settembre 2008

Art South Africa Volume 7: Numero 01
Gabrielle Goliath; Hasan e Husain Essop; Reshma Chhiba; Rowan Smith


Whodunit? HA FATTO!
IL LAVORO RECENTE DI GABRIELLE GOLIATH È MOLTO CIRCA I SIGNIFICATI POLITICI E STORICI DEL CORPO IN QUANTO RIGUARDA L'AMORE E L'ALIMENTAZIONE, SCRIVE ACQUISTA ACQUISTA.
alto - basso Bouquet III, (pannello a sinistra), (pannello centrale), (pannello a destra), 2007, stampa d'archivio, 130 x 26 cm.
La prima significativa apparizione pubblica come artista di Gabrielle Goliath avvenne nel marzo 2008, in occasione dell'inaugurazione di una mostra collettiva Quattro racconti, ospitato da Gallery Momo a Parkhurst, Johannesburg. È stata oggetto di un trittico fotografico e video intitolato Mazzi (2007), spalle nude e alla deriva in uno sfondo nero simile a una piscina. La sua bocca spalancata e fuori di essa fece scattare una panoplia di grappoli floreali. Sembrava sgusciata, brutalizzata, ma inconfondibilmente se stessa. La vera Gabrielle Goliath, che ha partecipato all'evento di apertura, è rimasta in gran parte non riconosciuta, un dettaglio difficile da conciliare con la presenza ricorrente dell'immagine di sé dell'artista nelle sue opere basate sulla fotografia.
Mazzi è un lavoro su "abuso e innocenza, e la loro relazione reciproca", spiega Goliath. “Quando un individuo viene sottoposto ad abuso, viene canonizzato; diventano quasi santi ", dice. Il suo uso del proprio corpo come soggetto in questo e altri due lavori nello stesso spettacolo, EKKE e Ek è 'n Kimberly Colored (entrambi nel 2007), riguarda tanto i significati politici e storici del corpo - e in particolare il corpo femminile e colorato - quanto lo è "amore per se stessi e odio per se stessi", dice. “Ci guardiamo tutti allo specchio per anni. Facciamo. Siamo profondamente complessi su ogni sorta di piccole cose. " La sua franchezza introspettiva è bilanciata da un fascino per la bizzarra coscienza collettiva del Sudafrica. Il suo verdetto sullo stato della nazione: “La psiche nazionale è un po 'un casino in questo momento. Una nevrosi collettiva si è infiltrata in qualche modo nella nostra vita di tutti i giorni ... Le pause tè sono trascorse a meditare sulle crisi energetiche nazionali e sui politici corrotti; i braais sono un forum per le polemiche. "
Per il suo esame critico dell'identità femminile colorata, in particolare in Ek è 'n Kimberly Colored, una serie di straordinari ritratti fotografici basati sulle prestazioni, Goliath è stato confrontato con Tracy Rose. Ma dove Rose sembra assorbire i suoi personaggi della performance nella vita reale, Goliath è tutt'altro che l'incarnazione di alcuni dei soggetti aggressivi che interpreta. Nel nostro caffè di Rosebank, incontrando la sua languida conversazione, si sposta tra una discussione equilibrata del suo lavoro e un tentativo di auto-scrutinio - punteggiato di tanto in tanto da un trascinamento di una sigaretta meticolosamente arrotolata e ramificata.
Prima di intraprendere una laurea alla Wits University nel 2004, Goliath ha completato un diploma triennale di design della moda. Perché la mossa? “Oh, non posso rispondere a questa domanda ... Sembrava una progressione naturale da fare. Sono sempre stato interessato alla moda insopportabile. " Cita gli abiti scultorei "animatronic" dello stilista Hussein Chalayan come fonte di grande ispirazione, tuttavia, poiché pratica l'arte, si è allontanata dalla scultura e ora lavora principalmente su supporti bidimensionali basati su lenti. "Ho iniziato molto tradizionalmente nel primo anno, mentre tutti gli altri erano molto disposti a saltare sul carrozzone del video e della performance art", afferma.
