Marzo 2009

Art South Africa Volume 7: Numero 03
Inge Beckmann; Antere appiccicose; Bronwyn Lace; Dawit Petros


LA VOCE È LO STRUMENTO

L'EX VOCALISTA LARK INGE BECKMANN È LA REGINA REGINA DI CAPO TOWN DI KOOKY COOL. GIDEON DISCUSSIA DISCUSSIONE SU "SOPRANO MADRE MADRE" SUL TÈ E SANDWICHES.

Sono all'Assemblea nel Distretto Sei. Inge Beckmann Live è appena salito sul palco. Beckmann è qualcosa di un film di Tim Burton: morbosamente sbalorditivo, vintage e strano. Affiancato ai due lati da un grande bassista in pantaloni di pelle e un fisarmonicista / trombettista nofrills, Beckmann siede sul trono di un batterista dietro una tastiera Roland. Tutti e tre sono vestiti di nero. Proprio di fronte alla tastiera c'è un tavolino sovraffollato di cose spettrali - candele, sfera di cristallo, teschio - su un panno rosso drappeggiato. Le luci si attenuano, le ombre si allungano e ti viene presentato un repertorio di note inquietanti e impeccabili.

Non ho inventato nulla e se suona come note teatrali, è perché Inge Beckmann Live è tanto un performance dato che è un concerto in questo momento. Ma dopo un'affascinante opera introduttiva che suona come una sinistra cantante teatrale che si scalda, puoi dire che Beckmann significa affari. Con i musicisti di supporto che creano l'atmosfera, la band non è ambiziosa, ma ciò consente a Beckmann di mostrare le sue abilità vocali, che vanno dal blues al vero scherno. Al piano, la sua abilità limitata impone una maggiore concentrazione e il risultato è un'esecuzione sommessa ma ancora spunky. L'altra versione ha Beckmann nodoso dietro un microfono verticale, avvolgendolo attorno come un rampicante con un braccio di alabastro. Di tanto in tanto si aggira come un vigoroso pirata o una donna che partorisce in verticale: “è divertente. Con il suo talento e il gusto per l'eclettico, sembra che Beckmann sia sul punto di aggiungere qualcosa di fresco al panorama sonoro sudafricano. L'ho incontrata per zeppe di tè e cetrioli al Mount Nelson Hotel per discutere della sua nuova carriera solista.

Inge Beckmann, gennaio 2009. Foto Daniel Naude.

Questa intervista potrebbe rendere o spezzare la tua carriera. Siete pronti?

Ti romperò con il mio braccio bionico!

Sei più vecchio della media di Bright Young Thing, e poi c'è il tuo precedente periodo con Lark. Presentaci a Inge Beckmann.

Da bambino mi piaceva imitare le voci: maschi, femmine, vecchi e giovani. Inoltre, ululavo con il mio cane e cantavo in fan molto in alto. E fai l'esercizio vocale 'scricchiolio porta'. Quindi potresti dire che sono autodidatta. Uso la mia voce per creare melodie che fanno parte del noir francese, dei vampiri, dell'atteggiamento hip-hop e del fascino dell'opera. Sul mio profilo Myspace dico che il mio stile è "Graveyard Cabaret / HypNOIRtica / musica hip hop classica di musica hip-hop in metallo". Ma odio le scatole anche se a tre anni mi piaceva arrampicarmi dentro. Inge Beckmann Live è una band di tre pezzi con me, un bassista e un fisarmonicista / trombettista. Da solo ho collaborato con Scratch from the Roots, Notembi, Queen of Ndebele e Markus Wormstorm degli agenti immobiliari. Quindi mi piacciono molte cose.

Non ti adatti facilmente alle categorie.

Cerco consapevolmente di non farlo. La mia musica è molto visiva e in realtà cerco di dipingere ciò che vedo; dipingi i fotogrammi con la mia voce e il piano, o qualunque cosa io abbia a portata di mano. Voglio che ogni canzone o progetto abbia uno scopo momentaneo. Voglio che ogni boccone abbia un gusto diverso. Mi piace anche fare musica per film e teatro. Ho idee e fortunatamente sono stato in grado di dar forma a queste idee attraverso il canto e altri punti creativi.

Hai una gamma mega sia in tonalità che in stile. Com'è quello?

