'In Context: Africani in America:' In Conversation with Julie Mehretu

“In qualsiasi momento, mentre lavoro su un pezzo, gli eventi si svolgono intorno a me e fanno parte della mia vita, dello studio e della mia pratica - la primavera arabo / africana ne è un esempio. Ho avuto le notizie costantemente mentre dipingevo. Tutto questo trova la sua strada nel mio lavoro; abbracciare le varie storie, contraddizioni e complessità; per schiacciarli, legarli e forse trovare le pause. ”

Newsletter AA 2017 Jan05 JulieMehretu1Julie Mehretu, Mogamma (Un dipinto in quattro parti: parte 1), 2012. Inchiostro e acrilico su tela, 457.2 x 365.8 cm. Collezioni private. Credito fotografico: Ben Westoby. © Julie Mehretu. Immagine concessa dall'artista; Marian Goodman Gallery e White Cube.

ARTE AFRICA: Hai vissuto in numerosi posti, da Addis Abeba a Dakar, Berlino e New York. A che punto della tua carriera artistica ti sei reso conto che l'ambiente costruito era una sorta di metafora o nucleo per i tuoi processi di pensiero?

Julie Mehretu: Ho iniziato a attingere alla mappatura e all'architettura, alla sua storia e alla storia della città, molto presto nel mio lavoro e nelle mie indagini; subito dopo la scuola di specializzazione. La storia spaziale della città e la sua architettura mi hanno fornito metafore socialmente specifiche per sistemi di pensiero, desiderio e potere. In quel contesto, i marchi hanno partecipato alla costruzione e alla decostruzione della meccanica spaziale e dell'esperienza dell'opera. Era un modo per far collassare lo spazio e il tempo e su cui disegnare, dipingere ed evolvere. In un certo senso è stato uno sforzo per dare un senso e distillare la mia esperienza nel mondo e, un modo per localizzarmi. L'ultimo corpus significativo di lavoro che ha attinto pesantemente al disegno architettonico è stato il mio Mogamma serie. Da allora ho realizzato alcuni dipinti che usano la stessa lingua (Cairo, 2013; Damasco, 2015) ma negli ultimi anni quel linguaggio ha trovato la sua via d'uscita dai dipinti.

In una precedente intervista hai affermato che i tuoi lavori "non potevano esistere con il pensiero razionale". Cosa intendevi con questo?

Mi affido fortemente al mio intuito. È una grande parte del mio processo, prestando attenzione, togliendo la testa di mezzo, lasciando che istinto e possibilità guidino il mio fare ma anche nel minare la mia direzione e interessi. Viene dalla distillazione di ore e settimane di pensiero sul lavoro, ricerca, aspetto, sentimento e risposta. Non creo arte nel vuoto, lavoro dal mio mondo - il mio lavoro, i miei desideri, le mie attrazioni - è la mia bussola. Questo è un senso come un altro, ed è uno che ho lavorato per anni sullo sviluppo e sulla comprensione. Non puoi fare a meno di un senso dell'orientamento, senza che il pensiero entri nel processo. Fa parte di un continuum, sia il mio, sia una più ampia conversazione di storia dell'arte.

Newsletter AA 2017 Jan05 JulieMehretu2Julie Mehretu, Mogamma (Un dipinto in quattro parti: parte 2), 2012. Inchiostro e acrilico su tela, 457.2 x 365.8 cm. Collezioni private. Credito fotografico: Ben Westoby. © Julie Mehretu. Immagine concessa dall'artista; Marian Goodman Gallery e White Cube.

Lavori prevalentemente su larga scala. In che modo i tuoi dipinti sono destinati ad occupare spazio?

Ho iniziato a lavorare su dipinti di grandi dimensioni perché ero interessato al rapporto dinamico del corpo con la distesa del dipinto. Mi interessava creare un'esperienza immersiva quando ci si avvicinava a un dipinto e un'esperienza e una comprensione molto diverse quando si era lontani e si poteva vedere l'intero pezzo da un punto di vista. Mi interessava imitare l'esperienza di navigazione della città, il suo dinamismo labirintico e caleidoscopico. L'esperienza di perdere il proprio posto, di essere sussunti, di essere sommersi dalla complessità e dalle contrazioni della pittura e del disegno.

