settembre 2009

Vaughn Sadie; Genna Gardini; James Beckett; Kemand wa Lehulere


ILLUMINARE IL MODO

LE INSTALLAZIONI DI LUCE ARTIFICIALE DI VAUGHN SADIE STANNO RIVELANDO MODI IN CUI QUESTE CARATTERISTICHE PERVASIVE FORNISCONO LE NOSTRE ESPERIENZE SOCIALI E SPAZIALI, SCRIVE MARY CORRIGALL.

alto - basso Vaughn Sadie, senza titolo (rischio di attesa), 2007-8, lampada a raggi infrarossi, 150w
lampada alogena con sensore di movimento con 5 mm di 0.5 mmsq x 2 co flex bianco doppio, lampada art deco
stand con doppia flessione, dispositivo di conservazione per tubo flessibile, acciaio dolce e filo zincato da 500 m 2 mm
corda, lampada da parete con lampadina, twin flex e supa legno, dimensioni variabili; Vaughn Sadie,
senza titolo (follia in fallimento), 2009, treppiede in metallo, supporto in teodolite, lampada a incandescenza trasparente da 40 w,
Sfera da golf compatta da 7 w con peso corporeo e 10 m di flex nero doppio da 0.5 mmsq x 2 co, dimensioni
variabile.

Incorporata in strutture architettoniche o elementi decorativi, la luce artificiale ha una presenza discreta, permettendole di applicare silenziosamente le norme sociali e configurare le dinamiche spaziali. Queste sono alcune delle preoccupazioni alla base dell'arte di Vaughn Sadie e della sua ultima mostra personale Situazione, che si è tenuto recentemente alla Durban's Bank Gallery, dove Sadie ha disimballato l'influenza onnipotente della luce artificiale, non solo nel contesto dell'arte, dove la luce è impiegata per sottolineare il valore, ma nel modo in cui discretamente (ri) costruisce la realtà. Era come entrare in uno studio fotografico vuoto o in un set cinematografico abbandonato. Le lampadine erano appollaiate su scale o attaccate a treppiedi, evocando questi regni di produzione di immagini in cui le illusioni della realtà sono abilmente rievocate. Ma qui, è uno smantellamento di quel processo che Sadie cerca di evocare. In altri casi, il carattere metaforico della luce artificiale è stato illuminato. Una bobina di tubi fluorescenti era posizionata su un pavimento sterile in quella che sembrava una cella di prigione in disuso. Alludendo alla mortalità, tremolava in modo intermittente mentre la sua predeterminata durata della vita volgeva al termine.

L'oscurità e la luce evocano i binari principali che si pensa definiscano l'esistenza. Vita e morte. Il bene e il male. Conoscenza e ignoranza. Con il suo interruttore obbligatorio, offrendo la scelta, le luci artificiali creano l'illusione che queste realtà siano soggette ai nostri capricci. L'arte di Sadie analizza le numerose situazioni in cui si manifesta questo senso di autorità artificiale. Evocando interni aziendali sterili in cui si ritiene che l'uniformità favorisca la produttività, Sadie ha mostrato l'immagine di un proiettore per diapositive di due spine incastonate in una banale striscia di battiscopa per ufficio. Ha ironicamente intitolato questo pezzo Piacere di avere il controllo (2008), prendendo in giro il senso di sicurezza che conferisce l'interruttore della luce.

Soprattutto Sadie presenta scene di oscura banalità, ma è in queste banali situazioni che le illusioni della realtà vengono messe a nudo. È quindi della massima importanza che Sadie rappresenti fedelmente questi scenari familiari. Situazione consisteva principalmente in oggetti trovati e pronti. Come Jeff Koons, che è un pignolo per preservare l'integrità del readymade, così anche il lavoro di Sadie tradisce una riverenza per il readymade.

"Nel momento in cui inizi a modificarlo, minerai l'oggetto", osserva l'artista con sede a Durban.

La familiarità degli oggetti di uso quotidiano che Sadie impiega nella sua arte offre poco conforto poiché diventa subito evidente che il loro scopo sottostante non è mai stato pienamente compreso. In primo luogo ci riesce togliendo le strutture fisiche che facilitano l'onnipotenza delle luci artificiali, sottolineandone l'innaturalità. In opere come Senza titolo (distanza dal suolo) (2008), vediamo luci nude isolate da qualsiasi involucro decorativo o ambiente architettonico. Un disordinato disordine di fili viene lasciato in piena vista.

