The Garden Metaphor - 'Reserve' at Salon91

I giardini e il giardinaggio di Cathy Layzell, il concetto politico di riserve e la forza trainante dietro la sua ultima mostra, "Reserve", attualmente in mostra a Salon91.

cathy2Cathy Layzell, Riserva III, 2017. Olio su tela, 1300 x 1600 mm.

ARTAFRICA: Sei stato istruito con artisti del calibro di Francis Pratt e Gary Wragg, entrambi pittori di successo con sede in Europa. Quali influenze hanno avuto sulla tua pratica attuale?

CATHY LAYZELL: La mia formazione sotto Francis e Gary mi ha fornito un legame vivente con la tradizione europea dei coloristi. Ero interessato a studiare il colore e l'astrazione e fu invitato da Francis a trascorrere l'estate lavorando nella sua scuola di pittura a Castelnau de Montmirail nel sud-ovest della Francia nel 2003. Gary Wragg era un artista invitato a visitare da Londra. Il loro tutoraggio ha stimolato domande e idee, in particolare sul colore nella pittura, che mi hanno messo su una strada per la vita.

Come ex accademico, Francis aveva studiato i processi cognitivi alla base del disegno e della percezione del colore. Il suo insegnamento ha integrato le pratiche artistiche tradizionali con le idee della scienza su come gli artisti usano il sistema visivo quando disegnano e dipingono per allenare la loro memoria. Ho imparato approcci pratici al colore che utilizzo per creare un senso di luminosità e profondità pittorica nel mio lavoro.

Nel 2008 ho tenuto un seminario con Gary presso l'ex casa e studio di Matisse, Villa La Reve, a Vence, vicino a Nizza. Abbiamo discusso le somiglianze e le differenze tra l'uso di Matisse e Bonnard del colore complesso e dello spazio dell'immagine, e ho imparato l'arte della stratificazione del colore, dei contrasti di colore e dello spazio tra i colori e i bordi dei colori. 

cathy5Cathy Layzell, biosfera, 2017. Olio su tela, 1700 x 1700 mm.

Nella dichiarazione del tuo artista, confronti il ​​tuo ruolo di artista con quello di un giardiniere, cercando di trovare un equilibrio tra coltivazione controllata e crescita libera. Puoi per favore approfondire questo e come descrivi questa nozione nel tuo lavoro?

Per me il giardinaggio è un'ottima analogia per comprendere il processo creativo. I giardini richiedono un'attenta pianificazione e ricerca, tempistica, un design efficace che tenga conto dell'estetica, dell'etica e della funzionalità. Un maestro giardiniere è in grado di pensare a tutto il giardino e di prestare attenzione ai dettagli. Il giardinaggio è tecnico. Richiede un duro lavoro e abitudini coerenti e spesso si tratta di imparare a fondo attraverso prove ed errori.

Come giardiniere prima cerchi l'ispirazione per il tipo di giardino che desideri, quindi progetti lo spazio e solo allora acquisti le tue piante e semi e prepari un ambiente che sosterrà la crescita delle piante. Ogni stagione porta diverse condizioni climatiche, opportunità di sperimentare e nuove varietà da seminare. Non è interamente un ruolo di dominio e controllo poiché le piante hanno i loro modelli imprevedibili di crescita e modi di sopravvivere in natura.

Come artista scegli la tua materia, raccogli materiale e ispirazione, stabilisci un quadro che consentirà l'espressione libera. Un dipinto, come un giardino, è una struttura autocosciente con bordi definiti. All'interno di quel quadro c'è una danza costante tra il processo decisionale e la pianificazione e permettendo all'intuizione di prendere il controllo e dirigere il pennello.

cathy4Cathy Layzell, Prenota I, 2017. Olio su tela, 1200 x 2200 mm.

Precedenti corpi di lavoro, come Espulsione dal giardino, esplorare la complessa relazione tra l'umanità e la natura, dove esiste un impulso a modellare, domare e controllare il mondo naturale insieme al desiderio di cedere alla sua natura selvaggia e al suo pericolo. Come inizi a esprimere e tradurre visivamente tali nozioni?

La metafora del giardino è particolarmente carica. Come afferma il bioeticista Gregory Kaebnick, "un giardino non è un luogo etico. La vita e la morte si verificano al capriccio di un giardiniere. Piantare o tagliare, tendere o uccidere, includere o escludere: è un esercizio di volontà moralmente non vincolata, va bene in un cortile ma richiede confini sia letterali che filosofici. "

Come pittore seguo l'impulso di modellare, domare e controllare il processo creativo prendendo decisioni consapevoli su materiale di origine, immagine, scala, superficie e tavolozza. Da quel momento in poi mi arrendo al processo pittorico che è imprevedibile.

Per questo corpus di lavori ho lavorato con immagini digitali fotografiche di paesaggi forestali. Zoomando nei dettagli, ho quindi tradotto i punti di luce colorata su tele nere con fondo nero. Questo processo ha portato a un'astrazione meditativa in cui ho iniziato a utilizzare frammenti di colore minimi per definire gli spazi negativi, lasciando così allo spettatore di completare l'immagine nel suo cervello.

