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L'ascesa dell'attivismo da collezione

Negli ultimi dieci anni, il mercato dell'arte ha subito cambiamenti turbolenti. Globalizzazione e mercati emergenti dell'arte, arte come asset class, crescita dei social media, boom delle fiere d'arte, nascita di modelli multinazionali di gallerie e crescita di musei privati. Esaminati da vicino, molti di questi cambiamenti sono guidati, almeno in parte, dai collezionisti e, in particolare, i nuovi collezionisti attenti al business si stanno impegnando con il mercato e gli artisti. Mentre abbondano le critiche alla monetizzazione e alla produttività dell'arte, uno sviluppo in particolare è emerso come un significante positivo: l'emergere di collezionisti attivisti in qualità di mecenate.

Segnalazione per New York Times nel 2017, Jennifer Miller riferisce di “uno spostamento nel modo in cui alcuni appassionati di arte, da individui facoltosi a fondazioni che concedono sovvenzioni, si relazionano con i creatori. Si stanno allontanando dal semplice collezionare e consumare arte e verso un modello che ricorda il Rinascimento, quando le case reali fornivano spazio, tavola, materiali e importanti collegamenti professionali con artisti di talento del giorno ".

“I patroni del 21 ° secolo sono molto meno motivati ​​politicamente della famiglia Medici e dei loro simili, e generalmente non ospitano artisti nelle loro sontuose proprietà o comandano loro di dipingere affreschi. Ma proprio come i vecchi mecenati, stanno offrendo ai creatori un percorso verso il successo e la stabilità economica, fornendo spese di sostentamento, forniture, colloqui e altro ancora ”.

Colpo dell'installazione di "Right at the Equator".Colpo dell'installazione di "Right at the Equator".

Le spiegazioni possono essere molte: dai drastici tagli al finanziamento culturale del governo, ai cambiamenti nel modo in cui l'arte viene prodotta e gli sfondi dei collezionisti. Roselee Goldberg, fondatrice sudafricana di Performa, crede che gli avventori di oggi siano simili agli "investitori angelici" della tecnologia. "Vedi che qualcosa ha il potenziale per crescere e vuoi sostenere quel periodo di incubazione".

Mentre molti non rispettano i confronti con il patrocinio dei Medici Renaissons, l'idea del patrocinio degli artisti è tutt'altro che unicamente europea.

Parlando della riemersione del patrocinio nel contesto dell'arte contemporanea cinese e di Hong Kong, Chin Chin Teoh - condirettore della MILL6 Foundation, un'organizzazione artistica e culturale senza scopo di lucro - qualifica la differenza tra un collezionista e un mecenate, “ ci piace classificare un mecenate come il tipo per avere una relazione diretta con l'artista. C'è un dialogo diretto tra l'artista e il mecenate, quindi la relazione è reciprocamente negoziabile. "

William Molesworth - il direttore della Galleria de Sarthe - osserva anche che il patrocinio può essere in qualche modo un movimento democratizzante, “Penso che ci sia un enorme scollamento tra il valore culturale attuale dell'arte e l'economia dietro il mondo dell'arte. Vorrei che ci fosse un modo per motivare più finanziamenti per gli artisti, non solo dal governo ma anche dal pubblico e dalle gallerie, per supportare una vasta gamma
di artisti, non solo la punta dell'iceberg. "

Carolina García Jayaram - presidente e amministratore delegato della National Young Arts Foundation - afferma che "Per molti anni, i sostenitori hanno sostenuto istituzioni o un prodotto, sottoscrivendo questo balletto o mettendo il loro nome in uno spettacolo specifico in un museo".

Di recente, ha anche affermato che "i donatori comprendono quanto sia importante sostenere gli artisti, non solo l'arte".

Questo tipo di comprensione ha guidato lo sviluppo della nuova fiorente scena artistica dell'Arabia Saudita, dove organizzazioni come Misk Art Institute, una nuova organizzazione con sede a Riyadh, sono state create per incoraggiare la produzione artistica in Arabia Saudita e consentire diplomazia e scambi culturali.

Se questa comprensione dell'importanza del sostegno alla produzione è prominente in alcune delle scene d'arte più sviluppate e meglio finanziate, è assolutamente cruciale per gli artisti nel contesto africano. Prima dell'attuale espansione dell'interesse per l'arte contemporanea nel continente, i settori dell'arte e la produzione artistica nel continente sono stati dominati da ONG internazionali, molte delle quali erano e rimangono preoccupate per l'agenda della sede americana / europea piuttosto che per le esigenze viventi degli artisti. Anche se i mercati commerciali nel continente e oltre si evolveranno, passerà molto tempo prima che le infrastrutture - musei, gallerie, scuole d'arte, produzione di materiali artistici, sicurezza sociale - colmino il divario nel supporto degli artisti. Mentre celebriamo l'emergere di musei d'arte, il ruolo delle istituzioni è quello di un archivio, che conserva e espone manufatti e opere d'arte culturali. È complementare e non un sostituto della profonda necessità di un supporto indipendente alla produzione.

