Maestri che dobbiamo padroneggiare

António Ole e Tapfuma Gutsa

In un articolo pubblicato nella Wall Street Journal coprendo la tanto venerata sezione d'arte africana dell'Armory Show nel 2016, Kelly Crow ha tentato la seguente analisi dei catalizzatori d'arte africana contemporanea:

“I collezionisti affermano che stanno dando un'occhiata più da vicino all'arte africana contemporanea perché l'intera scena del continente sta facendo una rottura sismica con la tradizione. Poco prende in prestito dai tradizionali tropi visivi dell'Africa: 19th figure in legno intagliato del secolo, costumi in rafia e cestini intrecciati un tempo considerati primitivi ma famosi raccolti da artisti moderni come Picasso. "

António Ole, Sobre o Consumo da Pílula, 81 x 64,8cm. Per gentile concessione dell'artista.António Ole, A proposito di Consumo da Pílula, 81 x 64,8 cm. Per gentile concessione dell'artista.

Sebbene fuorviate, dichiarazioni come questa non possono essere ignorate alla leggera. È parte di una narrativa dubbia sottoscritta da molti commercianti d'arte ansiosi per le loro giovani stelle emergenti, per adattarsi ai discorsi internazionali e ai budget dei collezionisti di arte contemporanea.

Tale desiderio di elevare l'arte contemporanea nel continente negando il passato, non solo è materialmente imperfetto, ma cambia la storia dell'arte nel continente. Oltre alla continuità della tradizione che ha sostenuto e alimentato l'arte emergente. Inoltre, osservando i movimenti nel mercato dell'arte, è già fuori sincrono nell'evoluzione del mercato.

A coloro che hanno studiato, sembrerebbe che non vi sia alcun cambiamento sismico negli sviluppi dell'arte in tutto il continente, ma piuttosto uno sviluppo costante su basi esistenti. Il lavoro di El Anatsui per sua stessa ammissione è profondamente radicato nelle tradizioni tessili del suo nativo Ghana e, di conseguenza, ha ispirato una moltitudine di artisti emergenti locali. Numerosi giovani artisti nel continente basano la loro pratica su tradizioni di oggetti trovati, che risalgono a secoli piuttosto che a scoperte del modernismo francese. La trama di Nnena Okere e Ifeoma Anyoji non è ugualmente un cambiamento sismico e nemmeno la pratica dei giovanissimi. La fotografia di Aida Muluneh può far risalire la sua genealogia ad entrambe le icone cristiane etiopiche. Inoltre, il lavoro di Troy Makaza applica la tessitura e lo storytelling interamente indigeni e tradizionali, sebbene utilizzi silicone industriale e importato.

Tapfuma Gutsa, The Cypher, 2002. Bufalo d'acqua, corno e granito, 107 x 31 x 30 cm. Per gentile concessione dell'artista.

Tapfuma Gutsa, Il Cypher, 2002. Bufalo d'acqua, corno e granito, 107 x 31 x 30 cm. Per gentile concessione dell'artista.

Gli artisti emergenti non sono nati in isolamento. Non dobbiamo ignorare la generazione che è venuta prima, alla ricerca della prossima cosa calda e giovane. Questa ricerca ha caratterizzato l'ascesa dell'arte contemporanea e ha coinciso con la preminenza dell'arte emergente a livello globale. Sembrerebbe che in un continente di oltre un miliardo di persone, abbiamo solo una manciata di artisti delle generazioni precedenti poiché il nostro focus è stato altrove.

Tuttavia, se non diventiamo continuamente più consapevoli di ciò, il settore dell'arte contemporanea africana non solo subirà delle brevi modifiche, ma non sarà in linea con il mercato mondiale dell'arte. A partire dal 2016, l'entusiasmo del collezionista internazionale per i giovani artisti si è notevolmente raffreddato. Invece stiamo assistendo a una rivalutazione degli artisti di vecchia generazione. Sono considerati opzioni di investimento più sicure e più preziose. Questi artisti, a differenza dei loro collezionisti più giovani e in via di sviluppo, hanno ulteriori ricche esperienze. Molti hanno vissuto il colonialismo, l'apartheid e le guerre per l'indipendenza. Hanno perseverato nel costruire corpi sostanziali e importanti di lavoro pronti per essere scoperti.

