Giugno 2007

Art South Africa Volume 5: Numero 04

Pierre Fouché; Lawrence Lemoana; Sacchi di Ruth


ESORCISMO EMOZIONALE
PIERRE FOUCHÉ IMPEGNA IN PARTE CON QUESTIONI DI SESSUALITÀ MA NON VOGLIA IL SUO LAVORO ETICHETTATO PER QUALSIASI UFFICIO SPECIFICO, SCRIVE KIM GURNEY.
sinistra destra Pierre Fouché, La distanza tra noi, 2003, puzzle in acrilico e penna su cartone trovato, 135 x 195 cm;
Pierre Fouché, La distanza tra noi III, 2006, tela a 13 punte, filo di cotone a 9 capi, penna, matita, pennarello, 105 x 107 cm.

Ho incontrato Pierre Fouché l'anno scorso durante una serata in studio aperto a Greatmore a Woodstock, Città del Capo. Stava creando un piccolo arazzo, tessendo faticosamente fili su un telaio autocostruito. Un altro visitatore curioso si dichiarò più incuriosito dal retro dell'opera, con le sue ragnatele di fili intrecciati, che con l'immagine di superficie ordinata e ordinata. La sua astuta osservazione ha tagliato il nucleo del lavoro di questo artista, che consiste essenzialmente nel minare la fissità di come scegliamo di vedere il mondo, in particolare il falso senso di sicurezza che la fotografia di ritratto domestica trasmette.
Tuttavia, l'esplorazione dell'artista va oltre l'assorbimento di sé. Fouché stravolge argomenti personali per fare un punto politico. Espone il ventre di relazioni che preferiamo eliminare dalla memoria a favore di un insieme coeso bianco. E riesce a raggiungerlo piuttosto di nascosto: uno dei suoi recenti ritratti di se stesso e del suo ragazzo ora sembra essere appeso in un ristorante di famiglia a Londra - con grande soddisfazione dell'artista.
Quest'opera faceva parte del suo ultimo assolo alla Bell-Roberts, La distanza tra noi. Fouché manipolava digitalmente i ritratti di se stesso e dei propri cari in schemi che fungevano da modelli, successivamente tradotti attraverso un lavoro d'amore sfumato di follia in opere create in modo ossessivo costituite da migliaia di dadi, pezzi di un puzzle o fili intrecciati. L'effetto netto è una stravagante sovversione della normatività: un'immagine al tempo stesso familiare e inquietante. La sua estetica artigianale contraddice anche il gusto contemporaneo per oggetti prodotti in serie, il lavoro in outsourcing e una cultura generale della convenienza - forse attingendo contemporaneamente a una controtendenza crescente avversa a queste stesse nozioni.
Fouché è consapevole che i rigorosi sistemi di produzione ai quali sottopone le sue opere sono, come istantanee, un altro tentativo di ritagliare la realtà in pacchetti gestiti in modo conveniente. Queste strategie inevitabilmente falliscono ad un certo punto o espongono una debolezza intrinseca nelle loro formule imposte artificialmente. Queste stranezze sono accettate come parte della lettura dell'opera d'arte - come lo spettatore di Greatmore si è innamorato dei fili disordinati scoperti. Fouché aggiunge: "È quasi come se le opere portassero le cicatrici della loro creazione forzata".
"Mi piace lavorare con materiali tradizionalmente legati al genere,
E TENERE IL MIO POSTO PROPRIO IN QUELLO ... SOLO PER MESSAGLIERLO UN PO '. "
Il suo ultimo pezzo, condotto nell'ambito dell'evento marginale di CAPE 07, ha esteso questo impegno con le istantanee al regno delle prestazioni. Ha trasformato il suo spazio nello studio dell'Osservatorio in un palcoscenico improvvisato mentre portava le parole in una serie di canzoni angosciate su desiderio, amore e perdita - temi che ricorrono nel suo lavoro. Secondo l'artista, le canzoni pop funzionano come istantanee ma in modo più viscerale. Gran parte della sua produzione creativa sembra una sorta di esorcismo emotivo simile.
Fouché si impegna in parte con le questioni della sessualità ma non vuole che il suo lavoro sia etichettato per un pubblico specifico: “Sto davvero cercando di mettere in discussione tutti i tipi di categorizzazione ... Non c'è mai un caso in cui l'etichettatura si adatta perfettamente; c'è sempre un individuo che non si adatta e in un certo senso siamo tutti quegli individui ”.
È quindi appropriato che Fouché tende a favorire i medium spesso associati alla femminilità; è impegnato a cercare l'uncinetto. "Mi piace lavorare con materiale tradizionalmente legato al genere", dice, "e puntare il mio posto in quel ... solo per rovinarlo un po '." Aggiunge: “La cultura popolare degli anni '90 aveva una così bella promessa di ambiguità in quanto gli uomini erano rappresentati in ruoli molto più femminilizzati e di genere ... Ma sembra che stiamo tornando a ruoli di genere più iper, più tradizionali, dove ci si aspetta che siano gli uomini uomini "veri" di nuovo, forse a causa di una crisi della mascolinità, invece di abbracciare l'uguaglianza. È triste e spaventoso vedere anche all'interno della comunità gay quanto all'improvviso ci sia una tale omofobia interiorizzata ”.
A marzo, l'artista stava già vivendo un anno impegnativo che includeva l'impiccagione di una tappezzeria all'ABSA, la partecipazione a una mostra collettiva del Cape Town Festival e un lavoro su una commissione privata con attrazioni fissate su una mostra di fine anno 2008. Ha recentemente rinunciato al terziario insegnando - presso il College of Cape Town - a dedicarsi a tempo pieno all'arte.
Kim Gurney è uno scrittore freelance di Cape Town ed editore di notizie Art South Africa.

