Maimouna Guerresi, Rābi'a, 2016. Stampa Lambda, 100 x 79 cm. Edizione di 5. Courtesy dell'artista & Officine dell'Immagine, Milano.

SOLO [P1]

SOLO alla Investec Cape Town Art Fair 2018

Cercando di esplorare più a fondo le pratiche artistiche di artisti emergenti e affermati che lavorano sia localmente che all'estero, la Investec Cape Town Art Fair ha introdotto 'SOLO' - una selezione di presentazioni personali, con questa edizione a cura di Nontobeko Ntombela.

Nella sua prima iterazione, 'SOLO' è dedicato solo alle donne artiste - offrendo allo stesso tempo diverse prospettive sulle questioni socio-politiche diffuse che le donne affrontano e sottolineando il loro significativo contributo al mondo dell'arte.

ARTE AFRICA ha parlato con questi artisti per saperne di più sulla loro pratica artistica e sulle narrazioni concettuali alla base del loro lavoro.

Pamela Phatsimo Suntrum

Pamela Phatsimo Sunstrum, Sightseer (dettaglio), 2017. Matita e gouche su Aquabord, 22,5 x 30,5cm. Per gentile concessione dell'artista.Pamela Phatsimo Sunstrum, turista, 2017. Matita e gouche su Aquabord, 22,5 x 30,5 cm. Per gentile concessione dell'artista.

Spinto da un fascino per le mitologie e le teorie scientifiche, Pamela riflette sulle origini del tempo, sulle identità transnazionali e sulle idee sull'universo nelle sue opere cartacee, installazioni su larga scala e film in stop-motion.

Hai vissuto e lavorato in varie località in tutto il mondo e il tuo lavoro è arrivato per affrontare lo sviluppo di identità transnazionali, connessioni umane e rituali transfrontalieri. In che modo la tua educazione nomade ha influenzato la tua pratica e perché questi temi sono meglio comunicati attraverso un approccio interdisciplinare al fare arte?

Il mio lavoro si basa sul disegno e include lavori su carta, installazione, animazione e performance. Attualmente sono interessato a utilizzare il mio lavoro per esplorare i parallelismi tra la cosmologia antica e le teorie avanzate della scienza. Trovo affascinante che sia i nostri antenati più antichi che gli scienziati più futuristi abbiano sempre posto le stesse domande: chi siamo? Perché siamo qui? Come è stato realizzato l'universo? Di cosa è fatto? Di ancor maggiore interesse per me sono i costrutti di potere - spesso politicizzati - che hanno alimentato le ricerche per rispondere a queste domande.

Nei miei primi lavori, stavo costruendo una narrazione mitologica che era vagamente autobiografica. Avevo inventato un alter ego, di nome Asme, che divenne l'eroe nella narrazione. Questa mitologia era guidata da una preoccupazione per la mia complicata esperienza della mia identità. Mia madre è del Botswana, dove sono nato, e mio padre è canadese. Sono cresciuto vivendo in molti paesi e culture diverse. In quanto tale, il mio senso di identità era fluido, transculturale e transgografico.

Collegare il mio interesse per la mitologia e la scienza è una sottile politica all'opera nel mio processo di creazione dell'immagine: credo che l'atto di immaginare sia un'azione politica. Più precisamente, come artista africano contemporaneo, credo che l'atto di immaginare e occupare un futuro ancora da conoscere sia un'azione politica particolarmente radicale. Indico qui gli scritti di Deleuze sul "divenire" in cui descrive che un popolo oppresso è nella sua forma più potente e più potente quando si trova in uno stato di "divenire": cioè un fluido, ma ancora da conoscere modulo. In quanto tale, penso spesso al mio lavoro come a diagrammi, schemi, mappe, fari e dispositivi di navigazione che sono invocazioni a un'identità radicale ancora da conoscere.

Lhola Amira

Lhola Amira, Sinking, Xa Sinqamla Unxubo, 2018. Per gentile concessione dell'artista e della galleria SMAC Cape Town / Johannesburg.Lhola Amira, Xa Sinqamla Unxubo (Sinking), 2018. Per gentile concessione dell'artista e della galleria SMAC Cape Town / Johannesburg.

Interessata all'intersezionalità tra "reale" e "performativo", Lhola concettualizza opere d'arte che trattano questioni di contesa - condizioni socioeconomiche e politiche di razza, genere, sessualità e posizione geografica - e negozia senza soluzione di continuità il ruolo di oratore, attivista e saggio.