Uno dei risultati del suo primo investimento nella pittura è una serie di grizzly "dipinti di carne", realizzati con formaldeide per preservare la carne cruda che ha spalmato o impacchettato sulle sue tele. Le chiedo come ha trovato la carne come mezzo. "Suppongo di aver raggiunto questo punto della mia vita in cui ho pensato, che cazzo dovrei dipingere adesso?" lei risponde. "Così tanti grandi pittori hanno dipinto la carcassa, e ho pensato, che ne dici di usare la cosa stessa?" Omicidio il settimo è il titolo dell'attuale lavoro in corso di Goliath. Ciò contribuirà al suo Master presso Wits, che intende completare nel 2009. Attingendo alla scrittura criminale del romanziere inglese PD James, il corpo di lavoro basato sull'installazione adotta motivi polizieschi generici per costruire scene che ricordano quelle tipicamente create in il gioco da tavolo Cluedo (il maggiordomo, nel giardino d'inverno, con il candeliere). Individuando questo lavoro nel contesto della società sudafricana, Goliath spiega che la sua citazione del genere whodunit mira a svelare un desiderio nazionale per quello che James chiama il "ripristino dell'ordine".
Torna alla sua preoccupazione per la psiche nazionale e ne offre una lettura in questa luce: “Cos'è questa ossessione per i mali della società? Questo è semplicemente un fascino morboso? ... Penso di no, almeno non del tutto. Piuttosto è un'esigenza e un desiderio di risoluzione, chiusura, risposte ".
in senso orario da in alto a sinistra Gabrielle Goliath, Ek è 'n Kimberly Colored (pannello sinistro), (pannello centrale), (pannello destro), 2007, stampa d'archivio, 78 x 48.5 cm;
Gabrielle Goliath, EKKE, (pannello di destra), (pannello di mezzo), (pannello di sinistra), 2007, stampa d'archivio, 78 x 48.5 cm.
Anthea Buys è giornalista indipendente e critico d'arte per Mail & Guardian.

Informazioni su Gabrielle Goliath: Nata a Kimberley (1983), Goliath ha conseguito il diploma in fashion design presso la Witwatersrand Technikon (ora Università di Johannesburg) nel 2003. Attualmente lavora per il completamento di un Master in Belle Arti alla Wits University, ha conseguito un doppio laurea triennale in letteratura inglese e belle arti. Vincitore dell'Art's Alive / JHB City Exhibition e vincitore congiunto del Premio Martienssen, entrambi nel 2007, i suoi lavori video, Bouquet II, è stato selezionato per le nuove firme Sasol del 2008. Ha partecipato a Quattro racconti, una mostra collettiva a cura di Thembinkosi Goniwe alla Gallery Momo, Johannesburg.


SU INTENZIONE E METODO
HASAN E HUSAIN LE FOTOGRAFIE COSTRUITE DI ESSOP INDIRIZZANO PIÙ DI SOLO LE CONTRAZIONI TRA MODERNITÀ E TRADIZIONE, ISLAM E IL WEST, SCRIVE SHAMIL JEPPIE.
alto - basso Hasan e Husain Essop, Thornton Road, Fast food, Passando per,
Addestramento del pitbull, tutto il 2008, tutti stampati a getto di luce su carta per archivio Fuji Crystal, tutti 70 x 123 cm.
Hasan e Husain Essop sono gemelli fraterni, un fatto che ha un'impressione distintiva sulla loro arte. I fratelli, che hanno studiato rispettivamente fotografia e incisione alla Michaelis School of Fine Art di Cape Town, collaborano intimamente. Il loro mezzo è la fotografia a colori - radicalmente rifusa attraverso la manipolazione del computer. La collaborazione della coppia comporta il proprio aspetto in tutte le loro immagini e molto spesso le immagini vengono divise in modo uniforme per riflettere due lati o due sé collegati. Le loro immagini sono impegnate ed energiche e bisogna guardare da vicino per rendersi conto che una coppia di gemelli occupa lo spazio. Il punto di unione di quelli che sono una serie di scatti separati si ottiene senza soluzione di continuità, il loro lavoro finito non rivela facilmente la sua natura fabbricata.