Ho iniziato a cantare alle elementari. Ho fatto duetti con la mia insegnante di musica, Helicia Groenewald. È stato divertente e abbiamo cantato durante i pranzi e le riunioni del fine settimana. Ha cantato mezzosoprano e io ho fatto il soprano cagna. Al liceo mi concentrai sulla danza. Dopo il liceo ho scoperto il jazz attraverso la madre di un amico. Aveva un'intera collezione di mamme jazz: Ella, Bessie, Billie, Lena Horne e così via. Studiavo lo scatto di Fitzgerald per ore e ore a ripetizione. Successivamente ho cercato di incorporarlo nel mio tipo di stile operistico e ho ottenuto questa cosa ibrida che pensavo fosse rad. L'ho usato in un ensemble hiphop in cui ero allora.

In quali condizioni fai musica? Da dove inizi e quali sono i passaggi?

Scrivo e canto quando voglio. Ho molte visioni e sogni e li scrivo. Registro le mie idee grezze e ci lavoro su alcuni giorni. A volte un'idea davvero divertente mi ossessionerà immediatamente. Altre volte li lascio per alcuni mesi o addirittura anni per sedermi in una sorta di serbatoio di idee. La maggior parte delle volte faccio semplicemente musica per divertirmi e non condividerla mai con il resto del mondo. Mi piace in un certo senso. È come se non fossero mai diventati noti al mondo, ma l'energia è ancora rilasciata nell'universo. Non vengono mai apprezzati, criticati o valutati, ma hanno ancora uno scopo. Potrei deprimermi per non aver "raggiunto" determinate cose alla mia età perché il mondo è un club di affiliazione pieno di persone disperate che cercano un riconoscimento e una remunerazione costanti. Ma cerco la realizzazione - sono egoista in quel modo.

Canzoni come "Orso polare' e 'Serenità'sono forse un po' sciocchi, persino angosciati. O forse sono le basi che danno all'esecuzione una sorta di atmosfera karaoke di David Lynch ...

Sono un po 'camaleontico con il mio lavoro da solista. Lo scopo non è quello di unirsi e fare un genere musicale, ma piuttosto di fare un bel rumore. È musica difficile da commercializzare e dare un senso in un certo senso, e lo capisco. I media cercano di dirti cosa fare con i capelli, cosa indossare, quanto pesare, come esibirsi e cosa cantare. Questo è molto triste. È come dire a un fiume quanto dovrebbe essere profondo. Fanculo. Per quanto riguarda le basi musicali, sì, a volte è troppo sotto pressione con le tracce e sento che se ingoio una mosca mi mancherà il ritornello. Voglio mettere insieme un set ancora più semplice. Solo voce e forse un altro strumento.

Voglio citare la tua canzone "Sono umano': “Sono Af-ri-can. Se guardi oltre il colore di, mio ​​porco, sì, ho saltato la nave del 17 ° secolo (ar) -y, ma non è molto rilevante, non proprio. ” Essere sudafricani contribuisce alla tua musica?

Sono sudafricano ma non faccio musica tradizionale sudafricana. Penso che l'industria della musica domestica sia ritardata dalla loro mentalità da copione. Ci sono molti artisti che copiano famose band internazionali e creano "cover" generiche ma spesso annacquate di ciò che è stato dimostrato di vendere. Preferirei che i nostri artisti, il pubblico e gli investitori mostrassero coraggio e trasformassero il Sudafrica in un centro di sincerità musicale e integrità, con una tranquilla arroganza per essere unico. Tuttavia, ci sono molte cose che devono cambiare perché ciò accada: migliori locali dal vivo, migliore suono, migliore sponsorizzazione, migliore gestione, migliore marketing. Siamo già ai vertici del nostro gioco con così tante cose perché non sollevare anche l'industria della musica?

Informazioni su Inge Beckmann: Beckmann (1977), nata a Città del Capo, ha iniziato a cantare all'età di 4 anni. Realizzata in una varietà di stili - classica, jazz, hip hop, alternativa - è un membro passato del collettivo hip hop The Spindle Sect e favorito da indie-kid Allodola. Dovrebbe rilasciare una commedia estesa sotto il suo ultimo moniker, l'autodidatta Inge Beckmann Live. Musica a parte, appare Beckmann orgia, una promozione pilota di 10 minuti per un adattamento cinematografico sudafricano del romanzo di André P Brink del 1965. Il cortometraggio frenetico è ambientato nell'attuale Sudafrica, sullo sfondo della scena artistica di Città del Capo. (Disponibile per la visualizzazione su http://facebook.com/video).


