Marzo 2005

Art South Africa Volume 3: Numero 03
Nandi Mntambo; Dineo Seshee Bopape; Stefanus Rademeyer; Langa Magwa; Jacki McInnes


DIVAS HIRSUTE

Nandi Mntambo, Idle, 2004, pelle di mucca, fibra di vetro, resina e acciaio, 900 x 470 x 590 mm.

Gli scultori emergenti che invertono la tendenza attuale verso l'installazione e i nuovi media all'avanguardia devono ancora mantenere un piede abbastanza fermo nel campo d'avanguardia per rimanere sul radar del mondo dell'arte contemporanea. Nandi Mntambo, che l'anno scorso si è laureato alla Michaelis School of Fine Art della UCT, ha gestito questo atto di bilanciamento con aplomb. Gli spettacoli di laurea sono tradizionalmente pettinati da talent-spotter e Mntambo è stato scelto l'anno scorso. Il suo lavoro ha trasmesso un forte impatto visivo, abilità tecnica e profondità concettuale insieme al suo mezzo sorprendente.
Mntambo modellò calchi parziali di figure femminili in pelle bovina, che furono ispirati da un sogno e scelti per le loro molteplici associazioni culturali. La proposta assurda ma di successo di sensuali figure femminili coperte di capelli lunghi era al tempo stesso attraente e ripugnante. Al centro, una donna si accovacciò a quattro zampe. Una serie di cinque figure pendevano come abiti in un armadio e un busto dal muro. Tre coppie di gambe incrociate sedevano su seggioloni per commentare l'interazione femminile.
Mntambo afferma: "Riguarda il modo in cui le donne dovrebbero" comportarsi "l'una verso l'altra. Molte persone preferiscono tacere o guardare da lontano perché è più sicuro ... Sfida anche gli stereotipi di come dovrebbero apparire le donne: la moglie o la ragazza pelosa. È al contempo inquietante e sexy. "
Il suo lavoro parla di volumi del suo personaggio. È coinvolgente, divertente, stimolante, sovversivo e fuori dal comune. “Non sono prezioso per il mio lavoro. È facile fermarsi e ricominciare ", dice.
Mntambo è anche interessato a come le prospettive sono influenzate dalla storia percepita. Quest'anno studierà verso un Master in Belle Arti mentre ricerca il ruolo delle donne di colore nella storia dell'arte sudafricana. Di questo passo, molto probabilmente diventerà parte dello stesso canone.

Kim Gurney è giornalista freelance e redattore di Western Cape di ArtThrob.


SCORREVOLE ATTRAVERSO LA RUBBLE

Dineo Bopape, In crescita ogni giorno, 2004, installazione su supporti misti, dimensioni variabili.

Dineo Bopape ha recentemente completato la sua laurea in ingegneria presso il Dipartimento di Belle Arti del Durban Institute of Technology (DIT) ed è uno degli artisti più promettenti emersi da questa istituzione negli ultimi anni. Dopo essersi specializzato in scultura, Bopape è un giovane artista versatile e articolato che lavora allo stesso modo a casa nell'installazione e nel video. Dovrà apparire in due importanti mostre nel 2005: il NSA Young Artist's Project e una mostra curata da Kathryn Smith per il Klein Karoo Arts Festival del 2005.
Gran parte della pratica di Bopape finora riguarda la sua ossessiva raccolta e confezionamento di cose per lo più insignificanti. La sua raccolta nevrotica, la custodia e l'archiviazione obsoleta diventano un'inchiesta sull'invisibile e represso, una metafora della storia e dell'esperienza vissuta. Il risultato fisico del suo accaparramento e del disordine interno non strutturato sono strutture sciolte, trasudanti e flaccide che trattengono a malapena.
Per il suo ultimo anno, Bopape ha presentato un'installazione in uno spazio commerciale vuoto situato in un centro commerciale nel CBD di Durban.

Dineo Bopape, secernere), 2004, installazione su supporti misti, dimensioni variabili.


Lo spazio era dominato da una struttura a tenda crollata a metà piena di masse di sacchetti di plastica sigillati, carte, appunti, palloncini e "segreti". Raccolti dal pubblico, le opere sono state cucite in tasca, appuntate, nascoste e sparpagliate.