"Gran parte di questa struttura e tecnologia forzata esiste da così tanto tempo che diventa impercettibile", afferma. “Ne sono incuriosito. Cerco di identificare quelle cose che sono così invisibili ma davvero così presenti. Le luci dipendono dalle strutture fisiche e mostrandole sulle scale le rendo tangibili. "

Senza titolo (100m sprint) dispone di due pushbike che trasportano luci fluorescenti, che sono collegati a 200 metri di cavo elettrico. L'installazione è situata in una stretta alcova della galleria, aumentando l'ironia implicita nell'incapacità degli oggetti di raggiungere la mobilità, annullando così la sua funzionalità. Sadie ha mostrato questo lavoro alla Parking Gallery di breve durata di Simon Gush nel 2006, ma la genesi della mostra risale al 2005, quando Sadie ha concepito Spargi luce per il Young Artist Project alla KZNSA Gallery di Durban. Il titolo si riferisce a uno stato in cui l'illuminazione artificiale si estende sul perimetro di una proprietà.

"Ci sentiamo immediatamente al sicuro nei luoghi in cui la luce si ferma, specialmente in Sudafrica dove le cose che esistono al di fuori della luce diventano così minacciose."

Sadie è incuriosito dalla luce artificiale ma la sua traiettoria artistica non sarà definita da questo fascino; ha un interesse crescente a sfidare la propensione del pubblico per la conformità: "Sto attivamente costruendo spazi che guardano a quali possono essere le implicazioni della passività."

Nel tentativo di interagire con gli spettatori, ha identificato un marchio d'arte che risuona immediatamente.

“Mi piace il quotidiano nel lavoro; è così facile che l'arte scompaia nell'astratto ”, afferma. Ma è anche la mondanità e la futilità delle azioni ordinarie e l'indifferenza che suscitano l'interesse di Sadie. “Il mondo è fatto per intorpidirci. C'è conforto nell'eseguire azioni banali perché non dobbiamo fare grandi domande. Possiamo semplicemente guardare un film o leggere un libro in cui qualcuno ci mostra le complessità della nostra vita senza che noi lo sperimentiamo realmente, e quindi possiamo semplicemente cucinare la cena e andare a letto.

Mary Corrigall è una critica d'arte e scrittrice senior presso The Sunday Independent.

A proposito di Vaughn Sadie: Da quando si è laureato nel 2003 in B-Tech in Belle Arti (cum laude), Sadie (1978), nato a Heidelberg, ha partecipato a diverse mostre collettive a livello nazionale. Situazione, tenutosi alla Bank Gallery (23 aprile - 28 maggio 2009), è stata la sua prima mostra personale in una sede commerciale e ha seguito la sua mostra del 2005, Spargi luce, presentato come parte del Young Artists Project della Galleria KZNSA, a cura di Storm Janse Van Rensburg. Nel 2007 Sadie ha facilitato seminari leggeri con Jay Pather nei seminari di performance contemporanea di Spier. Attualmente sta completando il suo MAE alla Durban University of Technology, Sadie è anche al lavoro per la sua prima commissione pubblica su larga scala al Durban ICC. Vaughn Sadie lo è Art South Africa's undicesima cosa brillante per il 2009.


PERCHÉ GLI ARTISTI DOVREBBERO ASCOLTARE I POETI

"DA DOVE VENOMO NON MISURIAMO LA RELAZIONE NEI CORPUSCOLI", SCRIVE POET GENNA GARDINI. ARYAN KAGANOF PRESENTA UN NUOVO TALENTO Emozionante.

Genna Gardini.

È lunedì 25 maggio, quasi inverno. Sono all'Osservatorio per vedere il poeta Genna Gardini leggere del suo lavoro a Off the Wall, la serata settimanale di lettura di poesie organizzata da Hugh Hodge in un bar locale in questo quartiere studentesco. "Telefoni cellulari in silenzio o spenti per favore", si legge in un avviso. Il poeta si sposta in avanti. Siamo zitti. Gardini scrive molto più di lei, ma legge molto più giovane.