Il lavoro di Hasan e Husain Essop sembra essere una cooperazione fraterna senza difetti o difetti. È così che condividono e vivono nella realtà? È questo l'amore fraterno dei gemelli, la collaborazione spontanea e vivace dei gemelli? Dov'è la rivalità e la competizione? Queste ultime domande si avvicinano al lavoro Lotta Pitbull (2007), che rivela le possibilità di contestazione e competizione attraverso il cane aggressivo e diffamato tenuto a bada. Il lavoro è autobiografico, ma riguarda anche un fenomeno più ampio in alcune parti di Cape Flats. Più in generale, le fotografie della coppia parlano di se stesse come gemelle, mentre allo stesso tempo parlano degli aspetti della vita nei Cape Flats, della gioventù musulmana contemporanea, delle contraddizioni dell'identità, della religione e in particolare delle riflessioni sulle proprie origini e appartenenza. Attraverso le loro fotografie, i fratelli sembrano porre domande fondamentali che i giovani (e le donne) della loro generazione, classe e formazione comunitaria o religiosa spingono e perseguono costantemente. Insieme potevano essere visti come parti di un saggio in cui gli Essops esplorano le loro relazioni come fratelli; come giovani uomini di classe media, attenti al marchio, nelle Cape Flats; come giovani uomini musulmani in bilico in uno spazio liminale, dentro e fuori una "comunità" e religione mondiale che è oggetto di intensa attenzione da parte dei media e della politica contemporanea. I fratelli riuniscono una religione di grande età e diffusione globale con la cultura pop nella loro combinazione di temi e mezzi di lavoro (questo può sembrare offensivo per alcuni, in particolare per coloro che vogliono stringere i confini della religione e della comunità). Non avrebbe senso dire che il loro lavoro può essere letto su più livelli, il che, ovviamente, è il caso di qualsiasi arte ragionevolmente buona. I loro materiali e il modo in cui affrontano i problemi sono freschi, unici e attirano lo spettatore a guardare e guardare di nuovo. Due lavori recenti meritano una pausa: Fast food (2008), mostrato ad Art Basel all'inizio di quest'anno, e Thornton Road (2008). Nel primo, la cultura e il consumo pop si combinano con un atto di devozione religiosa, mentre il secondo lavoro contrappone l'attivismo politico con i simboli religio comunali. Sapientemente intitolato, Fast food presenta i fratelli su una spiaggia sulla costa atlantica; sono mostrati in varie posizioni di preghiera, rompendo anche il digiuno durante il Ramadan con il fast food di McDonald.
In Thornton Road, sono giovani musulmani nelle Cape Flats che indossano lunghe tuniche bianche (variamente chiamate thawbs, jubbas or gallabiyas) e incorniciato in posture di ribellione o protesta. Ma l'immagine dominante è un segno di Coca-Cola e il consumo della bevanda in una parte dell'immagine. La ribellione contro il potere, mentre allo stesso tempo il consumo o la soggezione ai più famosi marchi globali è una contraddizione centrale della politica dei giovani musulmani, questo lavoro sembra dire. Un motivo ricorrente nel loro lavoro, presente anche in Thornton Road, è la figura del triste mietitore. Questo sarebbe facile perdere; questa cifra potrebbe facilmente essere fraintesa come l'ennesimo giovane musulmano in una lunga tunica incappucciata di origine nordafricana. L'origine della figura è incerta, probabilmente derivante dalla cultura popolare contemporanea, in particolare dal cinema. Sarebbe semplicistico leggere il lavoro degli Essops semplicemente affrontando le contraddizioni tra modernità e tradizione, Islam e Occidente, e altri binari così facili e, pigramente reiterati, al giorno d'oggi. Stanno facendo commenti molto importanti e mettendo in discussione le sottoculture giovanili; stanno tagliando in ossessioni e ansie su aspetti della pratica religiosa e allo stesso tempo indicano una fede contemporanea nel consumo. Le possibilità per i giovani sono una fede fervente o un consumo ossessivo? C'è molto più finezza al lavoro qui, nonostante il colore affascinante e il movimento sgraziato che queste opere inquadrano, e in effetti le loro dimensioni generose.
Sarà interessante vedere come questi saggi visivi procedano ad esplorare altre contraddizioni e problemi attuali. I fratelli possono spingere ulteriormente l'uso della tecnica del raddoppio senza diventare noiosamente ripetitivi o solipsistici? Perseguiranno i loro temi attuali fino a quando non saranno maturati al di là di loro? Sarebbe possibile per loro offrire una prospettiva post-gemelli sul loro mondo? Queste sono domande che dovranno risolvere, ma nel frattempo il loro lavoro avrà un'enorme risonanza per molti pubblici a livello globale.
Shamil Jeppie è docente senior nel dipartimento di studi storici presso l'Università di Città del Capo e consulente chiave del Progetto per manoscritti Timbuktu Sudafrica-Mali.

Informazioni su Hasan e Husain Essop: Nati a Città del Capo (1985), i gemelli Essop hanno completato i loro studi di belle arti alla Michaelis School of Fine Art nel 2006. Hanno debuttato con le loro fotografie distintive e collaborative La lente caricata (2007), una mostra collettiva fotografica presso la Goodman Gallery Cape. Invitati a partecipare alla decima Biennale dell'Avana (27 marzo - 20 aprile 2009), il loro lavoro è apparso Spier Contemporary (2007-8), una mostra itinerante di premi, e presso Art Basel, Svizzera (2008).


