Festival fotografico Knokke-Heist 2014

Da marzo a giugno 2014 Knokke-Heist, Belgio, si concentrerà ancora una volta sulla fotografia contemporanea. L'International Photo Festival Knokke-Heist 2014 assicura che ci sia qualcosa per ogni visitatore, con sei mostre che offrono varie prospettive.
Il clou del festival è la mostra all'aperto, intitolata “Alta Africa", In cui artisti e fotografi di fama internazionale come Martin Parr, Wangechi Mutu, Zanele Muholi, Viviane Sassen, Yinka Shonibare e molti altri offrono una prospettiva alternativa sul continente africano contemporaneo.

Mostra all'aperto - La mostra principale del Festival fotografico, “Alta Africa", Evidenzia il lavoro di numerosi fotografi internazionali di spicco in varie località dello spazio pubblico di Knokke-Heist.
"Alta Africa”Si concentra sul lavoro di fotografi che non sono interessati alla moda africana in sé, ma che scelgono invece di condurre uno studio antropologico sulla cultura contemporanea dell'abbigliamento africano. Con il loro buon senso per i vari sviluppi nella società, riflettono sulle varie questioni sociali, politiche ed economiche che la moda esprime.

Diversi paesi africani, tra cui la Costa d'Avorio, il Kenya, la Nigeria, la Tanzania e lo Zambia hanno un'economia fiorente. L'economia del Sudafrica è la più grande in Africa, rendendola un attore globale di rilievo. Questi paesi devono principalmente i loro progressi allo sfruttamento dei minerali nella ricca terra africana, ma anche le economie creative e sostenibili stanno assistendo a una crescita.

