Marzo 2010

Daniella Mooney; Alexandra Makhlouf


ALCHIMIA DI VEDERE

MOLTO PARLA DI SEGUIRE LA SUA MOSTRA DI LAUREA, SEAN O'TOOLE RAGGIUNGE CON L'ARTISTA DANIELLA MOONEY, GIOVANE CAPE COMUNALE, PER CHIEDERE UN SUCCO DI OLIO.

sinistra destra Daniella Mooney, Il tuo cielo, 2009, tecnica mista, olio motore usato, 244 x 244 x 25 cm; Nota di avviso installata dopo "incidente" in studio; Daniella Mooney, Se le porte di
La percezione è stata purificata
, 2009, Sapele in mogano, perspex aerografato, 35.5 x 35.5 cm.

Il contesto: una mostra di laurea presso la Michaelis School of Fine Art. L'ora: primo pomeriggio, dicembre 2009. La sede: uno studio d'artista al primo piano. Il testo sul muro spiega che gli oggetti scultorei in mostra appartengono a Daniella Mooney. Un'opera in particolare domina lo spazio. intitolata Il tuo cielo, non è facilmente descrivibile. Ecco qui. Sospeso nello spazio da rigging di cavi, un oggetto di forma quadrata si libra sopra due scale di legno. Le scale sono un invito a spingere la testa attraverso il fondo dell'oggetto galleggiante. Naturalmente lo fai. È allora che incontri un lago ancora inquinato di olio motore, 40 litri di roba.

Poiché queste cose hanno l'abitudine di fare, l'olio è riuscito a imbrattare un curioso visitatore della mostra di Mooney, intitolata Un arcobaleno nell'aria curva (dopo il secondo album del compositore minimalista Terry Riley del 1967).

"Penso che abbia avuto un po 'di frode e ottenuto olio dappertutto", ride Mooney, ex Nelspruit ma ora residente a Cape Town, quando ci incontriamo. Vestito con una camicetta bianca e jeans neri, i suoi modi esitanti ma confidenti, le sue piccole mani che aiutano animatamente le sue molte spiegazioni, Mooney racconta come lo spettatore arrabbiato alla fine la rintracciò, per telefono. “Mi sono scusato copiosamente. Mi sono reso conto che avrei dovuto mettere un cartello. "

Testo. È sia un alleato che un nemico del visivo. Per la sua mostra di laurea, che ha guadagnato a Mooney il massimo dei voti nel suo anno (ma non il Premio Michaelis), ha preparato una breve dichiarazione dell'artista. Fornisce una visione utile del pensiero alla base della scarsa gamma di oggetti scultorei nella sua mostra, tra cui una sfera curva in legno di mogano e una lampada da tavolo intagliata con il suo raggio di luce solidificato.

"Questo corpus di lavori si è sviluppato come un'esplorazione e comprensione della luce", afferma l'affermazione di Mooney. “La luce, essendo di natura sfaccettata, permea ogni aspetto della realtà e, per quanto sia facile sapere cos'è la luce, è più difficile dire cos'è la luce. Molte delle opere cercano di catturare alcune delle qualità intrinseche che la luce possiede; sia l'effetto trascendente di guardare in alto verso il cielo blu, l'essenza effimera di un arcobaleno o i raggi immateriali che si estendono dal sole. "

Sotto la supervisione di Jane Alexander e Gavin Younge, chiedo a Mooney da dove provenga l'impulso iniziale per il suo lavoro. La sua mostra del terzo anno, dice, riferendosi a un baldacchino che ha installato in una piccola stanza: "Ho cercato di ricreare la luce che cade attraverso le foglie, quella sensazione del crepuscolo". L'idea era di evocare le sensazioni della luce in un ambiente non familiare in modo da "far vedere allo spettatore in modo diverso".

Cita l'artista danese Olafur Eliasson, anche James Turrell. Riferimenti ovvi, una volta che ci pensate, non sono evidenti quando si considera come le loro idee sono impegnate localmente. Dato che stiamo influenzando le influenze, chiedo al suo expartner, il giovane scultore di Cape Town Rowan Smith: “Ammiro la sua abilità. È stato fantastico perché entrambi amiamo lavorare con il legno. Mi ha davvero aperto gli occhi alla scultura e al montaggio del legno. "

MOLTE DELLE OPERE PROVA A CATTURA ALCUNE DI
LE QUALITÀ INTRINSICHE CHE LEGGONO POSSESSO.