Informazioni su Pierre Fouche: Nato nel 1978, l'anno scorso Fouche ha completato un Master in Belle Arti (con lode) alla Stellenbosch University. La sua produzione comprende una serie di supporti distintivi, tra cui materiali da ricamo, matita, carta artigianale e oggetti trovati ricontestualizzati (in particolare, 6000 dadi in resina), "Il suo lavoro è auto-riflessivo e silenzioso e molto, molto laborioso", osserva lo storico dell'arte Lize van Robbroeck. La distanza tra noi (2006), la sua più recente mostra personale, tenutasi al Bell-Roberts Contemporary, ha seguito la sua mostra personale del 2005, Escluso e non detto. Ha partecipato a numerose mostre collettive, tra cui il Festival della scultura pubblica del sesto distretto (1997) softserve (1999) Sex & Kultuur Queer Arts Festival (2004) e La carta non mente mai (2005).


SU E SOTTO
LAWRENCE LE SFERE DI RUGBY RICAMATE DI LEMAOANA E LE FOTOMONTAGGI FANTASTICI OFFRONO PIÙ DI UN SOLO COMMENTO IRONICO SULLO SPORT DELL'UOMO BIANCO. DI SEAN O'TOOLE.
sinistra destra Lawrence Lemaoana, L'unico, 2006, stampa digitale su tela, 42 x 29.7 cm; Lawrence Lemaoana, Gerolchia di colore, 2006,
stampa digitale su tela, 84 x 118.8 cm.