L'industria della moda è un buon esempio di tale industria creativa. Molti designer, imprenditori e fotografi africani ispirano il mondo con nuovi design che trasmettono e rinnovano l'identità africana. Le loro creazioni si dirigono verso l'Occidente, attraverso Internet, durante le settimane della moda internazionale e grazie a diverse iniziative volte a promuovere la moda. Artisti e fotografi hanno presto notato anche questo sviluppo. Usano le culture dell'abbigliamento per comprendere meglio le convinzioni, i pensieri e i sentimenti di chi le indossa o la storia di un determinato luogo. Esaminano argomenti come occidentalizzazione, postcolonialismo, uguaglianza di razza e genere, credenze religiose o potere politico.
Gli artisti / fotografi partecipanti sono:
Baudouin Mouanda
Baudoin
Baudouin Mouanda, Untitled, della serie, Sapeur de Bacongo, 2008. Per gentile concessione dell'artista.
° 1981, Repubblica Democratica del Congo Vive e lavora nella Repubblica Democratica del Congo
Baudouin Mouanda indaga su come le forme globali di cultura e gli stili di vita all'avanguardia influenzano le sottoculture all'interno del Congo contemporaneo. Il suo principale lavoro, Sapeurs de Bacongo, rivela la cultura di La SAPE in Congo Brazzaville.
Questa serie mostra i membri della comunità SAPE, composta principalmente da giovani uomini, che sfoggiano i loro abiti sgargianti e dai colori vivaci. I sapeurs sono emersi nelle comunità africane e della diaspora negli ultimi 25 anni. Spesso letto come una versione post-coloniale dei dandy europei della fine del XVIII e XIX secolo. Tutti insieme Mouanda dimostra che essere un sapeur è molto più che spendere un sacco di soldi in abiti firmati occidentali. Essere un sapeuro ha a che fare con il modo in cui parli, il modo in cui ti muovi, ... è anche una dichiarazione politica. Si tratta di cambiare le opinioni su come le persone vedono l'Africa.
Negli ultimi giorni della guerra civile, "La SAPE incarna il modo di autoespressione di una generazione disgregata che impone i propri codici e trasforma la moda in uno spettacolo popolare che cerca di cambiare il mondo, anche se solo per un istante".
Daniele Tamagni
Daniele Tamagni, Afrometals # 1, della serie, Afrometals, 2012. Lambda C-print, 80 x 57 cm. Cortesia dell'artista.
° 1975, Italia Vive e lavora in Italia
Ambientato nella Brazzaville del Congo, la serie di Daniele Tamagni esplora il contesto sociale e urbano dei "Sapeurs" - che il fotografo ritiene essere "un movimento rivoluzionario, perché vestirsi è un modo per sfuggire e dimenticare la povertà. Nella maggior parte dei casi i sapeur sono persone umili e provengono dalle classi inferiori e hanno il sogno di fuggire dall'Africa e di avere una vita migliore ”. Questi sono giustapposti dai Sapeurs di Afrometal. Con i loro pantaloni di pelle nera e cinture con borchie, stivali e cappelli da cowboy, non potevano essere ulteriormente rimossi dalle tute dai colori vivaci delle loro controparti a Brazzaville, eppure, per tutti i loro riferimenti di metalli pesanti, queste meatheads del Botswana condividono con altri Sapeur intorno al continente una passione per esprimersi. Sebbene i loro vestiti possano aver avuto origine in Occidente, ogni stile iconico è stato riadattato con l'iconografia africana.
Tamagni cerca di esplorare lo stile di strada delle sottoculture nella società contemporanea. Le sue fotografie sono un misto di "messa in scena" e "in situ", a seconda di ciò che accade in un momento specifico. I costumi e gli abiti, tuttavia, sono tutti reali, anche se Tamagni sorride e dice "se sembrano essere costruiti, allora va bene, perché voglio lasciare allo spettatore in discussione ciò che vedono".
Hassan hajjaj
Hassan Hajjaj, Zezo Tamsamani, 2010/1431. Stampa lambda metallizzata su dibond con cornice in legno e oggetti trovati, 76.2 x 111.8 cm / Cornice: 93 x 136 cm. Per gentile concessione della Third Line Gallery, Dubai.
° 1961, Marocco Vive e lavora nel Regno Unito
L'artista e fotografo Hassan Hajjaj cattura la vitalità, l'umorismo e la spontaneità nei suoi ritratti. Le immagini sono presentate per creare il massimo impatto visivo e catturare l'attenzione di ogni passante, non solo attraverso l'uso audace del colore, ma anche dalla sfida diretta alle nozioni percepite dell'identità femminile nella cultura araba contemporanea.
Il nuovo Medio Oriente che sta emergendo è presentato nelle immagini di Hassan come brillante, audace e deciso, ma soprattutto vitale. C'è qualcosa nello stile e nella posa degli individui di Hassan che li porta molto saldamente nella discussione sulla sua arte. Le donne spesso posano nel tradizionale Hijab o Burqa, ma sono vestite testa a testa con abiti firmati da designer - che appaiono sia assertivi che provocatori, come se nelle pagine di Vogue. Le immagini stesse vengono quindi appese in cornici luminose e contrastanti che sono spesso costruite dall'artista stesso.
Héctor Mediavilla
Héctor Mediavilla, B. Mouzieto in Bacongo, 2004. Stampa a C montata su alluminio, plexiglas, 70 × 105 cm. Per gentile concessione dell'artista.
° 1970, Spagna Vive e lavora in Spagna
L'arrivo dei francesi in Congo, all'inizio del XX secolo, portò con sé il mito dell'eleganza parigina tra i giovani congolesi che lavoravano per i colonialisti. Molti consideravano l'uomo bianco superiore a causa della sua tecnologia, raffinatezza ed eleganza. Secondo la leggenda, nel 20, GA Matsoua fu il primo congolese a tornare da Parigi completamente vestito come un autentico gentiluomo francese, il che causò un notevole clamore e molta ammirazione tra i suoi concittadini. È stato il primo "Grand Sapeur".
Rispettati e ammirati nelle loro comunità, i "sapeurs" di oggi si vedono come artisti. Le loro maniere raffinate e lo stile impeccabile nei loro abiti portano un po 'di glamour nell'ambiente umile. Ognuno ha il suo repertorio di gesti che lo distingue dagli altri. Come dicono i sapeurs: "Il bianco ha inventato l'abito, noi l'abbiamo trasformato in arte". Stanno anche cercando il loro grande sogno: viaggiare a Parigi e tornare a Bacongo come signori dell'eleganza.
I media e gli immigrati che tornano nei loro paesi mantengono vivo il mito della "Terra Promessa". In questo processo - consapevolmente o meno - i nostri valori tendono a diventare miti e quindi considerati superiori ai valori tradizionali di altre culture. Sebbene questo processo sia stato notevolmente accelerato negli ultimi tempi, il problema risale al passato, e nel caso africano, all'era della colonizzazione. In questo contesto, Mediavilla ritiene che la "SAPE" congolese sia la prova delle contraddizioni del nostro modello di sviluppo.
Jehad Nga
Jehad Nga, Untitled # 7828, Turkana, Kenya, 2009. Stampa cromogena. Per gentile concessione della Galleria Bonni Benrubi.
° 1976, USA Vive e lavora negli USA
I ritratti sublimi e tragici della tribù dei Turkana in Kenya sono presentati qui in suggestivi chiaroscuri. Scordata da un governo che non la sentiva quasi propria, la tribù turkana del Kenya sta appassendo in numero mentre una siccità devasta il Corno d'Africa.
In una regione in cui poco o nessun aiuto ha raggiunto molte delle aree colpite, Nga documenta nella maniera più chiara possibile le persone e rischia di scomparire a causa del disastro. Nga rimuove completamente i suoi soggetti dal loro ambiente fotografandoli in una capanna indipendente costruita a questo scopo; nel fare ciò, si rifiuta di permettere al terreno accidentato della regione di diventare l'elemento determinante del suo lavoro, ma piuttosto costringe lo spettatore a confrontarsi con il soggetto umano davanti all'obiettivo.
L'abito rimane un identificatore territoriale. È una lingua a sé stante per le tribù pastorali. Per tali gruppi, la difesa della loro terra e del bestiame rimane in prima linea nel loro scopo comune.
Jim Naughten