Precedentemente assistente di Paul Edmunds e duro lavoro per aiutare Julia Rose Clark quando ci incontriamo, chiedo il titolo del suo spettacolo di laurea. È stato importante?

"Abbastanza. Lo ha legato abbastanza bene. Il lavoro riguarda la percezione. Un arcobaleno in aria curva significherebbe che l'arcobaleno è dritto e l'aria che curva l'arcobaleno. Riguarda il modo in cui scegli di percepirlo, il che lo renderebbe una realtà per te. Dimentico chi fosse, ma qualcuno ha descritto l'album di Terry Riley come due specchi spazialmente separati ”- ridacchia momentaneamente -“ che si adatta anche bene al mio lavoro. ”

È interessante notare che, Il tuo cielo, il fulcro dello spettacolo di Mooney, è stato originariamente concepito come un lavoro all'aperto.

“Volevo che l'olio riflettesse il cielo reale. Lavorare con gli elementi, specialmente a Città del Capo, è un mal di testa. Ho dovuto ridimensionarlo, il che è diventato interessante. Lavorare con le restrizioni ti spinge a trovare soluzioni più interessanti e innovative a questo fenomeno, che è così immateriale. "

Dato il suo interesse per le cose effimere, chiedo a Mooney se tiene un diario o un quaderno di schizzi per registrare l'evoluzione delle sue idee. Mi guarda con gli occhi sbarrati. Ovviamente sono carino, implica - o semplicemente vecchio stile. Il suo sketchbook è uno schermo di computer, dice, l'archivio delle sue opere contenuto nei suoi segnalibri diligentemente catalogati. Come classifica i suoi segnalibri? Scientificamente: rivoluzione copernicana, Buckminster Fuller, alchimia e così via. Buckminster Fuller !?

"Aveva questa teoria che equiparava la luce al pensiero", offre Mooney. “Se riesci a trasmettere e inviare segnali luminosi e raggi, dovresti essere in grado di fare lo stesso con i pensieri. Credeva che i nostri occhi fossero ricevitori e trasmettitori di pensiero. È semplicemente meraviglioso, l'idea di trasmettere i tuoi pensieri nell'atmosfera. ”

Sean O'Toole è editore di Art South Africa.


ACCUMULO DI MEMORIE

ALEXANDRA MAKHLOUF, CHE DUE VOLTE VINCE IL PREMIO MARTIENSSEN, PARLA DI CATHERINE GREEN SUI LIBRI, IL DISEGNO E L'ARTE CON TEMI PSICOLOGICI.

sinistra destra Alexandra Makhlouf, spigolatore, 2008, installazione di performance e disegno, dimensioni variabili. Foto: Natasha Christopher; Alexandra Makhlouf,
Senza titolo, 2009, installazione scultorea, dimensioni variabili. Foto: Jackie Carney.

Alexandra Makhlouf è un bibliofilo dedicato. La prima volta che l'ho incontrata mi ha ricordato un personaggio di Dickens, inciso in modo intricato e idiosincratico. Si sedette con una pila di libri e un cappuccino che scarabocchiava furiosamente sul suo taccuino. Dati i marcatori bookish, ho chiesto del suo apprezzamento per la parola scritta. Makhlouf, il cui lavoro è stato incluso nella mostra collettiva I segni che facciamo (Goodman Gallery Cape Town), ha risposto, "Non riesco a separare la letteratura o il romanzo dal mio lavoro". Makhlouf si rifugia nei libri e nella televisione, i loro mondi immaginari offrono ispirazione e stili di vita per vivere in modo vicario. "La lettura è mia amica", elabora. Ella elenca come muse immaginarie gli scrittori Aldous Huxley ("per aver creato un mondo completamente immaginario"), Umberto Eco ("per il suo senso del dettaglio") e Italo Calvino.