Una delle opere bidimensionali in mostra ha messo in contrapposizione schietta le immagini pornografiche hardcore di donne nere e genitali con immagini fast food lucide. Un lavoro coraggioso e scioccante, si è rivelato insolitamente franco dato il contesto più ampio in cui l'imaging dei corpi di una donna di colore è un terreno così contestato.
"Il mio lavoro si è sviluppato da un'espressione paranoica di disegnare i confini tra le cose private e le cose pubbliche e un'ossessiva custodia di tali", afferma Bopape. “Tuttavia, questo processo porta inevitabilmente al soffocamento. La storia è il bagaglio che trasportiamo e spesso è anche un peso a cui non possiamo sfuggire. Sono interessato a rivelare il grottesco, la chiave di volta e il disgustoso nel banale, al fine di rivelare anche i segreti (il non detto / non menzionabile) all'interno di spazi intimi e apparentemente pubblici / privati.

Storm Janse van Rensburg.


OGGETTI ANTI-PRODUZIONE MASSA

Stefanus Rademeyer, Fenditura, 2004, compensato laminato, 100 x 185 x 37,5 cm.

Il singolare marchio di scultura di Stefanus Rademeyer è entrato nel pubblico dominio senza preavviso. Ricostruzioni differite (1999) e Ricostruzioni mimetiche (2000) esistono comunque come esempi fondamentali di un'arte che è così sottilmente eclettica. Attingendo a influenze diverse come la musica elettronica di sinistra, l'architettura minimalista, la filosofia poststrutturalista e le metafore sistemiche, l'arte di Rademeyer è un insieme insolito composto da molte parti. Detto questo, è meglio mantenere il riferimento alle sue influenze al minimo indispensabile. Dopotutto, Rademeyer è prima di tutto un'arte concettuale in cui gli oggetti sono meticolosamente rinnovati, ricostruiti o, come suggeriscono i titoli dei suoi primi lavori, ricostruiti. Le superfici seducenti di Rademeyer raramente sono pensate solo per presentare una copia o un'illusione. Quando ricrea un oggetto, è attraverso un processo di lavoro punteggiato da una serie di ostacoli intenzionali. E se dice chiaramente "creo strutture, le sottopongo a vari stress e quindi mappa attentamente le mutazioni emergenti", è un modo per spiegare che le sue rievocazioni sono contrassegnate da un disturbo calcolato che turba le cellule composite all'interno del sistema .
I risultati sono sorprendenti. I materiali diventano estranei alle loro proprietà tacite. Le masse solide vengono agitate in stati semi-fluidi. Una cattedrale virtuale diventa un'apparizione simile a un drago in una sequenza animata in 3D che si affaccia su una versione in acciaio saldato di se stesso (in Ricostruzioni differite). In una serie parallela, scatole luminose dotate di specchi rompono la coerenza dei set di simboli grafici moltiplicandoli all'infinito. Di fronte a uno di questi pezzi, lo spettatore incontra un campo visivo infinito, che si sposta sinuosamente in schemi imprevedibili. Un altro pezzo di animazione del 2001, tabula rasa, mette in moto questi schemi agglutinanti.
Nell'opera più ambiziosa di Rademeyer fino ad oggi, i massicci pezzi di pavimento in legno presentati come parte di profondità superficiale (Warren Siebrits Modern and Contemporary Art, 2004), le facce segmentate in modo intricato delle sue sculture in legno pulsano di una complessità ottica che compete e sfida le loro proprietà materiali.
RADEMEYER STEFANUS IN CONVERSAZIONE CON FRIKKIE EKSTEEN
