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Scattato in una conversazione con Délio Jasse

Délio Jasse è nato a Luanda nel 1980. A 18 anni si è trasferito a Lisbona dove ha iniziato a lavorare nei Serigraphy Studios. Qui ebbe il suo primo contatto con diverse tecniche di stampa, attraverso le quali scoprì presto la fotografia. Ha iniziato a sperimentare le possibilità tecniche di questa modalità espressiva ed è stato particolarmente affascinato da processi alternativi come il cianotipo, la stampa platino / palladio e Van Dyck Brown. Il lavoro di Jasse è attualmente in mostra come parte del padiglione angolano ufficiale al 56th Biennale di Venezia. Questa intervista è apparsa in scattò 05: La questione digitale.

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SOPRA: Immagine ancora tratta dalla video intervista 'Délio Jasse Terreno Ocupado' di Making Art Happen. Per gentile concessione di Art Happen.

scattò: Ciao Délio. Grazie per aver dedicato del tempo a parlarci del tuo processo fotografico. Innanzitutto, come descriveresti il ​​tuo lavoro?

Délio Jasse: Definirei il mio lavoro come un costante "work in progress", una sperimentazione senza fine che utilizza la fotografia come strumento principale.

Cosa ti ha portato alla fotografia?

Mi sono innamorato della fotografia dopo aver lavorato in un atelier di serigrafia. C'era uno studio fotografico all'interno dell'atelier, dove abbiamo creato fotoliti separando i colori. Sono un fan da allora.

Quindi diresti che il tuo lavoro è ispirato alla fotografia?

Sono ispirato dall'idea di sperimentare con la fotografia, ma come puoi vedere, la mia interazione con la fotografia non è convenzionale. Stratificando e sovrapponendo le mie immagini, diminuisco la profondità di campo comunemente associata alla fotografia. Quindi sì, per rispondere alla tua domanda direi che sono fotograficamente ispirato, anche se non eticherei il mio lavoro come puramente fotografico. Sebbene sia essenziale per il mio lavoro - essendo il punto di partenza della mia sperimentazione - non è la pietra angolare del mio discorso.

Ci sono fotografi africani che ti ispirano?

Non ho davvero un'ispirazione "africana", anche se ci sono molti artisti africani che ammiro e rispetto. Ammiro artisti che non hanno paura di sperimentare le diverse opzioni offerte dal mezzo fotografico.

Cosa ne pensi dell'affermazione "Tutti sono fotografi?"

Credo che finché abbiamo la capacità di vedere, abbiamo la capacità di riprodurlo come una forma d'arte.

Alla tua prima mostra in Sudafrica, "Ausência Permanente" presso SMAC Cape Town nel 2014, il tuo lavoro è stato paragonato a un palinsesto. Cosa significa questo? Sei d'accordo con questa affermazione?

Nelle parole di Nancy Dantas, "il termine si riferisce letteralmente alla lettura e alla pubblicazione di manoscritti in cui gli studiosi scoprono, esaminano e mettono insieme strati di testo riscritto". Il mio lavoro si concentra in gran parte sul concetto di immagine latente e sul suo significato più profondo, motivo per cui creo il mio lavoro in un modo che ti costringe a interagire con il pezzo, lasciando tempo ai messaggi nascosti di rivelarsi. Gran parte del processo è dedicato al collegamento degli elementi attraverso i vari strati per creare la narrazione di una storia unica. La mia serie recente, "Ausência Permanente", è un perfetto esempio di come incorporo l'immagine latente nel mio lavoro.

È per questo che hai scelto di produrre la serie "Ausência Permanente" come installazione?

Sono sempre stato affascinato dai pezzi di installazione. Credo che la dimensione fisica delle immagini, indipendentemente dal supporto stampato, sia importante quanto l'oggetto reale che è stato fotografato. Per "Ausência Permanente", la scelta di presentarla come installazione ha due ragioni interconnesse.

In primo luogo, volevo principalmente cambiare il modo in cui guardiamo le immagini. Siamo abituati alle immagini che ci vengono presentate in vista dell'orizzonte contro un muro. Pertanto li guardiamo frontalmente, vedendo solo ciò che è direttamente di fronte a noi. Visualizzando le immagini sul pavimento, ho costretto lo spettatore a spostare il loro tipico punto di vista e di conseguenza la loro interazione con il pezzo. Le installazioni guidano lo spettatore a vagare nel progetto, incoraggiandoli a dare uno sguardo più approfondito alla storia dietro i soggetti scelti.