È passato quasi un anno dalla tua mostra personale di debutto, "Looking for Ghana and the Red Suitcase" presso la SMAC Gallery, Stellenbosch. Come si è sviluppata la tua narrativa artistica da allora, e il tuo lavoro è ancora in gran parte focalizzato sull'immaginazione dell'Africa?

Più abbiamo interesse per noi stessi e andiamo a cercare, i cambiamenti narrativi. Più indago sui modi per la guarigione collettiva per i neri, più sono attratto dalla ferita - che cos'è la ferita e di cosa è composta la ferita. Per guarire, dobbiamo sapere dove fa male e perché. E non sto parlando di generalizzare il dolore nero, ma di disimballare le complessità e le sfumature dello spostamento e dell'espropriazione dei neri. Se dobbiamo veramente immaginare l'Africa, allora dobbiamo davvero guardare alle sue ferite e quali meccanismi hanno tenuto queste ferite in fermento in quello che descriviamo come un momento post-coloniale, decolonizzato, indipendente e francamente come queste ferite sono state normalizzate come esistenza quotidiana e chi può trarne vantaggio.

La mia narrazione artistica è in gran parte modellata scompattando narrazioni storiche e immaginando l'Africa - così il lavoro emerge da quello spazio intermedio, lo spazio del fare.

Il mio punto di partenza nell'immaginare l'Africa è guardare questo momento attuale in Africa e dire, beh, questo è ciò che l'Africa decolonizzata in realtà assomiglia - perché abbiamo già fatto il lavoro di reinventare e riposizionarci attraverso sistemi, infrastrutture, istituzioni che sanno come discriminarci e ucciderci. Ora immaginare l'Africa richiede forse un nuovo insieme di sensibilità per spostare il nostro linguaggio, il nostro pensiero, andando oltre il contesto della decolonizzazione perché sappiamo già cosa ci ha dato.

Lucinda Mudge

Lucinda Mudge, farsi scopare ripetutamente dalla vita (dettaglio). Vaso in ceramica Per gentile concessione dell'artista e di Everard Leggi la CIRCA Gallery.Lucinda Mudge, Farsi scopare ripetutamente dalla vita (dettaglio). Vaso in ceramica. Per gentile concessione dell'artista e di Everard Leggi la CIRCA Gallery.

Lavorando principalmente in ceramica, i vasi di Mudge sono ricchi di colore e intricati nei dettagli: si uniscono in un'unica unità per celebrare la capacità dell'umanità di impulsi contraddittori.

Lavorando con la ceramica, il tuo argomento è in gran parte centrato sia sul bello che sul violento, eppure emette ancora un senso dell'umorismo. Perché è importante per te mantenere questa presenza di umorismo, ironia e talvolta beffa nel tuo lavoro?

Realizzando vasi in ceramica mi inserisco in un genere antico quasi quanto l'umanità stessa. Mi riferisco spesso al disegno decorativo di, ad esempio, un vaso del XIV secolo o un vaso art deco - e quindi aggiungo a quella fondazione il mio testo o le mie immagini. Conosciamo l'immagine di un vaso decorativo, e quindi lo vediamo compensato da qualcosa di inaspettato.

Uso l'umorismo, l'ironia e la presa in giro come un modo per porre domande autentiche. Il lavoro si apre per operare su due livelli, perché a volte non è chiaro allo spettatore se sia serio o meno. L'umorismo che vedi nei miei vasi fa parte di ciò che sono e questo emerge nel mio lavoro. Tratto i vasi come personaggi che possono esprimere ciò che è normalmente indicibile.

Mi interessa lo spirito umano: i bei tempi e i cattivi. Penso che i miei vasi riflettano questo. Sono sfarzosi, dorati e belli, ma c'è anche una pesantezza lì.

Maimouna Guerresi

Maimouna Guerresi, Rābi'a, 2016. Stampa lambda, 100 x 79 cm, edizione di 5. Courtesy l'artista e Officine dell'Immagine, Milano.Maimouna Guerresi, Rabi'a, 2016. Stampa lambda, 100 x 79 cm, edizione di 5. Courtesy l'artista e Officine dell'Immagine, Milano.

Nata in Italia, Maimouna si è convertita all'Islam dopo aver vissuto in Senegal e ha continuato a creare arte attorno a un apprezzamento dell'umanità condivisa oltre i confini - psicologici, culturali e politici.

