il non familiare nel mondano, creando una sorta di alchimia.

Le metafore sono costruite per mondi esterni ed interni che richiedono uno spostamento della percezione innescando la coscienza collettiva - il racconto di storie conosciute e sconosciute, personali e pubbliche.

River Notes trova la sua ispirazione iniziale nella canzone di Bill Callahan Ride My Arrow. River Notes esplora i vari aspetti dell'entropia nella vita quotidiana. Callahan canta: "La vita è una corsa da cavalcare / O una storia da plasmare e confidare / O il caos chiaramente negato?" Letteralmente e metaforicamente il lavoro affronta le relazioni tra movimento, concentrazione, meditazione e cambiamento.

Ciò si ottiene attraverso una serie di nature morte contemplative fino a momenti candidi, giocosi e gioiosi, che, insieme, consentono allo spettatore e al lettore di comprendere cosa può comportare l'entropia della vita. Per indicare, o meglio, affermare il caos ordinato: frenare l'entropia!

RENÉE HOLLEMAN

Delineations (Veld, Farm, Futures), 2019, collage digitale. Cortesia dell'artista.Delineazioni (Veld, Farm, Futures), 2019, collage digitale. Cortesia dell'artista.

Renée Holleman invoca il potere concettuale, metaforico e letterale delle linee nel suo lavoro. Per lei, la dimensione politica dell'impiego delle linee ci indica il fatto che, ad esempio, quando colleghi due punti, fai una dichiarazione su come dovrebbe essere organizzato lo spazio e su chi lo organizza. Nel delineazioni utilizza idiomi tratti dalla fotografia e dalla cartografia per creare costellazioni di immagini tratte da siti come la collezione delle Ferrovie sudafricane. Questi evocano la progressione senza soluzione di continuità dalle infrastrutture di trasporto a una visione della terra (aperta, vuota) che si presta al nazionalismo bianco. Ad esempio, non è un caso della storia per Holleman che Jacobus Hendrik Pierneef sia stato l'artista incaricato nel 1929 di dipingere i 32 pannelli per l'interno della stazione ferroviaria di Johannesburg. Scattate a tutta velocità lungo strade nazionali e capillari, le fotografie di Holleman segnano questo stesso legame sfilacciandolo. Accostati ai loro antenati d'archivio, questi sono spazi ordinari e impenetrabili, la loro immagine non offre un terreno stabile da cui ammirare il panorama. La successiva divisione delle immagini da parte di Holleman, rompendo la loro integrità come superfici, aumenta questa instabilità separando la vista dal possesso. Possiamo ancora "scattare" una fotografia, ma queste fotografie non possono contenere il loro contenuto, né sono beni vitali. In altri luoghi, il risultato della sua profonda immersione nella visione è difficile da guardare. Quando emerge, il passato è brutto, e ancora di più quando la sua presenza rivela quanto sia ancora presente. I frammenti storici ci mostrano così tanti buchi aperti e travisamenti razzisti. Holleman segna la presenza di questi; come disturbano e chiedono disturbo. Ma le importa che tali rappresentazioni non siano fatti. Sono il prodotto di un punto di vista particolare, poi altri punti di vista diventano possibili.

NOI VENIAMO DA SINISTRA, NOI VENIAMO DA DESTRA: Sullo spostamento, l'erraniamento e la dispersione

MILENA SCHEREZADE CARRANZA VALCÁRCEL

L'Atajo de Negritos d'Amador Ballumbrosio - Spiritualité Afropéruvienne, 2015, fotografia. Cortesia dell'artista.L'Atajo de Negritos d'Amador Ballumbrosio - Spiritualité Afropéruvienne, 2015, fotografia. Per gentile concessione dell'artista.

Nel sud del Perù, nella Valle Ica, così come a Cusco, capitale degli Incas, gli Atajos de Negritos (gruppi di ballerini) e Pallitas (gruppi di ballerini), con il loro caposquadra, il loro caporale, i loro violinisti e ballerini escono per celebrare la nascita di Gesù bambino a Natale. Questa è una delle celebrazioni religiose più impressionanti del nostro paese, in cui le culture spagnole, africane e andine sono state sincronizzate, ed è stata dichiarata nel 2010 Immaterial Heritage Heritage of the Nation — PCI.

Amador Ballumbrosio Mosquera (1933-2009), un contadino e artista, è una delle persone principali responsabili di preservare questa tradizione. Nato a El Carmen, distretto afro-peruviano della provincia di Chincha, nel dipartimento di Ica, ha dedicato la sua vita alla cultura di Atajo, contribuendo a preservare le 26 danze originali risalenti a più di 500 anni, che evocano ad esempio, l'opera della terra, la devozione alla Vergine Maria o la protesta contro il regime degli schiavi.