Jim Naughten, Lady in Pink with Zebra Scarf, 2012. Archiviazione C-Print, 41 x 50 pollici. Per gentile concessione della Klompching Gallery
° 1969, The United Kingdom Vive e lavora nel Regno Unito
Ogni immagine, un ritratto dei membri della tribù Herero della Namibia, rivela una cultura materiale che rievoca il tumultuoso passato della regione: i residenti indossano abiti dell'epoca vittoriana e uniformi paramilitari come conseguenza diretta della sua colonizzazione.
Nella "lotta" europea per l'Africa, la Germania di Kaiser Wilhelm ha rivendicato l'ultima curva, "Deutsche Sudewest-Afrika", patria degli Herero. I missionari renani hanno iniziato a vestirli in modo europeo e nel tempo, questa è diventata una tradizione e una fonte di orgoglio per chi li indossa.
La guerra scoppiò nel 1904 devastando gli Herero, che persero fino all'80% della loro gente. Gli indumenti sono diventati un'importante espressione di identità durante quei tempi fragili. Dopo aver ucciso un tedesco, un Herero avrebbe adottato l'uniforme per acquisire lo spirito del nemico e mostrare abilità in battaglia. Paradossalmente, indossare queste uniformi è diventata una tradizione che continua ancora oggi dagli uomini che onorano ritualmente i loro antenati durante cerimonie, feste e funerali.
Componendo questi ritratti contro il paesaggio namibiano - uno di intensità spietata ma anche di silenziosa testimonianza - c'è un ravvivamento che si svolge in un momento altrimenti ghiacciato. Lo spazio immobile, lo sguardo diretto e l'abbigliamento riappropriato si combinano per creare una quiete che lascia parlare il passato.

Jodi Bieber


Jodi Bieber, Tshepiso, 2008. Stampa digitale in inchiostri a pigmenti, 162 x 220 cm. Cortese concessione della Goodman Gallery Johannesburg / Cape Town