TEMPO E CAMBIAMENTO
LAVORANDO CON LA PITTURA, LA CUCITURA E VARI SUPPORTI BASATI SU LENTI, RESHMA CHHIBA RENDE UNA PROSSIMI PAROLA ESTETICA CHE È DISTINTAMENTE IL SUO INTERNO DISCIPLINARE COMODAMENTE E CONFORTEVOLE, SCRIVE ROBYN SASSEN.
in senso orario da in alto a sinistra Reshma Chhiba, risvegliato, sfrenato, Stripped,
contenuto, tutto il 2008, tutto inchiostro a pigmenti su carta di cotone, tutti 60 x 40 cm.
Rosso e nero. Emerso dal recente debutto solista di Reshma Chhiba, Kali, tenutosi presso l'Art Exra di Johannesburg a giugno, questi due colori pulsavano attraverso il plesso solare, lasciando un senso di livido. Le immagini tradizionali della dea indù Kali - conosciuta anche come la dea nera - riflettono la sua pelle come blu, offrendo una chiave per la possibilità che la violenza nella mostra di Chhiba possa essere stata metaforica. Mostrare intimità della cultura familiare nell'arte contiene insidie ​​insidiose che riposano a metà strada tra fatti e convinzioni, vulnerabili alla contaminazione nel racconto. Immerso nelle radici indù di Chhiba, Kali conteneva un universalismo che attirava la pelle d'oca emotiva.
Seduto alla sua scrivania alla Johannesburg Art Gallery, il suo lavoro diurno, Chhiba sembra tutt'altro che intrepido investigatore sugli orrori e la sessualità di Kali. I suoi capelli, una dolce massa di riccioli da bacio, non risuonano con la sfrenatezza della dea. Il suo candore nell'impegnarsi con il lavoro, tuttavia, lo fa. "Sto ancora aspettando che il prete venga con il suo tridente per scomunicarmi", sorride. "La mia famiglia non è strettamente ortodossa - se lo fosse, probabilmente non avrei mai studiato arte - ma le tradizioni da cui provengono".
Chhiba ha dedicato la sua mostra di debutto a sua nonna materna. “Era una donna forte, sposata all'età di tre anni. Era analfabeta. È venuta in Sudafrica a cinquant'anni. È morta quando avevo 14 anni; Non sono mai stato in grado di conversare con lei. Parlava Gurajati. Dovrei essere una ragazza che parla Gurajati, ma non lo sono. "
Chhiba parla di molte lingue, incluso quello fisico. "Sono un insegnante di danza classica indiana e ho praticato Bharata Natyam, da quando avevo otto anni." Un video senza titolo del 2003 fonde la grammatica della danza classica indiana con il linguaggio dei segni tradizionale nel rendere conto della violenza sulle donne. Non c'è suono, si tratta di inaccessibilità. Devi leggere la grammatica dei loro corpi.
Chhiba mi porta su diversi percorsi per Kali: miti e leggende la rivelano come una forza terrificante aggressiva, ma anche simbolica. “La lingua tesa è un segno di imbarazzo. Sta su Shiva, la sua consorte, per errore ”, spiega Chhiba. “Kali è la dea del tempo. I 55 teschi intorno al collo rappresentano i sacri alfabeti del sanscrito; le sue molte braccia riguardano il distacco. Shiva e Kali rappresentano insieme la vita. La coscienza di Shiva; L'energia di Kali. "
Lingue e capelli, fiori di loto e gesti, la sua mostra sembra parlare di sessualità. "Sì", concorda Chhiba, "ma non è tutto." I quattro ritratti fotografici invertiti inclusi nella mostra ne sono un esempio. Ricordando il lavoro della fotografa finlandese Marjaana Kella, le immagini offrono quattro fasi della vita di una donna indù, usando i capelli come significante e i codici di interpretazione, dal bambino verginale alla donna sposata per vedova a Kali stessa; le immagini sono ricche di associazione interpretativa. In verità il dorso delle teste è tanto rivelatore quanto i volti, ma alquanto spaventoso in quanto incarnano uno sconosciuto.