Dopo la mia intervista a Lawrence Lemaoana ho dovuto cercare una parola di cui non ero sicuro. "Il rugby è davvero uno sport inculturato", ha osservato con un accento vagamente alla periferia nord - si scopre che è andato al liceo in Highlands North. Probabilmente il web era il posto sbagliato in cui cercare una risposta, ma poi i dizionari che avevo consultato non erano esattamente utili: la maggior parte delle voci per l'inculturazione recitavano “vedi socializzazione”. Alla fine mi sono arreso quando sono finito in un sito web cristiano fondamentalista in cui Dio e Noam Chomsky venivano citati per spiegare come le norme sociali sono attribuite ai bambini piccoli. A quanto pare, Lemaoana era stata abbastanza chiara: "Il rugby è come una religione".
È forse insolito che Lemaoana lavori sul rugby. Insolito perché qui abbiamo un giovane uomo di colore articolato interessato a produrre dichiarazioni furbe e ironiche - usando fotomontaggi e tessuti talvolta decorati - per commentare il tuo sport preferito dei white media. "Nel mondo dell'arte sono sottoposto a pressioni per produrre determinati tipi di lavoro", ribatte francamente. "Spesso mi viene chiesto di fare acquerelli, baracche e cosa no." Lui fa una risatina furba. "Quindi presento questo."
A parte le questioni di permissività, il suo interesse per il rugby non è del tutto privo di risonanze autobiografiche. "Ho giocato a rugby provinciale per un po ', per Highlands North, Soweto, e poi nel mio punto più alto per i Gauteng Lions u / 18 alla Craven Week 2000", spiega. "Ho giocato sul fianco."
Anche se sta lentamente perdendo la sua immagine elitaria (bianca), il rugby è ancora guastato da numerosi problemi mentre si addentra nel presente non razziale. Giocando a livello agonistico, era inevitabile che Lemaoana si ritrovasse attirato nella realtà politica di questo sport. Usando il suo lavoro Gerarchia di colori (2006) come punto di riferimento, ricorda una lettera contenente i nomi dei giocatori selezionati per i Lions. Alcuni dei nomi erano contrassegnati da un asterisco.
"Ha funzionato per essere tutti i neri", chiarisce. “In fondo, la lettera spiegava la quota di giocatori neri richiesta. Mi ha fatto mettere in discussione me stesso. Se siamo i giocatori di colore quali sono gli altri ragazzi? Come si chiamano? In quale categoria rientrano? All'epoca non era un problema delicato, volevo solo giocare, ma quando ho iniziato a fare la mia arte ho messo in discussione questi problemi. "
Non è solo lo sport che informa la pratica di Lemaoana. I suoi fotomontaggi dai colori esuberanti e le sue opere in tessuto danno anche una ripercussione alla mascolinità esagerata del Sud Africa mentre esprimono interesse per la decorazione e l'ornamento. "La maggior parte del mio lavoro è stratificata", dice dei fotomontaggi. "Hai forse quattro diversi livelli che sono stati ridotti." Oltre a fotografare amici e scene di paesaggi a Mpumalanga, solleva anche immagini da Internet, riviste botaniche e tessuti Shangaan. Il risultato, nei suoi fotomontaggi, è "un paesaggio immaginario, uno spazio onirico, uno spazio costruito".
Quando sollevo il punto che il suo lavoro potrebbe sembrare vagamente kitsch, sorride semplicemente. Mi indica il suo lavoro La discussione (2005), un rifacimento del campo del murale di Da Vinci The Last Supper. Gli è valso il premio Gerard Sekoto di Absa L'Atelier nel 2005. "Se vai in qualsiasi casa di Soweto, troverai l'immagine di Da Vinci." Negoziando il "cambiamento di scenario tra Soweto e la città" - una dichiarazione espansiva latente con possibilità - ha deciso di rivisitare questa immagine. Il risultato ricorda Yinka Shonibare filtrato attraverso l'obiettivo di un cattolico Tretchikoff. In qualche modo funziona
Dato il suo commento acuto sul rugby e la sua ineleganza alle prese con il problema della razza, gli chiedo come ci si sente a vincere un premio d'arte progettato in modo molto consapevole per affrontare uno squilibrio delle quote nell'arte sudafricana. "Non ti ha fatto sentire un giocatore di colore?" Chiedo, usando il titolo della sua mostra Alliance Française come punto di riferimento.
"Per me era solo un altro modo di creare categorie speciali", afferma. “È molto legato al rugby. La linea standard [nel rugby] era che "hai persone che lo fanno da molti anni, generazioni e generazioni". La nostra argomentazione era: "Che ne dici del talento?" "Scherzo che forse è tempo che gli artisti neri inizino a partecipare a concorsi con il pretesto di essere bianchi - una raffinatezza, se vuoi, di artisti bianchi che fanno il contrario, Wayne Barker / Andrew Moletsi e , meno affascinante, Beezy Bailey / Joyce Ntobe
"Forse", ridacchia. "Devi negoziare costantemente la tua strada."