FE È difficile decidere se i tuoi pezzi di light box sono sculture o disegni di luce. Non "spostano lo spazio" come fanno le sculture convenzionali, e invece sembrano creare un nuovo tipo di spazio illusionista dove non ce n'è. Allo stesso modo, a volte hai fatto riferimento ai pezzi monumentali su profondità superficiale come schermi. I principi o le preoccupazioni illusionistiche bidimensionali sono un aspetto importante dell'opera?
SR Ci sono preoccupazioni precise riguardo alla dimensionalità nel mio lavoro. È, tuttavia, molto diverso dall '"illusionismo" visto nella pittura tradizionale, dove la tela diventa una finestra sul mondo. Sono più interessato alle nozioni matematiche di dimensionalità. Ad esempio, come le proprietà di un oggetto tridimensionale possono essere descritte in termini di una superficie bidimensionale o come un ipotetico oggetto a quattro dimensioni può essere mappato in tre dimensioni.
FE Hai scherzosamente definito te stesso come uno "strutturalista" in una delle nostre conversazioni. So che il tuo processo di lavoro riguarda moltissimo l'esame delle strutture - siano esse filosofiche, architettoniche o estetiche - ma hai anche citato l'elettronica d'avanguardia come un'influenza notevole. Pensare alle strutture musicali informa l'opera in qualche modo apparente?
SR Sono interessato al concetto di "novità": scoperta e creazione, in contrapposizione alla rappresentazione. Penso anche che la musica d'avanguardia esplori possibilità espressive davvero pioneristiche. La flessibilità del mezzo sonoro consente di costruire e decostruire strutture estremamente complesse o persino fittizie. Ma il mio interesse per la relazione tra arte visiva e suono non riguarda solo la traduzione del suono in immagine. Si tratta più di esaminare i motivi operativi dei musicisti, sia il potenziale fisico del mezzo e applicarlo al mio metodo di lavoro teorico ed estetico.
FE Vedendo che i pezzi del pavimento creati per profondità superficiale sono stati il ​​risultato di un enorme sforzo pratico, credi che il tempo investito nella creazione di un'opera d'arte sia in qualche modo dedotto dallo spettatore?
SR Il tempo investito nel lavoro parla di un interesse personale per il sublime. Per me, un'espressione che non può essere quantificata o approssimata - che in qualche modo sfugge alla comprensione - può essere definita sublime. È un'invocazione di sconfinatezza. Uno dei meccanismi che utilizzo nel mio lavoro per suggerire il sublime è l'immensa complessità. E la maggior parte delle volte la complessità visiva può essere creata solo in scrupolose costruzioni che contengono migliaia di componenti.
FE Le superfici degli oggetti che crei appaiono spesso intatte. I nuovi arrivati ​​nel tuo lavoro potrebbero persino essere indotti a pensare di essere prodotti industrialmente. Mascherare il tuo coinvolgimento fisico nel rendere il lavoro una scelta consapevole?
SR Le sculture hanno qualità ottiche e strutturali uniche che sono fondamentalmente dipendenti da un'esecuzione e una costruzione molto precise. Per me, il lavoro celebra un tipo di coinvolgimento fisico molto dedicato, in cui ogni componente viene tagliato individualmente e incorporato con cura nelle strutture più grandi. Ironia della sorte, sarebbe impossibile simulare le opere in legno profondità superficiale con un processo automatizzato meccanico o robotico. Deve essere fatto a mano. Li vedo come oggetti anti-produzione di massa. Frikkie Eksteen è un'artista, scrittrice freelance e docente di arti visive e multimedia all'UNISA