“Signore, mi raggrinzisci le mie fessure / come un involucro di ventosa giallo, / chiamandomi prezioso / (o, precoce, non posso dire quale / con il crepitio di questo imene di cellophane / catturato scattando come un coperchio sulla bocca). ”

Le parole sono elettriche, non sempre, ma possono esserlo. Gardini afferma che "i corpi sono come i circuiti stampati". La sua voce riempie il bar dell'Osservatorio con una premonizione di grandi cose a venire. C'è un tremore quasi visibile che tutti condividiamo, tutti ci sentiamo parte, come se le parole uscissero da ognuno di noi, da un posto che abbiamo sempre saputo di ospitare ma a cui non abbiamo mai avuto accesso - fino a quando Gardini la voce divenne nostro voce. L'applauso è fragoroso. Gardini sembra confuso dalla reazione. Hodge si avvicina al microfono e ci consiglia di segnare questa sera nei nostri diari, "la notte in cui hai sentito leggere Genna Gardini."

In realtà, Gardini mi ricorda Janis Joplin. Non so perché. C'è qualcosa di indicibilmente tragico in Gardini, una tragedia tipica dei giovani saggi. Più tardi, rintraccio il poeta. È generosa nelle sue risposte alle mie domande.

"La prima volta che ricordo di essermi seduto a scrivere una poesia ero in prima elementare", inizia. “Quindi sì, tra le sette e le otto. Di recente il mio migliore amico d'infanzia mi ha dato una serie di poesie che ho scritto in quel momento. Sono le cose più divertenti - ho continuato a cercare di usare la parola "sopra" ma l'ho scritta come "apone", ed ero convinto che ci fosse un'infermiera malvagia, l'infermiera Betty, fuori per uccidermi. "

Scarica una domanda inevitabile: influenze. “Anne Sexton è una delle più grandi, se non la più grande. Penso che, come ogni altra scrittrice della mia età, l'ho scoperta, Sylvia Plath e Virginia Woolf nello stesso momento in cui gli ormoni colpiscono, quindi saranno sempre associati a quel periodo prezioso e imbarazzante. "

Cosa pensa il poeta dell'arte? Gardini ha rapporti formali con il mondo dell'arte? “Penso che sia abbastanza facile individuare le opere d'arte (proprio come la canzone, il libro, il film e così via) di cui ero ossessionato in quel momento, in ogni dato poema. Joseph Szabo è presente in tutto lo spettacolo mistero, e ci sono un sacco di Loretta Lux e Miranda July nelle cose successive, come Per Laura. Penso che probabilmente mi identificherò più con qualcuno come James Jean che con la maggior parte degli scrittori. Fa, a un livello molto più abile e abile, ciò che mi piacerebbe in termini di portare gente e fiabe a idee moderne di innocenza e sessualità. "

Forse, mi permetto, è compito del poeta ridare a parole la loro qualità elettrica, di culto che si perde inevitabilmente nell'uso quotidiano. “Non so davvero come non per scrivere da dove vengo, per dirti la verità. Entrambi i lati della mia famiglia si trasferirono nello Zimbabwe dall'Italia a metà degli anni '1950, per lavorare nelle ferrovie e nelle fattorie del tabacco. I miei genitori si sono incontrati lì (erano innamorati dell'infanzia), si sono sposati e poi si sono trasferiti in Sudafrica, dove mi hanno adottato. Quindi quell'intera eredità mi lega qui. Inoltre, non scriverei di entrare nel Jet per comprarne un po ' Broeks o bandire la parola "fanny" su così tanto se non fossi sudafricano, e sono sicuro che il lavoro ne soffrirebbe ". Ma, tutto sommato, siamo nell'era dell'iPod. Qualcuno legge più la poesia?

“Penso che l'era digitale stia rendendo la poesia più accessibile piuttosto che renderla ridondante. Il lavoro viene pubblicato su blog, forum ed eZine: non è più necessario acquistare una rivista letteraria o un'antologia per leggere la poesia. Penso che qualcuno come Lebo Mashile, che va letteralmente in viaggio con il suo lavoro, e quindi trasmette quel viaggio in TV, è un fantastico esempio di come il lavoro possa risuonare a un livello più ampio qui. ”

La mia ultima domanda è semplice e richiede una risposta altrettanto concisa. Perché gli artisti dovrebbero ascoltare i poeti? "È buono per loro."

Aryan Kaganof è un artista e regista con sede a Città del Capo. www.kaganof.com.