Informazioni su Lawrence Lemaoana: Nato a Johannesburg (1982), Lemaoana ha vissuto a Welkom prima di tornare a Johannesburg per completare gli studi. Laureato al Technikon di Witwatersrand, dove ha conseguito il Diploma Nazionale in Belle Arti (2003), ha vinto il premio Absa L'Atelier Gerard Sekoto nel 2005. Attualmente iscritto all'Università di Johannesburg, dove sta attualmente completando ulteriori studi per conseguire una laurea, Lemaoana presenterà una mostra di nuovi lavori alla Galleria ABSA di Johannesburg a giugno. Una mostra itinerante organizzata da Alliance Française sarà a Johannesburg (19 luglio - 9 agosto) e Pretoria (16 agosto - 6 settembre).


CHE COSA FA DI NUOVO RUTH?
DOPO LA VINCITA DI UN GRANDE CONCORSO SACCHI DI RUTH DELL'ULTIMO ANNO SALATI ALLE ISOLE CANARIE, POI NON LUNGO DOPO PARIGI. PARLA DI GUARDARE O'TOOLE SUL SUO PROSSIMO GRANDE FERMO: LA BIENNALE DI VENEZIA.

Ruth Sacks, Per te, 2007, cartone ondulato fustellato, dimensioni variabili, primo piano di installazione presso SMAC, Stellenbosch.