Il sistema visivo è cablato per raggruppare frammenti apparentemente non correlati di un singolo oggetto. Quando i frammenti corretti scattano in posizione, si verifica il riconoscimento e sentiamo un gratificante "aha" che è il sistema limbico, in effetti, dicendo "qui è qualcosa di importante. Fai attenzione'. Il cervello ha bisogno solo di alcuni riferimenti diversi per costruire un'immagine dalla banca di dati visivi. Immagina una tigre nascosta dietro il fogliame. Tutti gli occhi che ricevono sono alcuni frammenti di tigre giallastra, ma il tuo sistema visivo presume che tutti questi frammenti non possano essere simili per coincidenza, quindi li raggruppa per assemblare l'oggetto e prestare attenzione.

Il piacere che il cervello trova nel riconoscimento dei modelli e nella formazione dell'immagine alla fine ha le sue basi nell'evoluzione, poiché le nostre risposte visive ed emotive agli stimoli ambientali si sono evolute per migliorare la sopravvivenza delle specie. Nella mia pratica pittorica ho studiato i segnali visivi che la natura innesca in noi. Il mio lavoro inizia come una meditazione sulle immagini in natura che hanno attirato la mia attenzione. Tirando fuori astrazioni e riflessioni sono in grado di stimolare i percorsi visivi che il cervello usa durante il riconoscimento. In tal modo accedo alla mia affinità subcosciente e al rapporto con la natura.

cathy1Cathy Layzell, Gola dello scheletro, 2017. Olio su tela, 1200 x 800 mm.

Puoi raccontarci come sei arrivato al titolo della tua prossima mostra personale, Prenotare?

La mia precedente mostra ha esplorato l'archetipo del "deserto" che si estende profondamente nel nostro inconscio collettivo. L'uso retorico del "deserto" ha, in effetti, una svolta ironica, poiché il deserto come ambiente naturale esiste più nella storia e nell'immaginazione che nei fatti. Con la scomparsa della maggior parte delle foreste primordiali abbiamo lasciato solo quelli che vengono chiamati, ossimoronicamente, "parchi" o "riserve" selvaggi.

Come spiega il professor Peter Britz, “Le riserve hanno lo scopo di preservare la natura in modo rappresentativo e sostenere la biodiversità. Ma la realtà è che sono sempre più reliquie di come apparivano gli ecosistemi prima che gli umani diventassero dominanti. Ma a livello psicologico, gli esseri umani sono prodotti di una natura incontaminata con cui ci siamo evoluti in centinaia e migliaia di anni completi di paure dei predatori, un'affinità per alcuni tipi di riparo e copertura forestale, acqua e sentieri. Sebbene non siano più addestrati dai nostri genitori a vivere e sopravvivere nella natura, abbiamo un'affinità istintiva per questo - che percepiamo nelle riserve. Spesso ci sentiamo vuoti circondati dall'asfalto e dal cemento della città. La natura, anche nella forma altamente artificiale dei parchi cittadini, contribuisce a creare una sensazione di benessere ".

Il paesaggio che vediamo oggi è notevolmente modificato, anche se abbastanza verde e bello in alcuni punti. Ciò che resta degli incontaminati ecosistemi "selvaggi" è sempre più limitato alle "riserve".

cathy3Cathy Layzell, Riserva II, 2017. Olio su tela, 1500 x 1800 mm. 

Nella tua dichiarazione dell'artista per Prenotare, menzioni che una riserva può anche essere considerata un concetto sociopolitico molto carico. In che modo e come lo trasmetti nei tuoi dipinti?

Il concetto di Riserve incarna argomenti che sono passati attraverso i discorsi sulla conservazione negli ultimi due decenni. L'importanza delle "riserve" per la sostenibilità è diventata sempre più contestata. È sempre più accettato che i "conservazionisti" dovranno passare da una mentalità da guardacaccia che considera le "riserve" come "riserve" che escludono gli esseri umani, ad abbracciare un approccio più olistico allo "sviluppo sostenibile" che accetta gli umani come parte dell'ecosistema.

Le riserve hanno anche un lato politicamente oscuro nei paesi coloniali poiché gli indigeni sono stati molto spesso sfollati o uccisi dai colonizzatori al fine di preservare la natura.

In un mondo sempre più dominato da paradigmi tecnologici ed economici, l'ambiente è tanto una considerazione economica, politica e culturale quanto un'innata naturalezza. Come il biblico Adamo ed Eva, che si riposizionano in un pericoloso paesaggio post-Eden, ora siamo responsabili del 'destino' dell'Eden sia come distruttori che come amministratori della natura.

Il mio lavoro indaga la confusione dei confini tra natura e artificio e cosa significa essere un essere autocosciente in un mondo simile.

'Reserve' è attualmente in mostra al Salon91 e sarà in mostra fino al 1 aprile 2017.