Informazioni su Genna Gardini: Nato a Benoni (1986), Gardini, con sede a Città del Capo, ha conseguito una laurea in inglese e recitazione alla Rhodes University (2007). Le sue poesie sono state pubblicate in corazza, Nuova moneta, fedeltà, Nuovo contrasto, The Sentinel Literary Quarterly e Pulsar's Other Poetry. Nel 2004 le è stato assegnato il Douglas Livingstone Prize for Poetry e il Poetry Africa Schools Competition.


Tenendo alla leggera le cose pesanti

I SUONI E L'INSTALLAZIONE DEL SUONO DI JAMES BECKETT AGITANO TRA UNA MESSA A TERRA FATTUALE E UN TIPO DI MISTERO ROMANTICO, SCRIVE IL MACELLAIO. IL RISULTATO È UN CONFUSIVO MA POETICO INSIEME DI CREAZIONI INFORMATIVE INAPPLICABILI.

alto - basso James Beckett, NL13 - Tribuna per Teatro all'Aperto - Castello Sfprzesco,
2008, inchiostro indiano, gouche e matita bianca su carta, 63 x 83 cm. Per gentile concessione di Luettgenmeijer,
Berlino; James Beckett, vista dell'installazione di Bagnoli e Italsider come disposizione degli estratti, 2009.
Foto: Danilo Donzelli. Per gentile concessione di T293, Napoli.

Includere articoli su come potare una siepe in un catalogo di opere create per un istituto di ricerca sul cancro non è insolito per James Beckett. Questo artista-scienziato-ingegnere-ingegnere è un appassionato. Dopo essersi laureato alla Natal Technikon nel 1999, questo nato in Zimbabwe, di quasi 32 anni, si è trovato e la sua pratica sospesa tra più media, località e vocabolari - che vanno dalla sperimentazione sonora con studenti d'arte a Nanchino, in Cina, alla ricerca di lavoratori migranti a Kucevo , Serbia "Molta energia bruciata si muove tra mondi, lingue e infrastrutture diverse", offre. Ma è la ricerca simultanea di queste varie linee di indagine che caratterizza il modello di ricerca "schizofrenica" di Beckett.

Siamo seduti nella mensa di un uberkitsch, un edificio degli anni '1970 lasciato solo di recente dal Shell Research and Technology Center, ad Amsterdam Noord. Una distorsione temporale completa, i detriti della cultura aziendale fuori moda - carte di entrata / uscita, lettere di plastica su un tabellone statistico degli infortuni, soffitto del pannello di legno e combinazioni di colori malva-verde acqua - sono quasi troppo per Beckett per contenere se stesso. I suoi recenti interrogatori sulla storia industriale nei Paesi Bassi includono progetti come Vuoto (2003), che descrive nel suo libro, Monografia 1998-2008 (2009), in quanto una rigorosa esplorazione di "affari e moralità nella storia del tubo a vuoto" ha riguardato un'installazione di invenzioni elettriche anche brevettata dalla società olandese Philips. Questa "revisione costante di diversi modi di raccontare storie, mettendo insieme alcuni componenti, istanze diverse per creare un mondo" definisce l'uso bizzarro e basato sull'installazione di Beckett di materiali tradizionali e anacronistici. "Non ho paura di essere kitsch", afferma. "Il mio lavoro è retrospettivo e orientato verso l'arte."

Ispirato dagli esperimenti di Scrittura vincolata del gruppo Oulipo che, determinato a legittimare la letteratura di fronte alla ricerca scientifica autorevole, si impose un laboratorio di condizioni per generare contenuti. Per Beckett, questo tipo di approccio crea uno strato di regole, che si tratti di uno sfondo storico o di un vero insieme di meccaniche contestuali, che gli forniscono la struttura per incernierare i dettagli del suo lavoro a: “Quando non superi questi parametri , ecco dove appare il tuo universo. " Il risultato di questa agitazione tra fondamento fattuale e una sorta di mistero romantico è un insieme confuso ma poetico di inapplicabili creazioni informative.

Uno dei suoi più recenti "accordi di estrazione industriale" riguarda Dalmine, una fabbrica italiana di ponteggi con lo stesso nome. L'opera mostra la sua capacità di intervenire nelle macrostrutture della storiografia, esponendo la meccanica del personale, il documentario e il materiale. Presentando vetrine museali di armamentario aziendale insieme a dipinti di paesaggi oscuri e maquettes su scala, la metodologia "pesantemente lavorata" di Beckett si tiene alla leggera, mentre si concede il completo assorbimento in questa confusione di forma e funzione.