È stato un anno vorticoso e un po 'per Ruth Sacks. Dopo aver vinto la Absa L'Atelier del 2006, è scesa alle Isole Canarie alla fine dell'anno scorso per installare un'opera sulla Biennale inaugurale delle Canarie. Non molto tempo dopo, si è trovata a Parigi, alla Cité Internationale des Arts di Parigi, dove attualmente risiede per sei mesi. Per finire, la documentazione di Non fatevi prendere dal panico (2005), la sua installazione affascinante e leggera ma affermando in maniera massiccia, è esposta alla Biennale di Venezia di quest'anno. L'opera, che fa parte della collezione africana di arte contemporanea Sindika Dokolo, è stata curata dalla mostra collettiva di Fernando Alvim e Simon Njami Lista di controllo, in mostra nel padiglione africano. In un paese incline all'alta sindrome del papavero, i successi di Sacks hanno spinto il morso geloso. Art South Africa ricontestualizzato alcuni di questi barbi, formulandoli come domande. La risposta di Sacks offre una lucida elaborazione della sua pratica.
Opere recenti come Non fatevi prendere dal panico (2005) e Luce artificiale della luna (2006) sono molto effimeri, distinti da inconsistenti. Quest'ultimo mi ricorda il lavoro di Martin Creed No.227: Le luci si accendono e si spengono (2000), che ho visto installato alla Biennale di Berlino dell'anno scorso, Uomini e topi, a cura di Maurizio Cattelan. Ne parlo per un motivo. La tua pratica sembra condividere certe affinità con entrambe le loro strategie concettuali. Accetto non accetto?
Concordo su lavori specifici, ma non sulle loro strategie generali per quanto li capisco. Ma mi piace il loro senso dell'umorismo. Il messaggio ambiguo dell'intervento pubblico di Creed Andrà tutto bene (Londra, 2002) mi fa sempre sorridere. penso Non fatevi prendere dal panico riprende da questo. Quando ho iniziato questo lavoro per la prima volta, ho guardato molto al lavoro di Cattelan degli anni '1990 (specialmente Un altro cazzo pronto dal 1996) ma non più. Con Luce artificiale della luna, il mio intervento è stato specifico per il sito, al contrario delle luci vincitrici di Creed che possono essere inserite in contesti diversi. Quando ho attaccato luci molto potenti, rotanti, all'edificio della galleria Los Lavaderos a Tenerife, mi riferivo alla storia di quest'ultimo. C'è una lunga tradizione di un festival che si tiene in quel sito ogni anno per la Vergine di Fatima che dovrebbe rivelarsi a tre bambini attraverso uno spettacolo di luci soprannaturali. Inoltre, in linea con il tema centrale della biennale, il pezzo ha ripreso il contesto più ampio della situazione politica delle Canarie attraverso le porte della galleria che sono state chiuse non appena si sono accese le luci. I raggi di luce si muovevano come proiettori, ma davano anche l'impressione di pubblicizzare una sorta di evento. Quando la gente veniva a vedere cosa succedeva, veniva impedito l'accesso all'interno dell'edificio.
In una prospettiva simile, in precedenza hai menzionato (in corrispondenza) che la tua attenzione è generalmente "su aspetti della mia vita personale, in particolare le insicurezze, che cerco di comunicare attraverso una varietà di mezzi". Doreen Southwood ha perseguito una strategia simile, sulla quale vedo che alcuni dei tuoi critici hanno raccolto. Sei un ammiratore del suo lavoro?
Sarei interessato a sapere a quali critici ti riferisci qui. Ma mi piacciono i primi lavori di Doreen, in particolare The Diver (2003) e Trofei galleggianti (2002). Mi piace il fatto che a volte condividiamo impulsi simili per esprimere le tendenze nevrotiche mentre i nostri meccanismi estetici e di produzione reciproci sono molto diversi. A me sembra coraggioso che lei mostri così tanto della sua vita personale in un pezzo come Trofei galleggianti. Nel mio lavoro, tendo a usare esche visive per cercare di sorvolare qualsiasi dettaglio intimo diretto.
Una critica a Non fatevi prendere dal panico è che tutto è stato fatto prima: James Turrel, Sam Francis e Marinus Boezem. Personalmente, non attribuisco molta importanza al fatto che, poiché qualcun altro ha fatto qualcosa, ora è proprietario. L'arte sarebbe molto meno benestante se una visione così ristretta della creatività diventasse un'ortodossia. Quali erano le tue intenzioni quando hai fatto questo lavoro? E come rispondete all'atteggiamento 'visto tutto prima' espresso da alcuni in relazione al vostro lavoro?
Yves Klein sarebbe infastidito dal fatto che non fosse menzionato in quella lista. L'uomo era convinto di aver firmato la parte posteriore del cielo in un viaggio immaginario e ha detto che odiava gli uccelli perché avevano fatto buchi in quella che credeva fosse la sua più grande opera d'arte. Penso che sarebbe davvero complicato fare qualsiasi lavoro se agli artisti non fosse permesso sperimentare mezzi che erano già stati usati. Intere tradizioni di pittura ad olio, sculture in legno, ecc. Dovrebbero essere respinte. Sarebbe un peccato.