° 1966, Sudafrica Vive e lavora in Sudafrica
Questo progetto è stato realizzato attraverso una serie di esperienze: una campagna pubblicitaria su cartelloni Dove a Londra che mostra donne normali in mutande che difendono e parlano per la vera bellezza. Una modella seduta accanto a Bieber in viaggio da Londra a Parigi ha sottolineato fino a che punto Photoshop viene utilizzato per migliorare la bellezza. Non era minimamente preoccupata per gli anelli sotto i suoi occhi poiché queste imperfezioni sarebbero state facilmente cancellate dopo il suo servizio fotografico. Un documentario radiofonico della BBC ha parlato di un aumento dei casi di donne nere anoressiche in Sud Africa, poiché il corpo a figura intera che era ancora una volta favorito, non è più desiderabile come le forme del corpo occidentale.
Ha sentito un forte bisogno di creare un corpo di lavoro che vada contro ciò che i media hanno descritto come bello. Anche all'interno di una società complessa come il Sudafrica, in tutte le comunità, le donne nutrono percezioni inutili di dubbi su se stesse e sulla loro bellezza sin dalla tenera età.
Diversi sistemi di credenze sono tenuti tra diverse comunità. A volte si crede che le donne molto magre e alte siano percepite come malate, possibilmente con l'HIV e le donne più sane come sane in alcune comunità. In altri, le donne magre sono spesso più desiderabili.
La serie ha creato uno spazio in cui ogni donna può esplorare la propria identità, in relazione alla comprensione della bellezza, e vivere per un paio d'ore in un ambiente di fantasia. Condivide un terreno comune con le donne che ha fotografato, che è il desiderio di prendere posizione per la "vera bellezza".
Namsa Leuba

Namsa Leuba, statuetta Vili, Fanta, Guinea, 2011. Stampa C, 28 x 35 cm. Cortesia dell'artista.
° 1982, Svizzera Vive e lavora sia in Francia che in Svizzera
In questo lavoro, Namsa Leuba si concentra sull'identità africana attraverso la lente occidentale. Cresciuta da un padre svizzero e da una madre guineana, è stata esposta a due culture diverse sin dalla giovane età. Affascinata dal paese natale delle madri, Leuba ha studiato pratiche culturali e rituali della regione di Conakry, in Guinea, nell'Africa occidentale.
In Guinea, l'Islam è la religione maggioritaria seguita dal cristianesimo. Ma come molte culture in cui ha avuto luogo la conversione di massa, la devozione a una religione precedente è ancora comune e il XNUMX% della popolazione pratica ancora la tradizionale fede animista guineana. Nella cosmologia guineana le statuette rituali sono usate simbolicamente per rappresentare "la modestia, la fortuna, la fecondità o un canale per l'esorcismo". Le statuette sono tipicamente utilizzate nelle cerimonie per rappresentare i desideri degli adoratori - non sono "gli dei di questa comunità", scrive Leuba, "ma le loro preghiere".
Leuba ha messo in scena ritratti in cui modelli umani interpretano le parti delle statuette tradizionali. Ha chiesto ai suoi soggetti di vestirsi con abiti complicati che rappresentassero gli strumenti rituali. A seconda del tipo di statuetta e delle loro funzioni, sono stati utilizzati materiali diversi. Mettendo questi oggetti sacri in un contesto diverso attraverso l'obiettivo, Leuba li ha inseriti in una cornice pensata per le scelte estetiche e il gusto occidentali, facendoli parlare in modo diverso.
Nontsikelelo Veleko
Nontsikelelo Veleko, La bellezza è negli occhi di chi guarda: Cindy e Nkuli, 2003. 29,6 x 19,7 cm, Inchiostri a pigmenti su carta di cotone. Per gentile concessione della Goodman Gallery
° 1977, Sud Africa Vive e lavora in Francia
Il tema distintivo di Veleko di Beauty is in the Eye of the Beholder, una serie di nitidi e audaci ritratti di street fashion della cultura e della moda giovanile in Sud Africa sono di nuovo fortemente presenti, ma iniziano qui a tremare quasi impercettibilmente nelle loro cornici. Queste serie sono una continuazione familiare della serie che ha iniziato nel 2003 e che le è valsa un ampio riconoscimento internazionale.
Veleko è stato un documentatore appassionato di moda e stile audace e individuale. Inoltre, ha posto domande su come leggiamo la moda e su come i suoi soggetti usano i vestiti per costruire, e spesso decostruire, le loro forme di identità. Le sue fotografie hanno aperto una finestra interessante sugli aspetti della composizione culturale del Sud Africa negli ultimi cinque anni.
I soggetti di Veleko sono raramente individui tradizionali. Molti di loro sono personaggi che corrono rischi nel modo in cui si dichiarano nel mondo e così facendo sono spesso vulnerabili all'interno dei domini in cui vivono, spesso ai margini della società. E alcuni riflettono chiaramente i cambiamenti critici che si stanno verificando su quel limite: Tracy Murinik
Martin Parr