Gli chiedo perché il suo argomento sembra stare senza l'impalcatura a sostegno del lavoro di molti artisti sudafricani: politica dell'identità o memoria nazionale. Sin dall'inizio, dice, ispirato dall'approccio dei tedeschi del dopoguerra, Beckett "voleva concentrarsi maggiormente sulla meccanica delle costruzioni in contrapposizione alla politica", e in una svolta ironica, crittografando il suo lavoro con le specifiche del suo universi proposti, i suoi arrangiamenti sfuggono a qualsiasi tipo di funzionalizzazione globale. Beckett mette in dubbio la responsabilità dell'architettura delle mostre d'arte contemporanea su larga scala in Sudafrica, come la Joburg Art Fair. "Come risponde per se stesso?" lui chiede. "Come svilupperesti un modello diverso per una diversa serie di circostanze?" Il consiglio di Beckett per i giovani artisti segue questo bisogno di consapevolezza contestuale: “Riguarda molto la tua iniziativa - nessuno ti tirerà fuori dal negozio di dolciumi mentre guardi gli scaffali. Devi mettere un po 'di merda in tasca e correre. "

Clare Butcher è autrice e laureata nel 2008/09 del programma curatoriale de Appel.

Informazioni su James Beckett: Nato nello Zimbabwe (1977), Becket ha studiato a Natal Technikon, Durban (1995-99). Dopo aver vinto il Premio Emma Smith, è partito per Berlino, accettando in seguito un posto alla Rijksakademie van Beeldende Kunsten di Amsterdam. L'interesse di Beckett per il suono è di vecchia data: mentre era uno studente era membro della band punk dei Pietermaritzburg, Fingerhead, con Felix Laband. Dopo aver inizialmente lavorato con l'installazione, il suono ha assunto un ruolo sempre più centrale nel lavoro di Beckett, l'artista è stato coinvolto in attività di ricerca con uscite che vanno dai documentari radiofonici alle finte bande etniche, così come le esposizioni dei musei che documentano gli effetti culturali e fisiologici di rumore. Nel 2006 ha allestito una mostra presso la Galleria KZNSA. Beckett ha recentemente pubblicato una monografia del suo lavoro disponibile da Kehrere Verlag Heidelberg. È stato precedentemente vincitore del Prix de Rome per l'arte e lo spazio pubblico.


CHI SONO?

LAVORARE INDIVIDUALMENTE E COLLETTIVAMENTE, ENTRAMBI A CITTÀ DEL CAPO E JOHANNESBURG, KEMANG WA LEHULERE STA GUADAGNANDO AUMENTANDO LA PROMINENZA PER IL SUO LAVORO DI PITTURA E PRESTAZIONI. DI KABELO MALATSIE.

Due fotografie di Kemang per il contributo di Lehulere Rites of Fealty / Rites of Passage,
una mostra onnight di nuovi spettacoli, Bag Factory, Johannesburg, 29 luglio,
2008.

C'è un'urgenza per l'artista Kemang wa Lehulere. Dorme fino a tardi e si sveglia presto. La sua fronte corrugata riflette una mente la cui ambizione supera le ore disponibili in un giorno. Wa Lehulere lavora su una varietà di media, in particolare in pittura e performance. È co-fondatore di Gugulective, un collettivo di artisti con sede a Gugulethu, Città del Capo. Il gruppo contesta l'idea che gli abitanti delle municipalità siano visivamente analfabeti; a tal fine, hanno usato lo shebeen, kwa Mlamli, come base per numerosi incontri e mostre. Nella sua veste individuale, Wa Lehulere ha partecipato a numerose mostre, sia a livello locale che internazionale, tra cui un'apparizione su Arte invisibile, parte della fiera d'arte spagnola ARCO. Nel 2007, ha messo in scena uno spettacolo collaborativo, con Chuma Sopotela e Mwenya Kabwe, Unyamo alunampumlo (Il piede non ha naso), vincendo un premio per l'inaugurale Spier Contemporary. Pur lavorando nell'ambito del paradigma dell'arte contemporanea, le sue esibizioni si basano su riti tradizionali. In una performance tenutasi di recente alla Bag Factory di Johannesburg, Wa Lehulere, con indosso un cappotto color carbone, camminava a piedi nudi sul carbone grattugiato; una colonna sonora dell'artista che si pettina i capelli suonata in sottofondo. La grata del carbone simboleggia storie - personali o collettive - che devono ancora essere documentate, mentre la pettinatura dei suoi capelli è un riferimento alla sua identità di giovane uomo di colore. L'uso del cappotto simboleggia un Xhosa che dice "uguqul iBatyi" (letteralmente, per capovolgere il cappotto, ma nel suo senso figurato implica identità mutevoli). Il cappotto fa riferimento anche alla sua identità di uomo di colore che - a causa della sua discendenza mista - a volte è stato considerato "non abbastanza nero". Problemi di identità sono prevalenti in un certo numero di sue esibizioni, tra cui Non cambia mai niente (2009), presentato al festival artistico Klein Karoo e Uguqul 'iBatyi (2008), che Wa Lehulere ha eseguito a Berlino.