Le tue fotografie rivelano un vero misticismo, spesso implicando un senso di spiritualità - e in particolare esplorando la fede islamica. In molti modi, i corpi fotografati sembrano sfidare un rapporto radicato con la realtà. È noto che ti sei convertito dal cattolicesimo all'islam. La tua prospettiva religiosa e la tua transizione hanno influenzato il modo in cui crei arte?

Il mio interesse è rivolto principalmente all'indagine sulla spiritualità femminile islamica. L'esoterismo musulmano, in particolare quello dell'orientamento sufi rappresenta, per me, il percorso autentico e puro verso la coscienza interiore.

Attraverso la mia pratica, intendo interpretare i vari aspetti della spiritualità musulmana in una visione più democratica e pluralista. Il mio lessico visivo mira a sottolineare e mettere in risalto le diverse qualità della donna musulmana nella società occidentale e islamica. In questo modo, mi concentro principalmente sullo studio del corpo mistico velato come valore della diversità e sul disagio e il fascino che ne derivano, cercando sempre di evitare una visione stereotipata della religione islamica.

Le ambientazioni, i personaggi, gli abiti e tutti gli oggetti di sfondo sono sempre scelti da me con grande cura e attenzione, perché simboleggiano la mia personale ricerca di un equilibrio interiore ed estetico. Anche gli scritti che includo nelle mie opere non sono solo ornamenti, ma soprattutto devono essere visti per il loro significato esoterico e taumaturgico.

Nei miei ultimi lavori, ho cercato di progredire ulteriormente, esaminando la profonda connessione tra l'essere umano e la Natura, e come la Natura può aiutare a scoprire la nostra identità viscerale. Questo crea una dimensione metafisica caratterizzata da una percezione di "sospensione" - uno spazio cosmico che non è dettato da un tempo ordinario e convenzionale.

Stacey Gillian Abe

Stacy Gillian Abe, Seat of Honor # 5 (Performance stills), 2017. Otto fotogrammi che compongono la collezione Seat of Honor. Terracotta, stucco, gesso di Parigi, colla in resina, filo di garza, cotone, acrilico. Cortesia dell'artista.Stacy Gillian Abe, Sede d'Onore # 5 (Performance stills), 2017. Otto fotogrammi che compongono la collezione Seat of Honor. Terracotta, stucco, gesso di Parigi, colla in resina, filo di garza, cotone, acrilico. Cortesia dell'artista.

Tratto da esperienze passate, il lavoro di Stacey considera sia la forza che la fragilità della mente femminile e tenta di criticare le rappresentazioni stereotipate di ciò che significa essere una donna di colore.

Concettualmente la tua arte esplora l'identità e la spiritualità, concentrandosi principalmente sulle donne. Attualmente è in atto una rottura globale del silenzio a sostegno delle donne e delle violenze sessuali subite. In che modo il tuo lavoro comunica alcune delle questioni pertinenti che le donne affrontano oggi?

Mi piace pensare a me stesso come un animista, non solo per il fascino generale per il regno spirituale e per alcuni oscuri incontri infantili con il mistico, ma anche perché tradizionalmente il popolo Lugbara dell'Uganda nordoccidentale o del Nilo occidentale (il mio villaggio ancestrale e la nascita luogo) sono animisti e credono che tutti i fenomeni materiali agiscano - che non esista una netta e rapida distinzione tra il mondo spirituale e fisico (o materiale) e una vita orientata verso un essere interiore. Credo che ci sia un divario molto sottile tra reale e surreale.

Il lavoro parla per un sé interiore. Una forza che non si vede ma si sente e quel legame profondo con l'anima e la mente e ciò che può essere superato. Parla di un potere e di un'abilità che possono essere evocati. Interamente, mette in evidenza l'elasticità della mente tratta da una narrazione individuale e da esperienze passate. Il processo di lavorare con il mio corpo in gioco, è una metafora della dissociazione e transizione o trasformazione da rappresentazioni stereotipate dell'essere una donna nera - ora oltre lo stato fisico e nel regno spirituale studiato da una prospettiva psico-emotiva. La ricerca attraversa la sensazione fisica di incompletezza, l'instabilità mentale, la mia forte volontà spirituale e il modo in cui gli altri si relazionano a questo.

IMMAGINE IN PRIMO PIANO: Maimouna Guerresi, Rabi'a (dettaglio), 2016. Stampa lambda, 100 x 79 cm. Edizione di 5. Courtesy dell'artista e Officine dell'Immagine, Milano.