Chhiba crea ritratti di sua madre ruotando i sari attraverso le barelle per pittura. Rappresenta parti di Kali in opere bidimensionali, mescolando cuciture con polvere di kum-kum e curcuma, nella loro composizione spirituale e fisica. “Kumkum è usato ritualmente. Simboleggia l'energia femminile, il sangue mestruale. La curcuma riguarda la memoria e la guarigione. Mia nonna era solita farne delle medicine. Uso anche carbone frantumato a mano e cenere di incenso. I pigmenti sono tutti a base di terra. Si riferiscono alla madre, la forza che sostiene la vita. " Inevitabilmente, il suo lavoro è fisico da realizzare. Cucendo in enormi tele, Chhiba non sta contribuendo alla litania femminile: sta eseguendo una danza.
“Ad un certo punto, ciò che sto facendo sarà frainteso. La mia gente era scettica riguardo al mio conseguimento di questo titolo, ma ora nascondono i loro volti perché - toccano il legno - ho ottenuto qualcosa "
Questo sicuramente lo ha: la spinta del suo spettacolo, quello che ti afferra e ti tiene, è la raffinatezza della sua visione interna. Lavorando con la pittura, il cucito e vari supporti basati su obiettivi, Chhiba produce una grammatica estetica distintamente sua e comodamente interdisciplinare.
Robyn Sassen è direttore artistico del Rapporto ebraico SA.

Informazioni su Reshma Chhiba: Nato a Johannesburg (1983), Chhiba ha conseguito una laurea in Belle Arti presso la Wits University (2003). Ha partecipato a numerose mostre collettive, tra cui Donne: fotografia e nuovi media alla Johannesburg Art Gallery (2006) e Mostri impossibili (2007) presso Art Extra; ha tenuto la sua mostra personale di debutto, intitolata Kali (2008), nella stessa sede. Vincitrice congiunta del Premio Martiennsen nel 2003, è stata selezionata dal Goethe Institute per formare e lavorare come mediatore d'arte su Documenta12, a Kassel, Germania. Attualmente sta completando il suo master in Belle Arti presso Wits.


FUTURE TECNOLOGICHE NOSTALGICHE
LE INSTALLAZIONI IN LEGNO INTAGLIATO DI ROWAN SMITH, I LIGHTBOX E GLI INTERVENTI CON LA TECNOLOGIA DEFUNCT ISTITUISCONO UN DIALOGO TRA L'OSSOLESCENZA E IL SEMPRE NUOVO, SCRIVE NADINE BOTHA.
Joystick per intarsio Nintendo2 600px
in senso orario da in alto a sinistra Rowan Smith, Estensioni dell'Universo (dettaglio), 2007, tecnica mista,
dimensioni variabili; Rowan Smith, Joystick per Nintendo Marquetry 1 (dettaglio), 2007, impiallacciatura di legno e canna,
dimensioni variabili. Foto: Paul Grose; Rowan Smith, Kraftwerk è elettrico, 2007, acrilico a bordo, sette
display a segmenti e circuiti, dimensioni variabili Courtesy Whatiftheworld / Gallery. Foto: Paul Grose.
Le revisioni retro-futuriste della tecnologia obsolescente di Rowan Smith sono così alla moda che sembrano provenire dal Milnerton Market, il luogo di vendita bohemien di Cape Town. Ma il lavoro di Smith non riguarda la nostalgia; le sue installazioni in legno intagliato, i lightbox e gli interventi con tecnologia defunta affrontano le nostalgie inerenti al nostro futuro proiettato.