Sono interessato ai processi di stratificazione e cancellazione e alla loro relazione con la storia come qualcosa che non lascia mai veramente. Gli elementi di architettura che sono definiti nel tuo lavoro portano anche le loro connotazioni storiche, politiche e sociali. Cosa intendi raggiungere posizionando tutti questi elementi sulla stessa pagina e interagendo con essi?

I vari livelli del mio lavoro sono le informazioni visive, il linguaggio sociale, la codifica e il contesto, alcuni definibili, decifrabili e altri no. In qualsiasi momento, mentre lavoro su un pezzo, gli eventi si svolgono intorno a me e fanno parte della mia vita, dello studio e della mia pratica - la primavera arabo / africana ne è un esempio. Ho avuto le notizie costantemente mentre dipingevo. Tutto questo trova la sua strada nel mio lavoro; abbracciare le varie storie, contraddizioni e complessità; per schiacciarli, legarli e magari trovare le interruzioni. I dipinti non possono essere semplicemente letti e compresi, non sono didattici. Non si riducono neppure a quel singolo evento, anche se in qualche modo la geografia di un dipinto ne viene definita. I gesti, i segni, le cancellature, sono una resistenza alla riduzione, all'essere definiti o visti come esplicativi. È un'insistenza sull'opacità, l'astrazione, l'esperienza nella complessità di un momento che è prenotata e attaccata al passato e che va avanti nel futuro.

Hai prodotto un lavoro sulla rivoluzione avvenuta in piazza Tahir, al Cairo. In un'intervista con Modern Art Notes hai espresso frustrazione per il modo in cui quella rivoluzione ha toccato il fondo, si è corrotta e che sembrava che questi comportamenti sociali si ripetessero in qualche modo. In questo senso, consideri il tuo lavoro come uno spazio alternativo o immaginario, dove potrebbero essere realizzati potenziali futuri alternativi?

L'impulso è verso quello, per trovare le rotture, le lacune, le fessure, per dipingerle, per esplorare o creare spazi di un possibile altro emergente.

Newsletter AA 2017 Jan05 JulieMehretu3Julie Mehretu, Epigrafia, Damasco, 2016. Fotografia, acquatinta zuccherina, acquatinta a morso di sputo, morso aperto Hahnemühle Bütten 350 gr. Frame complessivi: 247.7 x 574 x 7 cm. Credito fotografico: Alex Yudzon. © Julie Mehretu. Immagine gentilmente concessa dall'artista e dalla Marian Goodman Gallery e dalle Niels Borch Jensen Editions.

Sebbene l'astrazione abbia sempre giocato un ruolo importante nella tua pratica, la tua ultima mostra "Hoodnyx, Voodoo and Stelae" alla Marian Goodman Gallery rappresenta una netta rottura rispetto ai tuoi lavori precedenti. Come percepisci questa transizione in futuro?

L'orientamento si è spostato e i riferimenti geometrici / architettonici sono stati rimossi, portando questa nuova opera su una base più profonda in astrazione. Ho evoluto e approfondito il mio impegno per un senso intuitivo, che forse è un riflesso del passare del tempo; non sentire il bisogno di offrire i segnali visivi che uno spettatore può capire o interpretare, non sentire il bisogno di quella spina dorsale strutturale. Decidere, infatti, di buttare via quella spina dorsale, quelle metafore, quel fondamento, per inventare all'interno di un linguaggio di pittura e astrazione, per inventare neologismi visivi. Prendendo spunto dalla storia della pittura, dai suoi segni, dal suo linguaggio, poi mescolando quelle citazioni in un altro spazio - 'JUMP – CUT – ZOOM' - un segno parte Nauman / parte Oehlen / parte Guston / parte Hammons / parte Mitchell / parte Bhabha / parte Ofili / parte Mehretu. I neologismi esistono e sono inventati da una "cultura dell'insoddisfazione", da parti del linguaggio per quelli di noi che sentono che il linguaggio a portata di mano non è sufficiente e problematico come lo è per estrarre e immaginare nuovi futuri. La necessità, infatti, di ripensare e reinventare come parte di una conversazione in corso. Al momento sto lavorando a due commissioni su larga scala per SFMOMA, che porteranno questa forma evoluta di creazione del marchio, questo nuovo linguaggio, in un nuovo posto - in questo caso, attraverso le più grandi superfici che abbia mai realizzato.