In questo modo, al fine di perpetuare questo patrimonio, il Centro Culturale Amador Ballumbrosio invita Milena a registrare i corsi dell'Atajo nel 2009 che, con la morte di Amador, è ora conservato dai suoi figli. Da allora la accompagna con fervore, aiutando anche con la dichiarazione come PCI.

Questa selezione, in particolare, mostra il corso del 2015, dal battesimo delle nuove danzatrici fino alla fine con l'incendio del presepe, e trasmettiamo la profonda fede e devozione di questa pratica. Grazie alla visione impegnata di Milena e al flusso inconscio ancestrale, siamo avvolti da ogni immagine in questa sacra esperienza.

I ramoscelli non penetreranno nei nostri occhi: sulla possibilità della speranza e del futuro come promessa

FOTOTALA KING MASSASSY

Tenir (Diforme), 2019, fotografia. Per gentile concessione dell'artista.Tenir (Diforme), 2019, fotografia. Per gentile concessione dell'artista.

1995, Montgomery, Alabama: Fototala King Massassy ha incontrato Rosa Parks durante un tour con la sua band rap SOFA nelle città americane che erano state segnate dalle lotte per i diritti civili. Gli disse come lei, insieme a figure come Martin Luther King, le Pantere Nere e molti altri, avesse stretto e alzato i pugni per dire no all'ingiustizia negli anni '1950 e '1960. In seguito a questo incontro nacque il primo record di hip-hop maliano, in cui SOFA denunciava la schiavitù arabo-musulmana e il commercio triangolare, e cercava di restituire a un uomo di colore un'umanità di cui era stato privato.

Quasi venticinque anni dopo, Fototala King Massassy riprende questo simbolo della lotta per l'emancipazione nella sua serie Tenir, un inno all'Africa come un concetto globale piuttosto che un concetto ridotto ai confini del continente a cui si riferisce. Il fotografo ci offre ritratti di un nuovo tipo: con il simbolismo della forza, dell'unità e della sfida dietro questi pugni stretti che hanno accompagnato così tante lotte anche al di fuori degli Stati Uniti, ritrae un'identità africana e afro-discendente che è determinata, unita, e coraggioso in relazione alla sua storia tumultuosa. E per sottolineare il desiderio di resistenza che lo caratterizza, attraverso i suoi incontri, a volte fortuiti, all'angolo di una strada, a volte orchestrati, con maestri nelle scienze occulte - il fotografo ha catturato pugni ornati con anelli fortunati, il cui scopo è quello di fornire protezione o invulnerabilità a chi li indossa. Su alcuni di questi anelli sono incise formule magiche, simboli sacri o scritture; altri sono adornati con oggetti o pietre sotto i quali sono sepolti talismani prescritti dai maestri delle scienze occulte, custodi di segreti esoterici. Ciò che la Massassia Fototala vede in questi ornamenti che coprono la pelle decrepita delle mani sono quelli degli esseri umani che resistono.

KHALIL NEMMAOUI

Air Twelve land, fotografie, 2019. Courtesy dell'artista.Aria dodici terra, fotografia, 2019. Courtesy dell'artista.

Il progetto di Nemmaoui iniziò come un fascino per la proliferazione della Renault 12 (R12), un'auto di famiglia di medie dimensioni, nella città di Sidi Mokhtar tra Essaouira e Marrakech in Marocco. L'artista mette in scena la berlina in composizioni che collocano la forma geometrica dell'automobile nel contesto di paesaggi aridi e in relazione ad altre forme vegetative, regolari e di forma irregolare. Le scene di genere di Nemmaoui decentrano consapevolmente il soggetto umano nelle sue strutture compositive. Le sue immagini emergono da incontri casuali con R12 abbandonati o pienamente operativi in ​​varie circostanze dalle quali sono costruite le sue scene poetiche. L'R12 è il motivo ricorrente in tutte queste foto, a volte centrato, altre volte giocando un ruolo periferico nella composizione. L'illusione della ripetizione si ottiene solo nella struttura visiva ma non nel contenuto; le diverse foto mettono in scena veicoli distinti individualmente che possono apparire uguali (se non per loro che sono colori diversi). È come se l'artista stesse costruendo relazioni visive che esplorano e intersecano i mondi delle tecnologie organiche, architettoniche e meccaniche creando un rapporto di interdipendenza e necessità.

COLLETTIVI

ORCHESTER DA COLLEZIONE VIDE

Yohann Queland de Saint-Pern & Myriam Omar Awadi, Orchestre Vide (Karaoké de la pensée), 2016-2019, dispositivo performativo. Per gentile concessione degli artisti e di La Colonie.Yohann Queland de Saint-Pern e Myriam Omar Awadi, Orchestre Vide (Karaoké de la pensée), 2016-2019, dispositivo performativo. Per gentile concessione degli artisti e di La Colonie.