Makhlouf ha vinto due volte il Premio Martienssen, assegnato dalla Wits School of Arts, nel 2008 e nel 2009. La prima volta che ha vinto il premio ha mostrato una proliferazione di disegni realizzati mentre parlava con la gente e guardava la televisione. L'obiettivo era quello di creare una comunicazione creativa inclusiva attraverso il processo di disegno e scrittura. Makhlouf identifica il disegno come la sua pratica artistica preferita: "mi fa sentire più a mio agio quando disegno ... È come una coperta o un oggetto di transizione".

Uno dei lavori di installazione mostrati è stato il culmine di un progetto lungo un anno che esplora concetti di narrazione, esclusione e romanzo. Per molti mesi, Makhlouf ha iniziato a disegnare e dipingere sulle pareti del suo studio, attaccando reti di plastica, utensili, tazze e fibre vuote, sviluppando personaggi e modellando uno spazio immaginario. In molti modi l'opera monocromatica incarna un romanzo assurdo tridimensionale nello stile di Samuel Beckett. L'uso eccessivo di oggetti in plastica trasparenti ha incoraggiato l'inganno spaziale. Alcune aree erano inaccessibili, lasciando lo spettatore disorientato. Non c'era una narrazione chiara nello spazio in quanto le persone potevano navigare secondo i propri desideri. Makhlouf spiega: "Sono interessato al potere del narratore. Può essere oggettivo, può essere in terza o in prima persona, puoi mentire completamente e guidare il tuo pubblico su ... Mi piace quel senso di potere. "

L'ARTE ERA QUALCOSA CHE HO AVUTO
LOTTA CONTRO E PER.

Makhlouf ha vinto nuovamente il premio con una performance che ha coinvolto un'altra forma di interazione, anche se abiti in fibra cava attaccati alle mani e alla testa. Un'esplorazione di come l'attività sociale è stata sempre più mediata da altri media, i semi hanno forzato un livello di interazione fisica. L'alienazione del pubblico dagli individui nei semi, così come l'esperienza travolgente di essere nel seme, che diventa troppo caldo e soffocante se indossato per troppo tempo, ha creato una narrazione multilivello sulla natura delle relazioni. I semi diventarono "un guscio per l'esperienza", simile a un diario o una fotografia.

La sensibilità tattile e scultorea di Makhlouf è una risposta a una grave patologia oculare che l'ha colpita fin dall'infanzia. Questa condizione è progressivamente peggiorata nel corso degli anni, con conseguente parziale cecità: "L'arte era qualcosa contro cui dovevo combattere e per cui". Forse stimolato dalla necessità di affrontare difficili situazioni emotive, Makhlouf ha un interesse per la psicologia e gli artisti che esplorano temi psicologici (Andrzej Nowicki, Jonah Sack e Nedko Solakov). L'articolazione più sofisticata del suo stato psicologico si è verificata nel suo progetto dell'ultimo anno a Wits. Un'intera stanza era dipinta di bianco, un riferimento al libro di Milan Kundera, The Curtain: An Essay in Seven Parts. Nel libro di Kundera il romanzo è descritto come un'utopia, "un luogo dove non si può dimenticare". Makhlouf ha usato oggetti arbitrari legati alla sua storia personale - una collezione di colliri (un compagno quotidiano per lei dal momento che non riesce a produrre lacrime) e forchette di plastica bianca (ricevute da sua madre ogni giorno) - che ha attaccato alle pareti. Lo spazio espositivo ha dato loro valore e ha creato un deposito per l'accumulo di ricordi. La nonna di Makhlouf, che ha il morbo di Alzheimer, è stata fonte d'ispirazione per questo lavoro, il suo stato mentale le ha fatto intrecciare le corde attraverso un albero di plastica in modo ripetitivo. Per Makhlouf, l'immagine dell'albero si riferisce a concetti di memoria, conoscenza ed eredità. Nelle sue opere di inchiostro scuro, sospese a diversi livelli nello spazio centrale, figure di inchiostro sfocate e forme di alberi sono emerse dalla carta, le forme che ricordano il test della macchia d'inchiostro di Rorschach, apparenti ma indistinte. La sua tecnica e sensibilità di linea sconvolge l'utopia in un mare di rappresentazioni inchiostrate.

Catherine Green è una scrittrice e ricercatrice con sede a Johannesburg.


Pubblicato per la prima volta in Art South Africa Volume 8: Numero 03