Simile a Non fatevi prendere dal panico, il vostro lavoro Per te (2007) usa il testo per comunicare un'idea o un pensiero. A differenza del precedente lavoro, è verosimilmente un oggetto esistente nello spazio, se lo desideri una scultura. Puoi parlarci del rapporto tra le due opere, anche della tua motivazione per realizzare quest'ultima?
La parola "SORRY" è intenzionalmente assente nell'etichetta in modo che lo spettatore debba lavorare un po 'più duramente e camminare attorno a pile di lettere di cartone alte due metri per capire cosa scrivono dalla forma delle forme e dal rovesciato s “R”. L'idea era che un ambiente in cui la parola "scusa" si ripete più e più volte è uno che sembra imbarazzante e goffo. Quindi le scuse spiegano la presentazione scadente e la mancanza di leggibilità.
Mi piace usare i pezzi di testo perché molto del modo in cui lavoro su supporto testuale in qualche forma. Il mio processo con queste opere è quello che ho spesso applicato per cui mi riferisco alla mia raccolta personale di frasi. Questi sono presi da altre opere d'arte, romanzi, pubblicità, graffiti, conversazioni e canzoni pop. Negli esempi di Per te e Non fatevi prendere dal panico, Mi sono imbattuto in un mezzo che pensavo potesse adattarsi a un contesto specifico e poi ho passato al setaccio la mia lista per trovare le parole adatte che fossero applicabili.
La tua mostra SMAC includeva un'installazione, nelle tue parole, "inventata per sembrare che lì fossero stati fatti 2.5 anni di lavoro". Ho sorriso quando ho visto due libri di Walter Benjamin, entrambi i quali possiedo, uno dei quali ho parzialmente letto, l'altro semplicemente un pesante reggilibro (per ora). Allora, hai letto Benjamin? E quale dei libri che non hai letto ma visualizzato sullo scaffale vorresti leggere per primo? Perché?
Ho letto Benjamin e ho fatto riferimento a lui nella mia vita reale tesi di laurea con una chiara coscienza. Non pretendo di aver superato tutto Progetto Arcades, anche se. Che con attualmente essere a Parigi e tutti, questo sarebbe il numero uno nella mia lista dei desideri di lettura. Ho anche cercato di sfogliare i libri di seconda mano all'interno delle finte copertine che compongono quel pezzo. Spero di ricordare bene qui, ma penso che le finte copertine di Walter Benjamin nascondessero l'annuale di un ragazzo illustrato e anche un romanzo davvero trash con una donna formosa in difficoltà sulla copertina.
Il pezzo su SMAC era solo lo scaffale di una grande installazione in cui ho realizzato un finto studio che presentava inconsapevolmente l'illusione di rappresentare tutto il lavoro che avevo realizzato negli ultimi 2.5 anni. Lì c'era anche molta realizzazione di fantasia. Ad esempio, ho incluso fotografie false di persone che avrei voluto essere mie amiche sulla bacheca (come Richard Prince).
Due domande correlate, a cui spero risponderai spontaneamente. Fa una strana osservazione Artheat male? E qual è la differenza tra una recensione negativa e una cattiva pubblicità?
I commenti sporchi fanno sempre male. Sia che vengano consegnati nel cortile della scuola, un cocktail party o un blog, questo è il punto. Credo che dicano di più sulle persone che le fanno, piuttosto che sull'argomento della conversazione. Per questo motivo, non leggo Artheat molto e quando lo faccio evito le sezioni dei commenti. Ho questa politica da quando ha iniziato a diventare cattiva. Se qualcuno non è disposto a mettere il proprio nome in una dichiarazione o a mantenere una sorta di identità anonima fissa, allora tutto il divertimento è passato da una bella lotta artistica al riguardo. D'altra parte, se una recensione è ben studiata e scritta da qualcuno il cui lavoro rispetto, la prendo sul serio. Buono o cattivo.

Informazioni su Ruth Sacks: nata a Port Elizabeth (1977) Sacks ha conseguito una laurea con lode in Belle Arti presso l'Università di Cape Town (1999), dove attualmente sta leggendo un Master in Belle Arti presso la Michaelis School of Fine Art. Ha presentato due mostre personali alla João Ferriera Gallery, Quando l'interno rimane dentro (2005) e Funziona in cera e plastica (2003). Ha partecipato a numerosi spettacoli di gruppo, tra cui GIMBERG / NERF / SACCHI / GIOVANI (2007) presso SMAC, Elenco 06: La giovane fiera d'arte a Basilea (2006) a Basilea, e Lista di controllo (2007), parte della Biennale di Venezia 2007. È stata selezionata per partecipare a una residenza di tre mesi presso lo iaab International Exchange and Studio Program, a Basilea.