Orchestre Vide o "Empty Orchestra" (tradotto letteralmente dal termine giapponese "karaoke") è un progetto collettivo che nasce da una riflessione sulla questione della conoscenza e delle relazioni esistenti tra pratiche scientifiche e artistiche. Il progetto reinventa il contenuto scientifico in forma artistica. L'installazione è composta da video con discorsi, conferenze e altre comunicazioni "famose" di teorici, studiosi, scrittori, poeti, politici, artisti visivi e personaggi di fantasia tratti da film e documenti d'archivio (inclusi Gilles Deleuze, Édouard Glissant e Paul Vergès) , distribuito in forma performativa e partecipativa coinvolgendo gli spettatori che saranno invitati a dire o eseguire questi testi nel formato popolare e conviviale del karaoke. Il lavoro potrebbe anche essere considerato come una sorta di rievocazione da parte del pubblico di alcune delle grandi lezioni, interviste o momenti che hanno significativamente modellato la storia e cambiato la nostra percezione del mondo. In questa installazione performativa, il desiderio di oralità è la sovrascrittura privilegiata. Il desiderio di ascoltare il pensiero è enfatizzato anche dalla sua lettura.

CONFINI INVISIBILI

Emeka Okereke, Wishful Thinking 2, Benin, Nigeria, 2011, fotografia. Per gentile concessione dell'artista.Emeka Okereke, Wishful Thinking 2, Benin, Nigeria, 2011, fotografia. Per gentile concessione dell'artista.

La politica dei confini continua a prendere forme e forme più recenti mentre le politiche del governo, i conflitti e la militanza spostano milioni di persone in tutto il mondo. Tuttavia, vi è un crescente desiderio da una parte all'altra del continente di rendere permeabile, queste rigide linee di divisione che incidono sempre più sulle interazioni tra loro mentre gli ideali e i benefici del panafricanismo diventano più attraenti ed economicamente attraenti sia per i governi che per gli individui. Dal 2009, l'Invisible Borders Trans African Photography Organization ha continuato ad attraversare il continente approfondendo la comprensione dei suoi confini attraverso esperienze vissute e incontri straordinari utilizzando mezzi di fotografia, letteratura e film. Il lavoro dell'organizzazione è fortemente radicato nel desiderio, da una parte; sperimentare e documentare storie, cultura, incontri intimi, la poesia della presenza e il viaggio attraverso i confini attraverso le strade; e d'altra parte; spostare le narrazioni predominanti sull'Africa dal reportage mediatico tradizionale che sono così spesso filtrate attraverso lenti colorate o strette intese a adattarsi a prototipi e tropi preconcetti.

Nel 2018, l'Invisible Borders Trans African Photography Organization ha intrapreso l'ottava edizione del suo Trans-African Road Trip da Lagos, Nigeria a Maputo, Mozambico. Destinato a svolgersi in due lotti, il primo gruppo di artisti - fotografi, scrittori e registi - ha viaggiato da Lagos, in Nigeria, attraverso il Camerun, la Repubblica Democratica del Congo, per finire a Kigali, in Ruanda. Il Road Trip Lagos-Maputo 8 si è basato su due frasi tratte dalla premessa concettuale del road trip: “negoziazioni volatili tra passato e presente” e “Io sono dove penso”.

Il primo parla della storicità dell'autostrada transafricana Lagos-Maputo e della politica di movimento lungo quel percorso mentre il secondo parla del filo che attraversa i viaggi su strada anno dopo anno: il corpo, non solo come vaso di presenza. e movimento, ma anche uno strumento di pensiero attivo ovunque sia posizionato sulla strada.

Nei 45 giorni in cui gli artisti hanno viaggiato, queste frasi guida sono servite da ancore di base accanto a temi personali, anche se vagamente rispettati, che hanno informato le opere che hanno creato sulla strada in gran parte da incontri e interazioni premeditati e per lo più casuali. Il fotografo e cineasta Kenechukwu Nwatu è andato alla ricerca di incontri musicali cercando in che misura sia un derivato della spiritualità. La scrittrice Tope Salaudeen-Adegoke ha vagato in molti mercati alla ricerca di storie al polso delle transazioni quotidiane, in particolare delle donne. Emeka Okereke aveva, come tema guida, "Dream Chamber", un corpo di lavoro fotografico volto ad articolare qualcosa del "terreno che si sposta sotto i nostri piedi" nel processo di rinegoziazioni e riconfigurazioni dei confini che si svolgono in varie forme e scale in tutto il continente . Lo scrittore, Kay Ugwuede, è andato sulla strada interrogando, come un percorso per comprendere le differenze che derivano da demarcazioni di qualsiasi tipo.