BALLANDO SUL VULCANO

LE ANCHE STICKY SONO UN QUARTETTO DI PRETORIA DI CUI LA MUSICA TRANCE-COME CONJURES IMMAGINI DI PERSONE CON CAPPUCCIO CHE CAMMINANO IN UNA LUNGA PROCESSIONE, STOMPANDO I LORO PIEDI, SUCCEDENDO A UN RUMORE PAGANO SUPERIORE. DI FRED DE VRIES.

alto - basso Grafica promozionale di Sticky Antlers; Corna appiccicose
grafica della banda. Cortecce appiccicose di cortesia.

Uno dei motivi per cui la fine degli anni '1970 e l'inizio degli anni '80 furono un periodo così fecondo per quella che oggi chiamiamo "musica indipendente" è che non c'era nulla da fare. Una recessione colpì l'Europa, New York era in bancarotta e la disoccupazione era diffusa ovunque. Non è stato un caso più lento di "eccoci qui, divertici"; piuttosto era un grido provocatorio di "nessuno lo fa per noi, quindi facciamolo da soli".

La sopravvivenza stava nel riconoscere la bellezza del declino. Fabbriche vuote, case in rovina, quartieri abbandonati, cantieri arrugginiti: ogni cosa aveva il suo fascino romantico. La società dei consumi stava implodendo, il che ha dato a un gruppo di artisti e musicisti una sensazione quasi euforica di ballare sul vulcano.

Uno dei modi artistici più semplici per digerire e riflettere ciò che stava accadendo nella società era quello di formare una band. Il Punk aveva insegnato che tutto ciò di cui avevi bisogno erano due accordi e alcune parole. Successivamente è arrivato il momento di registrare le tue canzoni, progettare le maniche, stamparle, piegarle e quindi distribuire il tuo disco. La premessa di base era: essere un eroe, creare la propria mitologia e sfuggire alla fatica della vita quotidiana. Alcune delle band più memorabili nate da questo
L'etica del fai-da-te era Gang of Four, Wire, Einstürzende Neubauten, DAF, Sonic Youth e, localmente, Koos, la cui formazione comprendeva l'attore Marcel van Heerden e l'artista concettualista Neil Goedhals.

Come spesso accade, la storia si ripete. Un tracollo economico globale sta causando un panico diffuso. L'industria musicale è in una crisi quasi più profonda, con mp3, condivisione di file e blog che rendono il CD troppo caro quasi obsoleto. Negozi di musica e locali dal vivo si chiudono uno per uno. Una nuova generazione grida: "eccoci qui, ma dov'è il divertimento?" Quindi, con un cenno al fertile fine degli anni '1970, i musicisti / artisti / partner con base a Pretoria Andreas Schonfeldt e Martinica Pelser decisero che il fai da te era la risposta. Trasformarono la loro casa in uno studio, una sala prove e un luogo d'incontro per persone affini, tutti insensati all'idea di fare musica decisamente anticommerciale. La colonna sonora della casa è un mix eclettico di rumore, Krautrock, hip-hop e ballate ridotte.

Pelser e Schonfeldt sono due ventenni dai capelli lunghi che si sono incontrati sette anni fa attraverso amici comuni. "Mi è piaciuto, ma eravamo un po 'timidi", ricorda Pelser. “Quindi non abbiamo parlato per circa un anno. Alla fine ho avuto il coraggio di chiedergli se voleva fare musica insieme. Suoniamo da sempre. "

Hanno iniziato come duo, chiamandosi Ecto Kid & Plasma Girl, evolvendosi in Poodlepiss, che alla fine è diventato Sticky Antlers dopo aver trovato compagni cospiratori in Jaco Wolmeraans e Damon Civin, rispettivamente il batterista e il chitarrista, nessuno dei quali aveva alcuna esperienza con il tamburo bastoncini o un plettro.

