Kimathi Mafafo, Embolden, 2017. Pannello ricamato, 41 x 27 cm. Per gentile concessione dell'artista e di EBONY.

SOLO [P2]

SOLO alla Investec Cape Town Art Fair 2018

Cercando di esplorare più a fondo le pratiche artistiche di artisti emergenti e affermati che lavorano sia a livello locale che all'estero, la Investec Cape Town Art Fair ha introdotto "SOLO", una selezione di presentazioni personali, con questa edizione curata da Nontobeko Ntombela.

Nella sua prima versione, "SOLO" è dedicato esclusivamente alle donne artiste, offrendo allo stesso tempo prospettive diverse sulle questioni socio-politiche diffuse che le donne affrontano, evidenziando il loro contributo significativo al mondo dell'arte.

ARTE AFRICA ha parlato con questi artisti per saperne di più sulla loro pratica artistica e sulle narrazioni concettuali alla base del loro lavoro.

 

Keyezua  

 

Lola Keyezua, Fortia n. 11, 2017. Maschere progettate e realizzate a mano da artisti e sei uomini con disabilità fisiche. Per gentile concessione dell'artista e della MOV'ART Gallery.Keyezua, Fortia # 11, 2017. Maschere progettate e realizzate a mano da artisti e sei uomini con disabilità fisiche. Per gentile concessione dell'artista e della MOV'ART Gallery.

 

Il lavoro di Keyezua si concentra sulla rottura dell'immagine stigmatizzata dell'Africa, dove la creazione di storie individuali -  film, fotografie, dipinti, poesie e sculture: esplora la rinascita di un continente.

Il tuo lavoro tratta gli stereotipi associati all'Africa e l'immagine globale del pregiudizio che ha ricevuto dalla storia e dai media. In che modo concettualizzi una "nuova" immagine dell'Africa, e diresti che un approccio multidisciplinare alla creazione artistica lo comunica meglio?

Ho deciso di concentrarmi sulle cose che mi fanno sentire a disagio come donna di colore e come "africana". Tacere sugli stereotipi che sono un attacco alla mia esistenza, mi fa sentire un collaboratore dell'Africa come "Continente senza speranza".

Nel corso degli anni, come artista, ho scoperto che ogni emozione richiede l'autenticità e la decisione senza paura di provare diverse tecniche e diventare un artista multidisciplinare. Attualmente vivo e lavoro a Luanda, in Angola, dove i movimenti del mio corpo, i suoni, le forme, la natura, i colori, la pelle e la storia del paese non mi permettono di non voler sfidare me stesso - per vedere cosa succede quando esploriamo sconosciuto e mezzi inesplorati. Non mi piace sentirmi troppo a mio agio nelle mie scelte di mezzi e materiali artistici. La mia arte ha comunicato attraverso diverse forme, mezzi ed emozioni che richiedono la libertà di usare qualsiasi approccio. Alcuni risultati potrebbero essere fraintesi, ma è così che vedo l'arte. È lì per fare rumore e molto buon rumore!

Non esiste un approccio migliore per parlare di un continente che ha così tanto da offrire: la storia dell'Africa richiede a ciascun creativo la necessità di usare qualsiasi mezzo per parlare sinceramente dell'Africa e del resto del mondo.

 

Kimathi Mafafo

 

Kimathi Mafafo, Solitude I, 2017. Pannello ricamato, 55 x 40 cm. Per gentile concessione dell'artista e di EBONY.Kimathi Mafafo, Solitudine I, 2017. Pannello ricamato, 55 x 40 cm. Per gentile concessione dell'artista e di EBONY.

 

Lavorando principalmente con la pittura ad olio su tela, Kimathi ha recentemente introdotto il ricamo nel suo spettro e continua a creare lussureggianti ambienti verdi con intensità e attenzione ai dettagli.

 

Il tuo stile ricorda le opere d'arte del 17 ° secolo che raffigurano donne rilassanti in una natura lussureggiante. A differenza dei classici, viene evidenziata la forma femminile nera. Cosa ti influenza nel creare queste scene di fuga che sono contemporaneamente rappresentative dell'arte europea africana e classica?

Ciò che mi influenza sono le storie che sento di donne a cui non viene data voce o ruoli di comando nella comunità più ampia. Ho scelto la donna nera come simbolo di tutte le donne che sono rimaste al buio. Queste scene di evasione sono una rappresentazione di un uomo moderno che definisce ancora cosa sia una donna, nella più ampia comunità che impone tradizioni antiche.

Mi trovo felice di essere nato da una famiglia di artisti - ora posso usare i miei dipinti e ricami come voce per esprimermi.  Ho anche scoperto che durante la creazione di queste scene di evasione, trovo conforto e uno spazio per sfuggire alle mie attività quotidiane.

L'arte classica europea nei miei quadri è anche un'influenza dei miei ricordi d'infanzia di aver visitato il William Humphreys Museum di Kimberly.

 

Ingrid Bolton

 

Ingrid Bolton, Layered landscape I, 2017. Vari cavi metallici, scatola metallica, 15x15xvariabile cm. Per gentile concessione dell'artista e di Berman Contemporary.Ingrid Bolton, Paesaggio stratificato I, 2017. Vari cavi metallici, box in metallo, 15x15xvariabile cm. Per gentile concessione dell'artista e di Berman Contemporary.