"I giorni nostri sono caratterizzati dalla rapida progressione della tecnologia", spiega Smith, un ragazzo un po 'timido e schifoso che sembra curvarsi nella sua kefiah. “La rivoluzione digitale influenza ogni aspetto della società. Come reazione al costante aggiornamento delle tue capacità e conoscenze in merito ai progressi tecnologici, mi sono interessato a guardare cose che erano già obsolete, e così facendo sono stato attratto da quella primissima estetica digitale - dagli anni '1960 e '70, allo stesso tempo il tempo come corsa allo spazio. " Display a LED, grandi manopole, impiallacciatura di legno, telefoni Nintendo e stampanti ad aghi potrebbero sembrare lo-fi ma, come spiega Smith, lo-fi è relativamente attuale. La gente di allora sognava un futuro in cui ci sarebbero state macchine volanti e vacanze sulla luna. Invece abbiamo telefoni cellulari, Hummers e la continua iperbole della tecnologia che non ha soddisfatto quelle visioni retrò del futuro. Smith cita l'idea del critico d'arte Harold Rosenberg secondo cui i futures non sono troppo sottovalutati e che ci sono così tanti futuri definiti da riciclare e riutilizzare costantemente. In quanto tale, la nostra concezione dei futuri sostenitori torna a ciò che pensavamo fosse possibile ora - è come se la nostra insoddisfazione per il presente e le sue promesse non consegnate guidassero l'insaziabile sete di nuove tecnologie. Il pezzo di Smith Dot Matrix Loop (2007) ha suscitato molto interesse quando è stato presentato alla Johannesburg Art Fair di marzo. Un'installazione composta da tre stampanti obsolete, con l'alimentazione della carta su un ciclo continuo, il chip originale in ciascuna stampante è stato riprogrammato per sputare uno dei 50 caratteri umani in accompagnamento a quel suono lamentoso di maiale delle stampanti a matrice di punti. L'output sulla carta è casuale e infinito, ovvero fino a quando la stampante non si inceppa o si spegne. I dispositivi periferici tradizionalmente richiedono che i computer li istruiscano: le stampanti autonome di Smith parlano chiaramente di tecnologia autonoma. "Queste tre stampanti stanno scambiando un anello di carta, creando questo mini mondo che è generativo e si auto-popola", afferma Smith su cosa succede alla relazione uomo-macchina quando la tecnologia inizia a pensare da sola.
"La relazione sottile tra le persone del loop è sempre casuale e determinata dalle stampanti, quindi la tecnologia sta creando questo mondo invece che noi creando un mondo fuori dalla tecnologia." In un ipotetico futuro, un giorno gli umani potrebbero diventare nostalgici del potere che attualmente esercitano sulle macchine; Il lavoro di Smith, con i suoi tempi mutevoli, tuttavia, chiede se la tecnologia non abbia già preso il controllo. Con una discarica sempre più ampia di tecnologia obsoleta, gli umani desiderano davvero le fotocamere digitali che rilevano il sorriso o la tecnologia sta guidando il costante rinnovamento di ciò che è nuovo? Questo dialogo tra obsolescenza e il nuovo mutevole richiama i dubbi di Theodore Adorno sull'arte moderna e su come il "nuovo" abbia partecipato come meccanismo alla generazione della cultura di massa. "Il nuovo è il desiderio del nuovo, non del nuovo stesso: questo è ciò di cui soffre tutto il nuovo", ha scritto, diffidando che gli artisti moderni stavano svalutando l'oggetto d'arte cancellando costantemente il presente nella loro ricerca del romanzo. I nostalgici futuri tecnologici di Smith sollevano un inaspettato confronto con la costante evoluzione della nozione dell'artista e dello spazio artistico.
"Sono affascinato dall'idea dell'artista in senso tradizionale e da quanto peso ha nella società, qual è la concezione della persona comune di un artista e come ciò si collega a ciò che un artista potrebbe essere oggi", dice. “È affascinante essere un artista; è così bizzarro in termini di traiettoria della professione artistica. " Un commento che si addice alla sua alma mater, la Michaelis School of Fine Art, Smith riporta il corporeo nel dibattito attraverso l'incorporazione di sculture tradizionali, sculture in legno, fusione, incisione e pittura. Tuttavia, il suo lavoro nelle arti plastiche non riguarda il ripristino di una connessione spirituale, catartica o emotiva, ma ancora la nostalgia associata.
“Mi piace il fatto che quella percezione sia lì per molte persone - che la gente pensi che ora sia permeata di significato perché le mie mani ce l'hanno fatta. Personalmente, non investo nell'idea però. Mentre posso rispettare l'abilità, in termini di dare più o meno significato a un'opera d'arte, non fa differenza. "
Nadine Botha è una scrittrice con sede a Città del Capo ed editrice della rivista Design Indaba.
Informazioni su Rowan Smith: Nato a Città del Capo (1983), Smith si è laureato alla Michaelis School of Fine Art di Cape Town, dove ha ricevuto il Premio Michaelis per il miglior studente laureato nel 2007. Ha partecipato a numerose mostre collettive, tra cui Non ancora famoso: a nessuno piace niente (2006) alla Whatiftheworld Gallery e picnic (2003) alla BellRoberts Gallery (sotto lo pseudonimo collaborativo "Clive Murdock"). Ha presentato la sua mostra personale di debutto alla Whatiftheworld Gallery di Città del Capo nell'agosto 2008. Le sue opere sono rappresentate nella Collezione Hollard, Johannesburg.