Quindi riunire una band non è stato poi così difficile. Né stampava volantini e manifesti, il risultato grafico di Sticky Antlers che richiamava lo stile illustrativo di Raymond Pettibon eppure esemplare di una moda recente per illustrazioni degradate. Poi è arrivato all'inizio di un'etichetta discografica. Nel dicembre 2007 Pelser e Schonfeldt hanno creato l'etichetta KRNGY, che prende il nome da una frase usata nell'animazione. Nel corso del prossimo anno i KRNGY pubblicarono 19 album, per lo più come CD-R bruciati in casa, da band locali come Suicycle, Unicorn Rizla, Revenge Radio e il diabolico If You Are What You Eat Then I Could Be You By Tomorrow.

"Cerchiamo di dare una mano alle altre band e di metterle sulla nostra etichetta e di vendere i loro CD ai nostri spettacoli e di trasmetterli a persone che potrebbero essere interessate", dice Pelser a proposito del underground Pretoria che hanno scavato. "Ci piace dare una mano, ma siamo snob della musica, non firmeremo qualcosa che non ci piace."

Finora i KRNGY hanno pubblicato solo un vero CD prodotto in fabbrica, un album autopitolato confezionato in una deliziosa copertina fatta a mano. I riferimenti musicali sono diversi: PJ Harvey, Sonic Youth e The Boredoms; il loro è un suono che elude rumore, droni e canzoni. Distorto e inquietante, questo suono può occasionalmente rasentare l'isterico. Ha una qualità trance, tribale, motorik, che evoca immagini di persone incappucciate che camminano in una lunga processione, calpestando i loro piedi, soccombendo a un rumore pagano prepotente.

“Registriamo a casa, dove abbiamo un registratore a 4 tracce, computer e registratori. Registriamo anche su vecchie videocamere, tutto ciò che possiamo trovare per archiviare magneticamente qualcosa ", afferma Pelser a proposito della forte distorsione che funziona come membro della quinta banda.

Come piccoli animali spaventati sono usciti dalla falegnameria, creando collegamenti con altre persone simili: la One-F Records di Paul Riekert a Jo'burg, Righard Kapp e Buckfever Underground a Città del Capo, e il giornalista Lloyd Gedye che li ha invitati per il terzo numero del suo Speciale pavimentazione CD e concerto.

Una scena? Pelser sorride cautamente. "Siamo tutti minuscoli centri, in qualche modo collegati."

Fred De Vries è giornalista e autore del libro Club Risiko (2006), un resoconto della scena musicale underground europea degli anni '1980.

Informazioni su Sticky Antlers: formata nel 2006 da Andreas Schonfeldt, Martinica Pelser e una terza parte conosciuta solo come JHC, la band inizialmente si esibì con il nome d'arte Poodlepiss. Dopo la partenza di JH-C, il gruppo si reinventò come Sticky Abtlers e suonò i loro primi spettacoli al Cafe Arc, nel 2007. Nel dicembre 2008, la band fu invitata a suonare al lancio del terzo numero di Speciale pavimentazione, una rivista musicale curata dal giornalista Lloyd Gedye e disegnata dall'artista Michael MacGarry. L'evento si è tenuto presso Arts on Main. Sticky Antlers descrivono il loro suono come "rumore / improvvisazione / sperimentale / indie kewlness".


QUANDO LA CIOTOLA VIENE SOTTO

"I MIEI STRUMENTI SONO SCALA E SPAZIO", IL PIZZO BRONWYN HA DETTO DELLA SUA PRATICA. ROBYN SASSEN SI INCONTRA CON QUESTO ARTISTA DI JOHANNESBURG PER PARLARE SU MATEMATICHE E GOLDFISH.

in senso orario da in alto a sinistra Bronwyn Lace, Distacco giustificato, performance ad Art Extra, marzo 2008, materiale di installazione: lenza, perspex, ciotola,
pesce rosso e acqua; Bronwyn Lace, Distacco giustificato, performance ad Art Extra, marzo 2008, materiale di installazione: lenza, perspex, ciotola,
pesce rosso e acqua. Foto di performance John Hodgkiss; Bronwyn Lace, Negentrophy, 2008, installazione site specific commissionata da Johannesburg
Agenzia di sviluppo per festival Quando la vita accade tenutosi a dicembre 2008.

Non ha studiato matematica, non formalmente, non sa leggere la musica e non ha una religione, ma Bronwyn Lace crea opere che fluttuano e si aggirano attorno ai preziosi valori che informano queste discipline. Definisce il suo lavoro "installazioni eseguite" ed è profondamente sedotta dalla bellezza. La Golden Mean, la spirale Phi e la sequenza di Fibonacci sono tra i suoi strumenti per creare il suo lavoro in definitiva effimero.