Frikkie Eksteen è un'artista, scrittrice freelance e docente di arti visive e multimedia all'UNISA.


TESSUTO CICATRIZIALE
Langa Magwa, Amabhabhathane, 2000, dettagli di installazione, dimensioni variabili.
pagine 50-55-3
pagine 50-55-2
Langa Magwa è uno scultore nel senso tradizionale della parola: produce oggetti tridimensionali in metallo, legno e pelle. Il suo interesse per la pelle umana e animale si è sviluppato dalla sensibilità di un bambino che cresce con la famiglia Xhosa di sua madre nell'Eastern Cape. Portare la scarificazione del clan Zulu / Swazi di suo padre lo ha contrassegnato come "straniero" tra i suoi coetanei, che ha preso a stuzzicare e deridere senza fine i segni sul suo viso.
Crescere con scarsa conoscenza di questa marcatura ha portato a un interesse, un fascino e una ricerca continui nel rituale e nella pratica tradizionali, in particolare per quanto riguarda l'uso di pelli di animali e materia per scopi medicinali e rituali. L'assenza di informazioni di ricerca credibili nelle biblioteche durante i suoi giorni di laurea al Durban Institute of Technology ha portato a una raccolta di informazioni direttamente dagli anziani delle campagne attraverso interviste documentate. Questa informazione è stata successivamente inserita nei suoi vari progetti artistici.
Un'opera recente, Imibuzo Yethu, offre un esempio. Questo lavoro, che documenta il ricco linguaggio metaforico e idioma di Zulu parlato nei villaggi rurali, così come quello parlato in città, funziona come una riflessione sulla perdita di informazioni tradizionali e sull'impatto della lingua una volta tradotta.
"Imibuzo Yethu è un appello a tutti gli africani, in particolare ai giovani, a ravvivare la nostra epistemologia ", afferma Magwa del suo progetto. “Anche se ho beneficiato di un'istruzione occidentale, sento anche che questo tipo di istruzione non è riuscito a localizzarsi in Africa. In Sudafrica, le parole di storici e antropologi hanno avuto un effetto molto dannoso sulla psiche delle culture indigene. Le parole nei libri si sono formate, non solo la base di come gli europei guardano gli africani, ma anche come noi, come africani, ci percepiamo. Il nostro complesso di inferiorità è ben documentato. "
L'interpretazione e la lettura dell'opera di Magwa non sono delimitate da una politica di identità riduzionista; la sua è una risposta sostenuta e sofisticata al valore del linguaggio e della pratica tradizionale in una monocultura globale emergente.
Già un giovane artista di spicco, i recenti successi di Magwa includono: partecipazione alla mostra itinerante Ritratto di gruppo: SA Family Stories; nomination per il 2002 DaimlerChrysler Sculpture Award; residenza d'artista al National Arts Festival del 2003, a Grahamstown. Ha completato numerose commissioni pubbliche e private e sta attualmente completando un grande lavoro per il Centro Africa a Mtubatuba, nel nord del KwaZulu Natal.
Citazione a cui si fa riferimento www.bkaa.co.za/artist_profile.

Storm Janse van Rensburg è un curatore con sede a Durban.


IL VOCABOLARIO DELL'AMBIGUITÀ

Jacki McInnes, Swell II, 2004, dettaglio, strisce di piombo intrecciate.

Oltre 10 anni fa, Jacki McInnes ha lavorato come radioterapista all'ospedale Groote Schuur, dove il piombo era un'utile protezione dalle radiazioni potenzialmente dannose. Oggi, piega strisce di morbido metallo grigio su un pezzo di tubo di scarico per intrecciare una scultura nel suo studio di Woodstock.
McInnes prese una strada più tortuosa verso la sua vocazione. Ha studiato Belle Arti attraverso Unisa mentre lavorava in campo medico e nel suo secondo anno ha iniziato a sperimentare il sale e il piombo, che sono diventati il ​​suo marchio di fabbrica. McInnes gode delle loro potenti associazioni metaforiche visive e ambigue. "Il sale ha impurità, che creano pigmenti ... e ha proprietà curative e corrosive", afferma. Questa sinergia tra medicina e arte si è sviluppata anche tematicamente. La malattia si ripresenta nel suo lavoro e problemi come l'aborto hanno alimentato molta produzione creativa. La sua arte visivamente avvincente non è fatta per abbellire il salone.
McInnes trae grande piacere dalla creazione di pezzi ad alta intensità di lavoro e raramente esternalizza la produzione. Lavorerà su vari progetti contemporaneamente, gestendo idee e ispirandosi a lei. In qualche modo sorprendentemente, la scultura era un ostacolo piuttosto che un'ovvia prima scelta nei primi anni di Unisa. Ma chiaramente un'affinità si è sviluppata nel tempo. Dice: “Creo un'immagine usando un oggetto invece di usare una linea.
McInnes ha conseguito un Master in Michaelis nel 2003, seguito da un'acclamata mostra personale un anno dopo (Bell-Roberts Gallery, 2004). Il suo lavoro si interseca sicuramente bene con un'estetica internazionale ma pensa che l'arte contemporanea sudafricana abbia prospettive convincenti
McInnes, recentemente tornato da una residenza in Svizzera, ammira la lotta creativa che lascia tracce visibili di intervento umano. Dice: “Molta arte americana e dell'Europa occidentale sembra piuttosto clinica con processi tecnici molto moderni. La mia percezione del lavoro sudafricano è che sia presa da molte fonti diverse e messa insieme in un modo unicamente sudafricano ”.

Kim Gurney.