La mia seconda motivazione per la presentazione unica è che ho creato le immagini con numerosi strati di informazioni. Costringendo gli spettatori a interagire con i pezzi, viene data loro la possibilità di guardare l'immagine sia in orizzontale che in verticale, concedendosi più tempo per vedere e 'leggere' tutti gli elementi presenti nell'immagine. Spero che siano quindi in grado di sperimentare le immagini in modo completo. Penso che se avessi scelto una presentazione più tradizionale per il lavoro, lo spettatore avrebbe perso alcune (o tutte) queste informazioni fondamentali.

Quale significato più profondo stavi cercando di trasmettere al tuo pubblico durante la creazione di "Ausência Permanente?"

Questa serie si concentra su come i resti del nostro passato possono influenzare il nostro futuro. Speravo di indurre gli spettatori a riflettere sulle proprie storie incorporando il materiale credibile che ho raccolto sui miei soggetti e trasformandolo in un pezzo d'arte interessante che ha avuto un ruolo narrativo.

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SOPRA: Veduta dell'installazione di "Ausência Permanente" presso SMAC Cape Town. Immagine gentilmente concessa da SMAC.

Qual era lo scopo di creare un ambiente per le immagini facendole galleggiare nei bagni d'acqua?

Il mio lavoro ha sempre tenuto messaggi nascosti che vengono rivelati solo dopo aver trascorso del tempo con il pezzo. Parte del processo di creazione delle immagini include la necessità di sistemare la stampa in un serbatoio in via di sviluppo e attendere che i prodotti chimici funzionino con la loro magia e ti rivelino l'immagine nascosta. Catturando questo processo, ho promosso l'idea di "immagine latente".

Sei nato in Angola e ti sei trasferito in Portogallo. Come artista in Angola, ci sono state delle lotte che hanno influenzato la tua pratica?

Ho iniziato a sperimentare come artista solo quando mi sono trasferito in Portogallo, quindi non posso incolpare l'Angola per eventuali problemi che ho incontrato finora come creativo. Continuo comunque a visitare l'Angola e anche se la situazione è alquanto incerta, è sicuramente un momento emozionante per gli artisti angolani in termini di scoperta. Ci sono già alcune gallerie e istituzioni che aiutano gli artisti a sviluppare ulteriormente il loro lavoro, ma sfortunatamente a causa della situazione finanziaria del paese che sta procedendo alla guerra civile, ci vorrà ancora del tempo prima che l'Angola abbia il capitale extra necessario per aiutare questi artisti in erba.

Ti concentri in gran parte sulle rovine dell'impero portoghese; fanno parte del tuo patrimonio personale?

Non posso negare che la mia attrazione per le rovine deriva dal credere che posso in qualche modo relazionarmi con loro attraverso il mio bisnonno, che era di discreto portoghese diretto. Anche se sono orgoglioso della mia eredità, non posso dire che sia stato il tema previsto per questo corpus di lavori. Questo è un buon esempio di come utilizzo il messaggio nascosto in un'immagine. Fotografando le rovine, ho cercato di creare un contrasto tra ciò che l'immagine rappresentava originariamente e ciò che simboleggia ora.

Sei riuscito a creare installazioni molto complesse includendo passaporti delle persone, visti, lettere, album, fotografie e persino notifiche di morte nei vari livelli del tuo lavoro. In che modo queste inclusioni promuovono il tuo concetto?

Ho sempre trovato affascinanti le infinite possibilità dell'immaginazione e traggo grande ispirazione dal modo in cui un'intera storia può essere creata con l'aiuto di un singolo indizio. Incorporando questi indizi tangibili nel mio lavoro, intendo suggerire che c'è una storia significativa in attesa di essere raccontata. Quando il divario tra passato, presente e futuro si solidifica, la nozione di ciò che era e ciò che è può essere apprezzata.

Quali sono i tuoi pensieri sulla produzione artistica usando la tecnologia digitale, una pratica che è diventata definitiva della nostra era moderna?

Credo che gli artisti dovrebbero essere incoraggiati a utilizzare tutti i materiali messi a loro disposizione, a condizione che ciò promuova il concetto. Personalmente, provo a fare affidamento il meno possibile sulla tecnologia per paura di perdere l'autenticità del mio lavoro. Interagendo con ogni elemento mentre li organizzo pezzo per pezzo in un corpo di lavoro, creo uno stile completamente unico che non può essere forgiato dai macchinari digitali.

Cosa credi che costituisca la fotografia oggi? È ancora considerata un'immagine statica, una memoria catturata nel tempo o si è ora spostata oltre quella in un nuovo regno?

Penso che la fotografia farà sempre riferimento a un'immagine fissa "semplice", ma si è lentamente ramificata in qualcos'altro, uno strumento che va oltre l'immagine che rappresenta. Trovo davvero interessante come entrambi gli approcci siano pienamente in vigore oggi.

Cosa possiamo aspettarci da te nel prossimo futuro?

Bene, continuerò a sperimentare, questo è sicuro!