Co-istigatore del sito web SA Arts Emerging, insieme a Nathaniel Stern, Simon Gush e Rat Western, Lace è interessato alla proattività. Dal 2005, questo progetto ha fornito una piattaforma per artisti messi fuori gioco dal mondo dell'arte a causa del loro "status emergente".

"Quando ero uno studente, guardavo alla Trinity Session come se fossero le avanguardie", dice. "Da allora ho imparato che gli studenti attuali guardano SA Arts Emerging con un'ispirazione simile." Non sarebbe corretto definire l'estetica di Lace "concettuale", sebbene si impegni
le scienze matematiche. “Le idee possono crescere nella mia testa per molto tempo. La logistica che determina l'aspetto del lavoro è la mia sfida. "

Che ne dici di artista della performance? "Non mi sono mai immaginato come artista di performance", risponde. "Nel 2007, è diventato evidente: le prestazioni si stavano forzando nelle mie installazioni". Questa è stata la pietra angolare di Distacco giustificato, un'opera eseguita inizialmente nel 2007, presso la Bag Factory, ma esposta fotograficamente un anno dopo ad Art Extra (ora Brodie / Stevenson), come parte della mostra collettiva Conseguenze. "David Brodie è stato il primo gallerista commerciale a notarmi."

Lace descrive le reazioni banali ed emotive del pubblico a una prima versione di Distacco giustificato, che presentava un pesce rosso come protagonista principale. “Mi hanno chiesto se pensavo che il pesce fosse solo. Ho dovuto ucciderlo, per spingere il lavoro in una nuova direzione ”.

Risultato della sua partecipazione a un seminario guidato da John Thom, Lace ammette che il mezzo di esibizione era spaventoso. "Mi sono bendato gli occhi, il che sembrava giustificare anche le mie azioni." Il pesce rosso fu posto in una ciotola di perspex, con fori praticati attorno al suo bordo ed era attaccato a una rete di budello di pesce. Il ruolo di Lace nel lavoro era quello di rompere gradualmente i fili che reggono il fishbowl in questa ragnatela, con i suoi denti, causandone infine la rottura a terra e il pesce a morire. "Quando la ciotola si rompe e il pesce cade, il pubblico è scioccato", spiega. “Questo è inteso come il culmine drammatico del pezzo. È interessante, perché è così prevedibile fin dall'inizio che il pesce morirà in questo modo. È come la vita. Le persone rimangono scioccate anche se la fine di una situazione è così ovvia. "

Le chiedo che lavoro sta tentando di comunicare.

“Potrebbe trattarsi della morte, ma anche della bellezza della matematica. Credo che la bellezza sia l'ultimo seduttore e possa cambiare il modo di pensare. La matematica e la scienza informano le nostre realtà e superano la religione. La scienza è piena di belle metafore. Ad esempio, si parla di particelle imprevedibili accanto ad altri atomi. È un modo per capire che la vita accade quando meno te l'aspetti e che le aberrazioni nella routine influenzano chi siamo ”.

Mentre era una studentessa, gli amici di Lace studiavano ingegneria. “Le nostre conversazioni mi hanno portato su altri percorsi. C'era sempre un senso di intimidazione, una comprensione del fatto che quelli che facevano i gradi di scienza professionale erano più saggi, che potevano capire cose che io non potevo. In verità, non sono stati in grado di vedere la rilevanza di scoprire il quadro più ampio. "

Il suo lavoro è ad alta intensità di lavoro, al punto da essere irrazionale.

"Irrazionale era un pezzo che ho costruito all'Outlet nel 2006, in realtà. In questo lavoro, ho creato 4000 gru origami che si incastrano l'una nell'altra, lavorando logicamente in una spirale, ma poi in uno stato di caos e ritorno. Si tratta di ordine nel caos e viceversa. ”

Lace è appena tornata da un progetto di aquilone a Sutherland, dove ha collaborato con astronomi e bambini. I progetti collaborativi e socialmente consapevoli sono sempre stati parte della sua agenda, Lace ha partecipato a un festival HIV / AIDS lo scorso dicembre, il suo lavoro Negentrophy coinvolgendo gli ombrelli rovesciati come recipienti di contenimento. L'ordine del giorno successivo è una mostra alla Durban Art Gallery, con Vaughn Sadie. Includerà "centinaia di meccanismi di orologio e mosche da pesca", afferma. È quasi ora.