Martin Parr, Sud Africa. Durban. Gare di luglio, 2005. Foto concesse da Martin Parr / Magnum
° 1952, Regno Unito. Vive e lavora nel Regno Unito
Il luxury
Questa serie di fotografie cerca di ritrarre i ricchi del mondo che si rilassano e si divertono in varie fiere d'arte, sfilate di moda, corse di cavalli e eventi di polo. Ho iniziato questo progetto a metà dell'ultimo decennio, molto prima del crollo globale del 2007/2008, quando sembrava non ci fosse fine alla follia e alla crescita delle economie mondiali. Dopo l'incidente, quando stavo cominciando a finire questo particolare progetto, l'ho pensato più che altro un epitaffio di quel particolare periodo. Ora, pochi anni dopo, sappiamo che al mondo ci sono più persone ricche che mai, ma c'è un po 'più di circospezione rispetto a prima.
La selezione include alcune buone immagini del luglio di Durban, il più grande evento di corse di cavalli in Sud Africa. Ho deciso di visitare questo evento per vedere come si sarebbe presentato il nuovo Sudafrica in una grande occasione sociale. Certo, basta, i ricchi bianchi con i loro vecchi soldi erano in forze, ma abbiamo anche visto i nuovi ricchi neri divertirsi, a volte ora anche serviti dai bianchi!

Per questo progetto, mi sono anche avventurato nei paesi emergenti BRIC e nel Medio Oriente. Sono andato due volte a Dubai, ad esempio perché è emerso come centro regionale per la creazione di ricchezza e le spese elevate, e sebbene il loro crollo sia stato un po 'più tardi degli altri, anche loro ora sono tornati al tasso di crescita originale.

Nella scuola di pensiero umanitario all'interno del fotogiornalismo, raffigurare la povertà è un argomento accettato. In un certo senso, fotografo la ricchezza con lo stesso spirito: tutti corriamo il rischio di creare un'economia globale insostenibile e i ricchi del mondo fanno parte di questa nuova equazione. Tuttavia cerco anche di creare intrattenimento attraverso le mie immagini, ma se le guardi da vicino, vedrai che contengono molte ambiguità.

Phyllis Galembo

Phyllis Galembo, Ngar Ball Traditional Masquerade Dance, Cross River, Nigeria, 2004. Ilfochrome, 76 x 76 cm. Per gentile concessione di Phyllis Galembo e Steven Kasher Gallery, New York / Alex Daniëls - Reflex, Amsterdam.
° 1952, USA Vive e lavora negli USA
Phyllis Galembo documenta fotograficamente il potere trasformativo dell'abito rituale in Africa e nelle Americhe.
Il mascheramento, praticato principalmente da uomini ma anche da donne e bambini, fa parte della vita africana contemporanea in molti modi. Ogni comunità ha il suo stile e il suo uso per le mascherate, inclusi rituali di iniziazione, matrimoni, funerali, incoronazioni e società segrete.
I rituali mascherati contemporanei sono spesso divertenti, divertenti, oscuri o spaventosi, un incredibile mix di straniero e tradizionale. Gli artisti africani che creano sia la maschera che il costume hanno "ampliato senza sosta l'orizzonte delle possibilità stilistiche, a volte attraverso una straordinaria economia di mezzi e materiali, pur mantenendo un rapporto dinamico con le forme prescritte dalla tradizione" secondo la storica dell'arte Chika Okeke-Agulu . Phyllis Galembo continua a cercare bellezza e anima nella grande tradizione artistica della mascherata.
Sabelo Mlangeni