Il patrocinio può diventare un fattore cruciale per colmare tale divario, superare gli ostacoli alla realizzazione del potenziale creativo di un artista e raggiungere il pubblico più vasto possibile. Sembra che tale comprensione stia iniziando a emergere anche nel contesto dell'arte contemporanea africana.

Mentre il suo collezionismo e attivismo sono stati ben pubblicizzati, negli ultimi anni il lavoro di Sindika Dokolo attraverso la fondazione ha iniziato a incorporare questo tipo di pratica, con progetti notevoli come il finanziamento della produzione di opere nella "Divina Commedia: Paradiso, Purgatorio e inferno rivisitati da artisti contemporanei africani 'a cura di Simon Njami. Questa mostra ha viaggiato tra il Museum für Moderne Kunst di Francoforte, lo SCAD Museum of Art di Savannah, in Georgia, e il National Museum of African Art presso la Smithsonian Institution di Washington, DC

E poi ci sono i modelli di supporto di base più vicini, come quelli dell'imprenditore sociale diventato mecenate d'arte, David Altman. Nato e cresciuto in Sudafrica, Altman ha trascorso gli anni '1980 e '90 vivendo a New York, a Los Angeles e in Europa, attraversando industrie diverse come la moda, lo sviluppo e l'istruzione, oltre all'arte. Rimpegnandosi con il Sudafrica negli ultimi anni, è diventata anche l'occasione per immergersi nella fiorente scena artistica di Città del Capo. Tuttavia, come qualcuno impegnato nello sviluppo, Altman ha immediatamente capito che collezionare da soli non è abbastanza. Impegnandosi a conoscere e comprendere personalmente le esigenze di ciascun artista che ha scelto di collezionare, Altman ha riconosciuto che ciò può assumere una dimensione diversa rispetto a quella che normalmente viene intesa come relazione di patrocinio.

“Ciò può variare dal sostenere un artista nella costruzione di una casa, all'approvvigionamento e alla spedizione di materiali artistici oltre i confini delicati, fino alla risoluzione di problemi medici. Lo definirei un approccio rispettoso dell'ambiente, che riconosce che gli artisti con cui lavoro vivono in un contesto in cui, quelle che si potrebbero definire "regole ordinarie" non devono, e spesso non possono essere applicate ", afferma Altman.

Colpo dell'installazione di "Right at the Equator".Colpo dell'installazione di "Right at the Equator".

Avendo iniziato con il supporto e l'acquisizione, il patrocinio di Altman si è evoluto con la consapevolezza che il supporto dell'artista dovrebbe includere anche lo sviluppo della carriera. Ciò ha portato allo sviluppo di progetti espositivi per creare esposizione internazionale per gli artisti della collezione. Il primo di questi "Right at the Equator" è attualmente alla Depart Foundation di Los Angeles e presenta le opere di 22 artisti emergenti tra cui Gareth Nyandoro, Serge Attokwey Clottey, Igshaan Adams, Gresham Tapiwa Nyaude e Wycliffe Mundopa. La mostra, è un primo sforzo nel suo genere in California ed è uno sforzo strategico per portare un pubblico completamente nuovo agli artisti nella sua collezione e nell'arte africana contemporanea.

Mentre il patrocinio sta iniziando a affermarsi come una forza significativa nell'arte contemporanea nel continente, è importante ricordare che in epoca precoloniale, il patrocinio di artisti, musicisti, poeti e abili artigiani era una parte consolidata del tradizionale, sociale e strutture comuni in molte culture e regioni del continente. L'importanza dei clienti che emergono nel continente, quindi, non è importante solo per lo sviluppo di ecologie artistiche di successo. È anche, in molti modi, un'opportunità per decolonizzare l'economia culturale e riguadagnare l'equilibrio di potere nel contenuto e nel contesto dell'arte prodotta nel continente e dell'arte africana vista a livello internazionale.

Valerie Kabov è una storica dell'arte con particolare attenzione alla politica culturale e all'economia della cultura. È co-fondatrice e direttrice di Education and International Projects presso First Floor Gallery Harare. È anche curatrice di "Right at the Equator".