Robyn Sassen è direttore artistico del Rapporto ebraico SA.

Informazioni su Bronwyn Lace: Nata a Francistown, Botswana (1980), Lace, con sede a Johannesburg, ha completato il suo BA (FA) alla Wits University nel 2004. Co-fondatrice del sito web www.saartsemerging. org, è freelance come accademica, assistente curatrice e opera come responsabile della didattica per la Bag Factory di Newtown, dove gestisce un programma espositivo educativo. Dal 2002, ha esposto le sue opere in una varietà di luoghi sperimentali, in particolare su 8/5 (i) alla Parking Gallery di Simon Gush (ora defunta) nel 2006 e 8/5 (ii) nel Bag Factory nel 2007.


TORNANDO A ME STESSO

I CITTADINI ERITREANI DEVONO AVERE UN PASS E UNA MOTIVAZIONE FISSA PER VIAGGIARE NEL LORO PAESE. ERITREAN EXPATRIATE DAWIT L. PETROS RACCONTA NADINE RUBIN COME LA SUA ALTRO AMMISSIONE HA PERMESSO LA SUA MOBILITÀ PER CREARE IL SUO NUOVO LAVORO.

2Petros Untitled Confluence IIalto - basso Dawit L. Petros, Matthios, 2005, stampa C, 76.2 x 101.6 cm;
Dawit L. Petros, Senza titolo (Confluence II), Dekemhare, Eritrea, 2008,
Stampa C, 50.8 x 61 cm.

Un sabato mattina dello scorso novembre una piccola folla si era radunata al decimo piano di un edificio a Chelsea, a New York, per ascoltare il discorso di Dawit L. Petros Un'istanza totale di riflessività, la sua prima uscita solista a New York. Ad Alexander Grey e Associati, Petros aveva installato una serie di sei scatole nere lucide disposte in griglie di diverse dimensioni. Dietro il plexiglas oscurato c'erano fotografie di due paesaggi distinti ma non identificabili e un doppio autoritratto scattato da dietro. Gray li ha chiamati "darkbox" e, notando la loro presenza architettonica, li ha descritti come un'inversione dei lightbox di Jeff Wall.

Per realizzare l'opera, Petros ha studiato come gli specchi neri sono stati storicamente utilizzati nell'arte. Uno specchio utilizzato dagli artisti nel XIX secolo attirò la sua attenzione. “La gente si affacciava su un vasto panorama con un piccolo specchio convesso e portatile. Quando si fermarono con le spalle al paesaggio e sollevarono il vetro nero, il paesaggio si rifletté in esso. Sono rimasto incuriosito dall'idea che questa apparente vastità sia stata considerata su questa minuscola superficie ", afferma Petros, che sfoggia un pizzetto ed è noto per il suo impeccabile senso dell'abito. L'idea che uno non affrontasse ciò che si guardava, ma piuttosto che si affrontasse il paesaggio attraverso questo strumento divenne la metafora per Petros di pensare al rapporto di coloro che vivevano nella diaspora con la propria storia.

Nato ad Asmara nel 1972, trascorse appena otto mesi nella capitale dell'Eritrea. A quel tempo il piccolo paese dell'Africa orientale era ancora coinvolto nella guerra decennale con il suo vicino, l'Etiopia, e c'era un esodo di eritrei che si riversava sul confine in Sudan o, come la famiglia Petros, che si faceva strada attraverso l'Etiopia e giù in Kenya nel sud. Petros ha trascorso gran parte del primo decennio della sua vita come rifugiato a Nairobi. Alla fine, la sua famiglia, sponsorizzata da un gruppo di medici menoniti, si trasferì a Saskatchewan, in Canada. Da adulto ha vissuto a Montreal, Boston, in California e ora a Brooklyn multiculturale. Ispirato ai rigorosi parametri stabiliti da artisti come Adrian Piper, Vito Acconci e Sol LeWitt, Petros utilizza la fotografia, il video e l'installazione per costruire e decostruire la sua esistenza peripatetica e l'esperienza di vivere in varie diaspora. Il rigore accademico di Petros risuona nel suo lavoro, ma "è il suo uso della storia personale all'interno di un quadro teorico che la fa passare puramente accademica o impressionista", afferma Gray. "C'è un'emozione così sentita e cruda lì".

