FNB JoburgArtFair 2016: Grace Cross | FABBRO

Presentato da FABBRO, Grace Cross esporrà un progetto solista al FNB JoburgArtFair 2016. ARTE AFRICA raggiunto con Cross per scoprire di più sull'artista e sul corpo del lavoro in mostra.

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ARTE AFRICA: Sei nato in Zimbabwe, ma cresciuto in India, America e Sudafrica. Come credi che questa esperienza informi la tua arte?

Grace Cross: Il nomadismo culturale che ho vissuto crescendo ha informato la mia identità culturale e l'arte che mi interessa fare oggi. Incarna molte delle storie passate dei luoghi in cui ho vissuto, così come quella della mia famiglia, che include farmacisti greci, menestrelli vaudeville olandesi, contadini dello Zambia, incantatori di serpenti e matriarche boero chiaroveggenti, solo per citarne alcuni.

Entro nel mondo avendo già ingoiato molti mondi. La mia storia, tramandata attraverso i miei antenati sudafricani, è di estrazione e inserimento nella storia. Ma quella storia, è stata scritta come un discorso di terra nullis, come un'iscrizione su una lavagna vuota, raccontata attraverso la voce del conquistatore. Sono interessato a estrarre il mio passato personale ed ereditato per cercare il potenziale di uno spazio impossibile, mitico, alternativo, che può raggiungere nel tempo per riconfigurare il passato nel presente. La mia narrazione personale è quella dello straniero; e come straniero uso la mia pratica artistica come base per ricostruire la mia casa culturale, provando più maschere e falsi sé, contemporaneamente vero o falso.

Il tuo lavoro fornisce una sorta di melting pot di riferimento interculturale e storico, "ordinato di rivelare solo una parte di una storia", eppure è spesso l'altra parte silenziosa che parla più forte. Qual è lo scopo di questa ambiguità?

I miei dipinti alimentano quell'ambiguità di sospendere qualsiasi nozione percepita della realtà come costruzione di miti. A tutti noi viene tramandata una storia mitologica, attraverso il terrore e gli orrori del colonialismo e dell'industria moderna e questa storia, così poco legata alla verità, è un archivio costruito di storie accuratamente scelte che escludono, omettono e reprimono. Il mio lavoro evoca una storia profonda per riunire saggezza e materiali culturali trasformativi per erodere ed scavare quelle storie per rianimarle dal nostro momento presente. Mi avvicino alla creazione di immagini, come mezzo per rianimare storie lette contro il grano. Questa rianimazione è una specie di mimesi, segni operativi e strutture produttive per tradurre altre culture di altri tempi. Ogni lettura interpretativa della mia pittura è una nuova situazione, una nuova serie di righe su una pagina e una nuova iterazione. Voglio non solo il significato ovvio e simbolico di un'immagine da leggere, ma anche il significato pericoloso e ottuso. Non puoi testare un incantesimo. Esprimerlo significa attuarlo. In questo senso, la mia arte di appropriazione, intesa come invocazione, si occupa delle praticità e dei gesti materiali eseguiti nella cerimonia di invocazione. I miei quadri diventano una superficie di protezioni, ricevimenti e proiezioni. Facendo il mio lavoro attraverso e situato nel regno contestato dell'esperienza umana e abbracciando le contro-narrazioni della storia, cerco di migliorare la perdita sociale e culturale.

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Il tuo uso della vernice, dai colori piatti e lavati alle macchie globulari, è molto strutturato, la tua tavolozza piuttosto audace. Quale ruolo svolgono il processo e il mezzo nello sviluppo o nel miglioramento di queste narrazioni?

Il processo di pittura è essenziale per la produzione del mio lavoro. C'è una comunicazione magica e rotta che si verifica nel mio affollato studio tra materiale, Mark e me. La vernice è adattabile; può assumere le qualità di carne, zucchero filato zuccherato o sangue mestruale in diverse iterazioni. La sua capacità di invocare lavora di pari passo con il soggetto rappresentato dalla pittura. Uso i colori viscerali, prevalentemente il rosso, per tutta la mia pratica perché il colore ha una risposta immediata e viscerale nel corpo. I miei colori portano tracce di sangue, di un segnale di STOP sulla strada, di vita, sesso, amore e morte; il colore comunica direttamente come sintetico e animale. Il mio lavoro indaga su come le cose della terra (minerali) e della mente e dello spirito (mitologia e conoscenza sacra) vengono portate in superficie, dove subisce una trasmutazione fondamentale in valuta secolare e spirituale. Le mie tele intime, una connessione di fili sciolti, sono motivi sacri di guarigione per me. Il segno disegnato su tela ripristina ma può anche macellare, tagliare o suturare, onorare o parodia. I primi disegni sulle grotte usavano l'ocra come pigmento primario, perché può essere estratto sia dalla terra che dal corpo. Il corpo è un fattore fondamentale nella mia produzione artistica. Sono un pittore molto fisico e produttore di fibre. Uso il mio peso per scolpire rappresentazioni come sacre e profane; aperto per essere accolto e come la pornografia saziano una lussuria desiderosa. La vernice costruisce teatri in miniatura attraverso collegamenti protean. Questi collegamenti mi aiutano a mappare e iscrivere le mie relazioni sociali, in particolare di dimostrazioni e negoziazioni di potere che sono ricorsivamente impegnate nella propria riproduzione corporea e ricostituzione.

Per favore, parlaci del lavoro che sarà esposto all'FNB JoburgArtFair? Cosa l'ha ispirato?

Mostrerò una serie di arazzi dipinti sotto lo stendardo "Cave Canem". Questa frase latina significa "attenzione al cane", un termine che si riferisce vividamente ai segnali di sicurezza che pepano la periferia di Johannesburg. Il termine si riferisce anche a una grotta; un luogo per riparo e deposito, come una fiera, e "scavare", è un termine che indica arrendersi e crollare. I dipinti affrontano le idiosincrasie dei rituali tradizionali e moderni della cosmologia sudafricana che si scontrano l'uno contro l'altro. Il lavoro all'interno dello stand decostruisce le nozioni del moderno e antico mercato africano. Sia in ambito locale che internazionale, il mercato è un mix ibrido di persone, gusti e oggetti che si incontrano insieme. Che si tratti di una bancarella della torrefazione in Senegal, di abbigliamento cinese di bric-a-brac pubblicizzato con luci a LED o di trading online attraverso i continenti, il mercato è un simbolo di rituali tradizionali che convivono accanto a credenze contemporanee. È anche un indicatore di gentrificazione e appropriazione culturale, in cui il pubblico del mercato spinge le imprese locali sotto la rapida e irremovibile macchina del capitalismo. I miei dipinti esistono sia come forme apparenti - riferendo ricordi, dialoghi e movimenti - e possiedono una materialità kitsch ed eccentrica. Fondendo uno sfondo più vivido del cubo bianco, lo stand come mercato propone una connessione esperienziale con la narrazione, lo scambio economico e il rituale della performance culturale. Questa bancarella offre l'opportunità di risolvere visivamente e rappresentare questioni così complesse come la razza, il femminismo e i confini culturali che emergono dai generi crossover. Allegorizzando il quotidiano e il mitico nello stesso spazio, una narrazione visiva emerge da prospettive intersezionali.