Prendere in carico la narrazione della storia dell'arte contemporanea in Africa significa riconoscere questa storia e costruirne la visibilità. Nel tentativo di ristabilire questo equilibrio, abbiamo iniziato una serie incentrata sul collezionista, profilando artisti delle generazioni più anziane, che a nostro avviso - sono fondamentali per la storia dell'arte nel continente. Per noi, questi artisti meritano la scoperta e la riscoperta, nonché il supporto istituzionale, curatoriale e da collezione. Per i prossimi 12 mesi, ogni numero di Collector avrà due artisti in primo piano in tutto il continente.

Tapfuma Gutsa, Tribute to Sango, 2002. Uova di granito e struzzo. Per gentile concessione dell'artista e October Gallery.Tapfuma Gutsa, Omaggio a Sango, 2002. Uova di granito e struzzo. Per gentile concessione dell'artista e October Gallery.

Tapfuma Gutsa

Nato nel 1956 ad Harare, Zimbabwe.

Vive e lavora a Murehwa, Zimbabwe.

Non è possibile pensare o immaginare l'arte contemporanea dello Zimbabwe senza Tapfuma Gutsa. Probabilmente, Gutsa è il primo artista contemporaneo dello Zimbabwe. Dopo aver iniziato ad allenarsi in scultura di pietra in tenera età, Gutsa è riuscito a sostenere le tendenze paternalistiche delle ambizioni di Frank McEwan per la scultura di pietra, ed è diventato il primo destinatario di un premio del British Council allo Zimbabwe per studiare alla London School of Art, Inghilterra (1982-1985). Inizia così una prolifica carriera di qualcuno guidato dallo spirito di indipendenza e sperimentazione, combinato con un profondo rispetto per la tradizione. Nel corso dei decenni, Gutsa ha lavorato con un ampio spettro di materiali dalla pietra alla ceramica, dal legno alla tessitura, con una visione delle qualità spirituali e narrative dei materiali scelti. Questa è una sensibilità ereditata dalle giovani generazioni di artisti, da scultori come Terrence Musekiwa, Moffat Takadiwa e Takunda Regis Billiat, a pittori come Wycliffe Mundopa. La carriera di Gutsa è internazionale ed espansiva e precede l'attuale "moda" internazionale per l'arte contemporanea africana. Il suo lavoro è stato incluso nella Mostra d'arte africana contemporanea del 1990 presso lo Studio Museum Harlem, alla Biennale di Dakar 2004 e nella mostra innovativa Victoria & Albert Museums, "Uncomfort Truths: The Shadow of Slave Trading on Contemporary Art" nel 2007. È stato vicedirettore della Galleria Nazionale dello Zimbabwe e, nel 2011, è diventato uno dei rappresentanti del seminario inaugurale dello Zimbabwe alla Biennale di Venezia.

António Ole, Margem da Zona Limite, 1995. Ferro, mattoni, uccelli imbalsamati, fotografia e archivi. 1a Biennale di Johannesburg. Per gentile concessione dell'artista.António Ole, Margem da Zona Limite, 1995. Ferro, mattoni, uccelli imbalsamati, fotografia e archivi. 1a Biennale di Johannesburg. Per gentile concessione dell'artista.

António Ole

Nato nel 1951 a Luanda, in Angola.

Vive e lavora in Angola.

António Ole è un pioniere e un patriota e il più anziano statista dell'arte angolana. Dopo aver studiato cultura e cinema afroamericano presso l'Università della California, e film presso il Center for Advanced Film and Television Studies presso l'American Film Institute di Los Angeles e aver vissuto negli Stati Uniti dopo i suoi studi, è tornato in Angola per condividere i suoi difficile percorso del Paese dopo l'indipendenza. La pratica di Ole sfida le categorie: “Lascia che ti dica una cosa: dipinti, installazioni, lungometraggi, video arte e fotografie sono, per me, parte della stessa cosa - lo stesso atteggiamento nei confronti della creatività. Non faccio alcuna distinzione. " Come artista multidisciplinare, ha partecipato alla definizione di momenti sia della storia dell'Angola che della nascita dell'arte contemporanea come movimento nel continente e oltre. Come rappresentante più recente dell'Angola alla Biennale di Venezia, ha partecipato a mostre di base come la prima Biennale di Johannesburg, Africa Remix e la sesta Biennale dell'Avana. I suoi film, i suoi lavori su carta e le sue installazioni creano un commento aperto sulla vita dei suoi contemporanei, con una commovente sensibilità visiva ed estetica, che consente all'opera di trascendere il documentario e lo specifico del suo soggetto, verso la compassione dell'umanità condivisa .

Valerie Kabov è una storica dell'arte con particolare attenzione alla politica culturale e all'economia della cultura. È co-fondatrice e direttrice di Education and International Projects presso First Floor Gallery Harare.