Per provare a stabilire la sua relazione con Nairobi, Petros è tornato per la prima volta nel febbraio 2007 e ha guidato per circa 45-50 minuti a sud verso Naivasha.

"Mi trovavo in un punto in cui potevo vedere oltre la Rift Valley, guardando a nord verso l'Eritrea e ho fatto una fotografia", dice del paesaggio che è incorniciato all'interno di una delle scatole nere. Mentre ti avvicini, appare la fotografia di Petros, simile ad un'apparizione attraverso il plexiglas fumoso. Il paesaggio potrebbe essere ovunque e, a causa della superficie lucida, ci si trova faccia a faccia anche con il proprio riflesso - una meditazione sulla relazione universale tra le persone e i luoghi che hanno significato per loro. Come soggetto, sei letteralmente costretto a navigare nello spazio. Ma quando inizi a muoverti, l'immagine cade in un mare di nero e scopri che, come il frammento di un ricordo, le informazioni che ti hanno portato sono instabili. "La memoria funziona in modo molto specifico per il soggetto diasporico", spiega Petros. "È contingente, flessibile ed è sempre in procinto di essere rinegoziato rispetto alle esperienze in una nuova posizione."

I genitori di Petros si assicurarono che lui e i suoi tre fratelli conservassero un forte radicamento nella propria cultura e insegnarono loro a parlare Tigrinya. "Credevano che se dimentichi la tua connessione con ciò che ti rende ciò che sei sei completamente spostato", dice. Da adulto, Petros si rese conto di essere in debito con queste lezioni di Tigrinya. La prima volta che è tornato in Eritrea nel 1998, gli hanno permesso di conversare con la nonna anziana. Quando è tornato lo scorso febbraio, deciso a "sigillare il gesto" che aveva iniziato a Nairobi nel 2007 e scattare una seconda fotografia guardando a sud dall'Eritrea verso il Kenya, gli hanno salvato la vita.

"Ho pensato che sarebbe stato semplice trovare un punto sulla parete occidentale della Rift Valley e scattare una fotografia", dice. "Ma sono arrivato per trovare un paese diverso da quello che avevo visitato un decennio prima." I cittadini eritrei devono avere un pass e un motivo fisso per viaggiare nel proprio paese. Non farlo potrebbe significare la detenzione. E in questo ambiente teso, il semplice atto di scattare una fotografia è diventato politico. Ogni volta che tirava fuori la sua fotocamera di medio formato, lui e i suoi cugini venivano arrestati e il suo film confiscato. Poco dopo, fu lasciato andare, ma i suoi cugini non furono così fortunati.

“Una parte di ciò che mi ha garantito la sicurezza era che era ovvio che sono cresciuto all'estero. Essere "altro" in questo senso è ciò che mi ha permesso di spostarmi ", afferma Petros, ancora visibilmente turbato dall'esperienza. Alla fine ha catturato l'immagine digitalmente perché le carte digitali, ha imparato, non significavano nulla per la maggior parte dei soldati. "La non familiarità è diventata la cosa che mi ha permesso di fare il lavoro". Non c'è alcun indizio negli splendidi paesaggi di Petros che suggeriscano la tensione in cui sono stati creati. Lui scuote la testa. "Parte della mia paura come artista è che sto facendo qualcosa di troppo esteticamente piacevole quando contiene un gruppo di problemi così difficile."

Nadine Rubin è una scrittrice di New York che attualmente sta completando il suo master in giornalismo artistico e culturale alla Columbia University.

Informazioni su Dawit L. Petros: Nato ad Asmara, in Eritrea (1972), Petros, con sede a New York, ha completato gli studi universitari a Montreal, poi si è trasferito a Boston, dove ha conseguito un AMF presso la School of the Museum of Fine Arts. La sua pratica fotografica si è evoluta da ritratti documentari semplici, in particolare una serie di ritratti di eritrei nordamericani, per comprendere aspetti della fotografia concettuale e della performance art. Ampiamente esposto a livello internazionale, ha presentato tre mostre personali, di recente una personale omonima ad Alexander Gray Associates, New York. Ricevitore di numerosi premi e borse di studio, nel 2008 è stato artista residente presso lo Studio Museum di Harlem, New York.