 

Trovando ispirazione nella decostruzione dei cavi di rame, Ingrid cerca connessione e riconnessione nel suo lavoro e crea un oggetto completamente nuovo, trasformando i rottami in arte.

Lavori principalmente con cavi scartati: nella tua arte, il rame rappresenta una metafora dei sistemi di connettività. In che modo questo processo di decostruzione informa i tuoi temi artistici?

Il processo di decostruzione inizia con la separazione dei cavi tra loro nei cantieri di metallo spazzatura. Trovare il cavo giusto con cui lavorare, quando riassemblato, diventerà qualcosa di completamente diverso. Ogni cavo è costituito da molti singoli fili di cavo allo scopo di stabilire una connessione. È nella riconnessione o ricostruzione che la mia arte si unisce. Queste connessioni sono talvolta casuali e spesso intenzionali. Si connettono di nuovo l'uno con l'altro diventando nuovamente un tutt'uno, ma ora a differenza della sua forma originale.

Il mio interesse non sta solo nella scomposizione per esaminare individualmente i dettagli, ma anche per mostrare come nella vita, tutto

è connesso. Come, quando considero la vista interna dei cavi, viene presentata un'altra immagine abbastanza diversa. Come nella vita, cerco di guardare oltre la superficie e trovare la particolarità di ciò con cui sto lavorando. La combinazione di queste nuove superfici, collegate tra loro, si trasforma da spazzatura in un'opera d'arte.

 

Buhlebezwe Siwani

 

Buhlebezwe Siwani, IVUMBA (Questa immagine fa parte di un trittico), 2016. Inkjet su Epson Hot Press Natural. 100 x 100 cm. Edizione di 4 + 1 AP. Per gentile concessione dell'artista e WHATIFTHEOWORLD Cape Town / Johannesburg.Buhlebezwe Siwani, IVUMBA, 2016. Inkjet su Epson Hot Press Natural. 100 x 100 cm. Edizione di 4 + 1 AP. Per gentile concessione dell'artista e WHATIFTHEOWORLD Cape Town / Johannesburg.

 

Lavorando in performance, fotografia, scultura e installazione, Buhlebezwe concentra il suo lavoro nello smantellamento dell'inquadramento patriarcale del corpo femminile nero e dell'esperienza femminile nera, nel contesto sudafricano.

 

Lavorando prevalentemente nell'ambito della performance e dell'installazione, utilizzi spesso video e immagini fisse come sostituti del tuo corpo, che è fisicamente assente da questi spazi specifici. Qual è il significato di entrambe le presentazioni di te stesso e del tuo corpo: il presente fisicamente e, in alternativa, la ri-presentazione? Inoltre, come presenterai il tuo lavoro per "SOLO" e perché? 

Il corpo non è mai completamente assente, il soggetto si sta sempre diffondendo o vive in altri regni, questo è lo scopo di alcuni dei lavori che faccio. Secondo la tua domanda, sono fisicamente presente e quindi rappresento nuovamente il mio corpo, per me è uno nella stessa cosa. Il corpo occupa altri spazi apparentemente non tangibili come fanno gli antenati. In questo modo, sono in grado di parlare della presenza che è effettivamente assente nello spazio, perché mentre non ci sono, lo sono ancora.

Per 'SOLO' presenterò un lavoro nuovo e un lavoro “vecchio”, non credo che nessun lavoro possa essere site specific, anche una mostra collettiva curata è site specific. Uno può essere in grado di prendere vecchi pezzi di lavoro e metterli in uno spazio diverso, non devi pensare a come lo spazio parla all'opera? Il lavoro inizia con la specificità del sito, che sia vecchio o nuovo, lo spazio deve essere sempre considerato, quindi tutto il lavoro è essenzialmente specifico del sito.

 

Renee Cox

 

Renee Cox, Eve, 330.2 × 259.1 cm. Per gentile concessione dell'artista e della Galleria Amar.Renee Cox, vigilia, 330.2 × 259.1 cm. Per gentile concessione dell'artista e della Galleria Amar.

 

Uno degli artisti più controversi che lavorano oggi, Renee Cox è una fotografa afroamericana che usa il suo corpo - nudo e vestito - per celebrare la femminilità nera e criticare una società che spesso vede sia razzista che sessista.

 

Sei stato nominato un iconoclasta e sei probabilmente il fotografo nero più influente che lavora oggi - noto per le tue immagini impavide e iconiche. Partecipando a SOLO alla Investec Cape Town Art Fair, cosa ne pensi del lavoro che emerge oggi dall'Africa e dove pensi che fiere - come l'ICTAF - si trovino nello schema globale delle cose?

La Cape Art Art Fair sembra sicuramente una buona idea riunire artisti, produttori e collezionisti sotto lo stesso tetto in uno sforzo concentrato per vedere cosa sta succedendo nel continente e all'estero. Questa può essere solo una buona cosa esposizione esposizione .. È responsabilità dell'artista e dei rivenditori assicurarsi che l'opera d'arte sia esposta in un luogo in cui l'educazione ispira un nuovo gruppo di giovani artisti e può anche creare opportunità commerciali ) per far prosperare l'Artista.

 

Leggi anche ciò che il resto degli artisti ha risposto alle loro domande qui.

IMMAGINE IN PRIMO PIANO: Kimathi Mafafo, incoraggiare, 2017. Pannello ricamato, 41 x 27 cm. Per gentile concessione dell'artista e di EBONY.