È interessante notare che il nome di Wa Lehulere, Kemang, propone una domanda: "Chi sono io?" Suggerisce non solo una domanda esistenziale, che coinvolge tutti usando il nome, ma propone anche un'identità che è sempre in costruzione. "Sono solo uno studente in questo mondo e un discepolo volontario per migliorare l'esperienza nera", ha affermato autoreferenzialmente. La produzione artistica di Wa Lehulere è un'estensione logica di questa affermazione di intenti e fa eco ai suoi interessi nella storia, nel trauma / guarigione, nel razzismo, nel corpo sociale e nell'immaginazione sociale.

All'inizio di quest'anno, a marzo, Wa Lehulere ha ospitato il suo primo spettacolo personale, Ubontsi: Sharp Sharp!, una mostra di opere monocromatiche su carta presentata alla Association for Visual Arts di Cape Town. Il lavoro è stato una rivisitazione fantasiosa di storie ed eventi che hanno avuto luogo nella famiglia di Wa Lehulere prima della sua nascita. La famiglia di Wa Lehulere è in gran parte guidata da donne, che durante l'apartheid vendevano alcolici illegalmente; questo fatto biografico ha influenzato e plasmato la storia della sua famiglia. L'opera, che rivisita un aspetto della sua storia familiare di cui non si è mai parlato, non gioca nella trappola del vittimismo. Le esecuzioni di Wa Lehulere sono giocose ma rispettose. La sua arte riesce a perseguitare lo spettatore molto dopo l'incontro fisico. L'influenza del surrealismo è chiaramente evidente, il suo lavoro porta lievi echi di Cipriano Shilakoe e dell'artista spagnolo Juan Miró.

Secondo l'artista, "il rifiuto di rappresentare i volti nei miei quadri è espressione di un'identità che è stata rifiutata". Questa strategia conferisce al lavoro di Wa Lehulere una qualità enigmatica, consentendo letture multiple. A volte, i suoi dipinti suscitano letture letterali, Wa Lehulere incorporando slogan scritti nel suo lavoro. Uno di questi lavori presenta la frase "wit kaffer" (kaffir bianco), e indica l'uso di dispositivi semiotici di Wa Lehulere per affrontare questioni di identità.

Anche se ancora giovane, Wa Lehulere ha dovuto crescere rapidamente. La sua maturità non si manifesta solo nella sua fronte corrugata, ma nella sua consapevolezza politica, nella sensibilità del suo lavoro, nella nitidezza della sua mente e nella generosità del suo umorismo.

Kabelo Malatsie è uno studente universitario presso l'Università di Johannesburg.

Informazioni su Kemang wa Lehulere: Nato a Città del Capo (1984) e attualmente residente a Johannesburg, Wa Lehulere è un artista video, tipografo, pittore e artista performativo. Attivo in mostre presso la Bag Factory, nel 2007 ha partecipato Rites of Fealty / Rites of Passage, una mostra onnight di nuove opere d'arte che ha seguito un seminario di performance guidato da Johan Thom. Un ex membro di Gugulective e attuale membro del Dead Revolutionaries Club, la sua biografia sul sito Web di quest'ultimo afferma che "ha vergognosamente aspirazioni da BEE e spera di essere un 'negro' di casa un giorno". Kemang wa Lehulere lo è Art South Africa's dodicesima cosa brillante per il 2009.


Pubblicato per la prima volta in Art South Africa Volume 8: Numero 01