Leopard, 2011. Stampa alla gelatina d'argento stampata a mano. Dimensioni immagine: 36 x 36 cm, Dimensioni carta: 40 x 50 cm. Edizione di 7 + 2AP - Per gentile concessione dell'artista e Stevenson Cape Town / Johannesburg
° 1980, Sud Africa Lavora e vive in Sud Africa
Black Men in Dress comprende una serie di ritratti fotografati al Johannesburg and Soweto Pride, un evento annuale per la comunità di lesbiche, gay, bisessuali, transgender e intersessuali (LGBTI). Questi ritratti ricordano a Mlangeni un'infanzia in cui, come descrive:
“La maggior parte delle comunità aveva quello che chiamiamo 'uSis'bhuti'. Questo è un termine usato per descrivere un ragazzo che si comporta come una ragazza. Perché allora odiamo questi ragazzi quando sono cresciuti per essere uomini che si vestono da donne? Perché ci voltiamo e li chiamiamo per nome, fingendo di non averlo mai visto? "
Come nella precedente serie Country Girls di Mlangeni, un senso drammatico della moda e un modo performativo e giocoso viene esplorato dagli uomini gay per interagire con il loro senso di appartenenza e identità. Gli elementi performativi dell'esibizionismo e del rito legano insieme questi due corpi di lavoro apparentemente diversi, in cui la celebrazione urbana e omosessuale è giustapposta alla tradizione rurale ed eterosessuale.
Viviane Sassen

Viviane Sassen, Untitled, dalla serie Die Son Sien Alles 2002/2004. Libro di Libraryman. © VivianeSassen
° 1972, Paesi Bassi Vive e lavora in Olanda
Viviane Sassen ha fotografato le township di Cape Town durante diverse visite tra il 2002 e il 2004, descrivendo l'inventiva sgangherata con cui i poveri neri sudafricani costruiscono il loro ambiente di vita.
In questo progetto, Sassen continua le sue esplorazioni altrettanto giocose e incisive della cultura africana contemporanea. La serie è uno studio dell'ambiente di vita nelle township sudafricane e rivela le qualità scultoree degli interni in combinazione con oggetti occidentali che sembravano filtrare nella vita quotidiana. Molti degli interni sono realizzati con pubblicità di moda, tessuti a motivi geometrici e carta da parati di riviste di moda. Le immagini sono invariabilmente intriganti e notevoli, anche un po 'surreali. Sono ritratti? Lavoro documentario? Pubblicità sul palco? Concettuale? Coinvolgono tutti quei linguaggi, traendo da ciascuno le loro migliori strategie rappresentative, e alla fine catturano i loro soggetti in un modo più umano e coinvolto rispetto a gran parte della fotografia africana. Queste persone sembrano reali, gli shebeen bevitori a loro agio. La vita, anche per quanto strana e leggermente fuori posto come sembra in queste immagini, sta accadendo.
Nel corso della sua carriera Viviane Sassen ha prodotto una marea di immagini meravigliose, molte delle quali dell'Africa, continente in cui ha trascorso gran parte della sua giovinezza.
Wangechi Mutu

Wangechi Mutu, Fallen Heads, 2010. Collage, inchiostro, tecnica mista su Mylar. 154.94 x 271.78 x 6.35 cm. Per gentile concessione dell'artista e Susanne Vielmetter Los Angeles Projects; Collezione di Paul e Linda Gotskind, Chicago, IL.
° 1972, Kenya Vive e lavora negli USA
Da lontano, Fallen Heads di Wangechi Mutu potrebbe essere un motivo floreale che arrossisce. Da vicino, la qualità decorativa rimane intatta: fioriture di acquerello macchiano di sangue lo sfondo e fiori e gioielli in collage ornano le teste che cadono e rotolano. Dalle teste emergono linee nere sinuose che ricordano capelli, tessuto connettivo e neuroni. Il motivo evoca modelli colorati e complessi di flora e fauna, crescita cellulare e carne mozzata. Le teste ingioiellate e disincarnate invocano la storia delle esecuzioni ordinate dallo stato e della guerriglia, ricordando allo spettatore che prendere la vita in pubblico è un rituale di punizione o un'affermazione del potere religioso e politico. Questo groviglio di teste sintetizza le critiche di Mutu ai vari fallimenti della leadership che hanno portato all'autorizzazione contemporanea di queste pratiche brutali con la sua attenzione a rappresentazioni più sottili del potere e della violenza nell'intrattenimento popolare.
Wangechi Mutu è meglio conosciuta per i suoi collage ampi ed espressivi e le installazioni scultoree. Combina immagini di riviste popolari, periodici etnografici e pornografia con applicazioni espressive di pittura, inchiostro, glitter e persino capelli per affrontare l'identità razziale, il neocolonialismo, la politica africana e le rappresentazioni dominanti delle donne. Il lavoro risultante è complicato e strano, bello e terrificante - Ariel Lauren Pittman.
Yinka Shonibare MBE