Alcuni di questi lavori saranno esposti in una mostra multimediale durante il Festival di Bamako.

Oltre alla mostra multimediale con un film non lineare del Road Trip di Lagos-Maputo, immagini e testi di un blog dedicato in cui gli artisti hanno condiviso il loro lavoro sulla strada, Invisible Borders ospiterà anche un seminario di 10 giorni prima del apertura del festival e il coinvolgimento di fino a 10 scrittori, fotografi e registi a Bamako; e una mostra nello spazio pubblico di fotografie e testi dall'archivio Invisible Borders.

Il viaggio su strada Lagos-Maputo 2018 è in corso. Il Batch B e la tappa finale del viaggio continueranno in un secondo momento, quindi questo componente della nostra mostra prenderà la forma di un lavoro in corso.

—Kay Ugwuede

KOLEKTIF 2 DIMANSYON (K2D)

IN ALTO: Kazal Moise, Orifizio nel fiume Bretelle. Il fiume è il primo collegamento tra Kazal e Cabaret, ribattezzato Duvaliervill sotto il dominio di François Duvalier, Cabaret, 2015, fotografia. Credito: Moise Pierre. BOTTOM: Kazal Mackenson, Agricoltori che si prendono una pausa a Desab, una parte di Cabaret, 2016, fotografia Credito: Mackenson Saint-Félix.

Quest'anno ricorre la commemorazione del cinquantesimo anniversario del massacro di Kazal, un villaggio nel nord di Port-au-Prince che è diventato, nella primavera del 1969, la scena orribile di uno degli eventi più tragici della storia contemporanea di Paese. Sotto la dittatura di François Duvalier, caratterizzato da terrore e corruzione, i contadini insorsero per protestare contro le tasse abusive e il divieto di consumare l'acqua del fiume che scorreva attraverso il loro villaggio. La rivolta fu presto repressa dall'esercito e dalla milizia del regime, finendo con un record disastroso di almeno 23 contadini uccisi, 80 dispersi e 82 case bruciate. Se l'evento è stato cancellato dalla storia ufficiale, il ricordo della sua atrocità sussiste ancora attraverso le testimonianze di sopravvissuti e le vestigia che ha sparso nel paesaggio e nella vita quotidiana degli abitanti di Kazal. Utilizzando il potenziale della fotografia come strumento di narrazione della memoria, sei fotografi haitiani della prima generazione post-Duvalier hanno intrapreso un'opera di rievocazione per affrontare le cicatrici del passato e sbarazzarsi dello spettro della spietata dittatura che ancora aleggia sul Kazales e gli haitiani in generale e attraverso le generazioni. Per tre anni si sono recati all'incontro della gente di Kazal per interrogare i loro ricordi di luoghi ed eventi. Kazal è il risultato di un viaggio lungo ed emozionante che ha richiesto loro di mettere in atto strategie per superare le barriere sociali, culturali e geografiche per essere in grado di restituire ciò che è rimasto dei ricordi sbriciolati dal tempo. Attraverso una narrazione a doppia prospettiva, il collettivo ha costruito una testimonianza frammentata e soggettiva che ovviamente non afferrerà mai completamente la realtà di quel fatto storico, ma almeno produrrà un archivio di riferimento tardivo e riattiverà una riflessione attorno alla sua memoria.

PROGETTI SPECIALI

LE OPERE DI TOLA ODUKOYA

Coppia a letto, 1965.

Le immagini progettate graficamente di Odukoya stimolano la questione dello scopo della memoria. Dato che siamo esposti alle fotografie create da Tola Odukoya, sembra che abbiamo iniziato a tracciare e ripercorrere ed esaminare storicamente le tracce delle autostrade culturali dell'Africa. La missione qui è semplicemente quella di presentare una selezione di venti immagini della sua collezione di oltre duemila fotografie che è stata creata nel corso di una carriera di oltre quarant'anni. Il lavoro multistrato di Odukoya scompone una serie di domande e va oltre per dichiarare un'emergenza sulla necessità di aprire nuove conversazioni sulla complessità delle relazioni e degli effetti della cultura sulla demografia, specialmente nel continente africano. La scoperta del lavoro di Tola Odukoya rafforza ulteriormente l'urgenza di ampliare il nostro campo di vista e ripensare la nostra posizione sulla fotografia e in Africa.

Gli estratti di cui sopra, tratti dal catalogo della biennale, sono mostre da guardare alla 12a edizione di Rencontres de Bamako. Rencontres de Bamako durerà fino al 31 gennaio 2020.