Yinka Shonibare, MBE. The Sleep of Reason (Africa), 2008. Stampa C montata su alluminio, 207 x 147.3 x 6.4 cm. Per gentile concessione dell'artista e della Stephen Friedman Gallery, Londra.
° 1962, Regno Unito / Nigeria Vive e lavora nel Regno Unito
Il lavoro di Shonibare esplora i temi della razza e della classe attraverso i media della pittura, scultura, fotografia e film. Dopo essersi descritto come un ibrido "postcoloniale", Shonibare mette in dubbio il significato delle definizioni culturali e nazionali. Il suo materiale distintivo è il tessuto batik 'africano' dai colori vivaci che acquista al mercato di Brixton. Il tessuto è stato ispirato dal design indonesiano, prodotto in serie dagli olandesi e infine venduto alle colonie dell'Africa occidentale. Negli anni '1960 il materiale è diventato un nuovo segno di identità e indipendenza africana.
"Il sonno della ragione (Africa)" è un'appropriazione di "El Sueño de la Razón Produce Monstruos" di Francisco Goya ("Il sonno della ragione produce mostri" o "Il sogno della ragione produce mostri"). Qui, Shonibare fotografa una persona reale che indossa abiti in stile vittoriano realizzati con tessuti africani riccamente colorati. Shonibare enfatizza la complessità dell'identità culturale mentre sostiene un delicato equilibrio tra fantasia e reale, un sentimento condiviso da Goya, che ha avvertito: “L'immaginazione abbandonata dalla ragione genera mostri impossibili. Unita alla ragione, è la madre di tutte le arti e la fonte delle loro meraviglie ”.
Le fotografie di Shonibare chiedono in francese: "Les songes de la raison produisent-ils les monstres en Afrique / en Amérique / en Asia / en Europe / en Australie?" ("I sogni della ragione producono mostri in Africa / in America / in Asia / in Europa / in Australia?"). Questa traduzione sembra suggerire che l'imposizione degli ideali dell'Illuminismo possa in effetti creare alcuni demoni - come i dittatori "democraticamente" votati al potere.
Zanele Muholi
Zanele Muholi, Lebo 'Leptie' PHUME, Daveyton, Johannesburg, 2013. Stampa alla gelatina d'argento, 76.5 x 50.5 cm / 86.5 x 60.5 cm. Per gentile concessione di Zanele Muholi e Stevenson Cape Town / Johannesburg
° 1972 Sud Africa Vive e lavora in Sud Africa
Questa serie presenta giovani gay neri (LGBT) di varie township del Sud Africa. Sono principalmente lesbiche nere, cresciute sotto la nuova dispensazione del democratico Sudafrica; i cosiddetti "Born Frees". La loro realtà potrebbe non essere la stessa di coloro che vivevano sotto l'apartheid, ma vivono ancora all'ombra della violenza, dei crimini d'odio dilaganti e di un alto tasso di disoccupazione.
Questa è la battaglia in cui è impegnata questa generazione "Born Free": la lotta per amare, per esprimere liberamente la propria sessualità senza paura di recriminazioni, violenze palesi o "stupri correttivi". Questa espressione di sé è evidente anche nel modo in cui ogni persona sceglie di vestirsi.
Attraverso i codici di abbigliamento specifici per genere, questi giovani rivendicano e affermano il loro spazio di esistere. Ad esempio, una lesbica "butch" adotta tessuti maschili che consentono a chi la indossa di passare per un uomo, mentre le lesbiche "femme" scelgono di fare una dichiarazione in abiti femminili o sexy. Alcuni adottano la couture africana o il tradizionale lavoro di perline per contestare l'idea che la gayness / omosessualità sia "non africana". Altri si vestono in un modo particolare semplicemente perché li fa sentire a proprio agio. Questa audacia e fiducia definisce l'esistenza di ogni persona, rendendola visibile, consentendo agli individui di essere riconosciuti e rispettati.
Questo lavoro riconosce le realtà dei giovani gay i cui corpi sono in declino e mira ad amplificare il peso politico di coloro che sono presenti e vivi a dispetto di quell'intolleranza e violenza, che affermano il proprio spazio all'interno di questa giovane democrazia.