Fallo a colori

di Sean O'Toole

È meglio conosciuto per i suoi ritratti in bianco e nero di donne nigeriane che sfoggiano elaborate acconciature scultoree, ma JD 'Okhai Ojeikere - o semplicemente "Pa" Ojeikere ai suoi numerosi ammiratori lagosiani - ha anche realizzato fotografie a colori. Nel 1966, mentre lavorava per West Africa Publicity Ltd., una società di marketing specializzata nata da un'attività coloniale che offriva servizi pubblicitari, Ojeikere iniziò il suo primo lavoro con Lintas, il dipartimento pubblicitario interno di Lever Brothers, la società britannica dietro Sapone Lux.

"L'azienda ha portato la prima Miss Nigeria per farmi fotografare", ha ricordato Ojeikere, 83 anni, in un'intervista del 2009. Come era già consuetudine allora nella pubblicità, Ojeikere - che, come Santu Mofokeng, ha iniziato la sua carriera professionale come assistente in camera oscura - ha utilizzato la pellicola a colori per il lavoro. Il colore era ancora una novità costosa in Nigeria all'epoca.

JD 'Okhai Ojeikere. Cortesia: Gallery Fifty One,
Anversa

"Dopo aver scattato le fotografie in modo convenzionale, che era una delle mie maggiori sfide a quei tempi, ho dato le pellicole al mio capo per l'elaborazione all'estero perché a quel tempo non c'era un laboratorio di elaborazione nel paese", ha detto Ojeikere.

Quando le sue fotografie della signorina Nigeria tornarono da Londra, c'era una nota allegata: "Per la fotografia è stata usata una luce o una pellicola sbagliata". Il problema, si è scoperto, era l'illuminazione. Ojeikere, la cui eredità di fotografo dipenderà sempre dai suoi studi monocromatici sulla cultura e l'invenzione nigeriana, ha dovuto concentrarsi rapidamente sul colore. La signorina Nigeria è stata debitamente invitata a tornare nel suo studio.

"Ho fatto un altro lavoro che si è rivelato buono", ha detto. "Dopo di che sono diventato un consulente di altri fotografi."

Ojeikere non è l'unico fotografo africano a lottare - se non tecnicamente, almeno attitudinalmente - con la fotografia a colori. David Goldblatt, l'austero fotografo umanista di Johannesburg, pur essendo a lungo competente con il mezzo, ha resistito a usarlo per il suo lavoro personale per lo stesso tempo.

"Mi è piaciuto lavorare con il colore, ma è ancora un po 'troppo colorato per me", mi ha detto a casa sua a Fellside nel 2002. "Uno dei motivi per cui non ho insistito con il colore nel mio lavoro personale era perché era troppo dolce, troppo colorato. " Come compromesso, lui - o almeno il suo tecnico fotografico Tony Meintjes - ha filtrato il colore dalle fotografie a colori più recenti di Goldblatt.

Sydelle Willow Smith, SoftWalls Coach Dino, (dettaglio).
© Sydelle Willow Smith

Una generazione più giovane di fotografi africani (inclusi Thabiso Sekgala e Sydelle Willow Smith dal Sudafrica, Lakin Ogunbanwo dalla Nigeria e Filipe Branquinho dal Mozambico) sono meno influenzati da una tradizione in cui il colore rappresentava il linguaggio del commercio, almeno tra i fotografi, mentre la fotografia seria, cioè il lavoro guidato dall'indagine personale, era un affare in bianco e nero, in particolare in Sud Africa.

Thabiso Sekgala, tracce, Jabal Webdin, 2013.
Cortesia: Goodman Gallery

"Fin dall'inizio della fotografia, la resa di immagini basate su obiettivi orientata verso i grigi, i neri e i bianchi della stampa offset", scrive il fotografo nigeriano con sede a Berlino Akinbode Akinbiyi in Chiedi solamente!, un libro di prossima pubblicazione di saggi sulla fotografia. Secondo Akinbiyi, che produce ancora lavori in bianco e nero utilizzando una classica fotocamera reflex a doppio obiettivo Rollei, la tendenza verso il bianco e nero per la fotografia di documentari, arte e reportage seria ha iniziato a cambiare solo negli anni '1970 e anche in seguito in Sud Africa.

Mentre studiava alla Michaelis School of Fine Art di Cape Town, il famoso ritrattista Zwelethu Mthethwa ha lavorato anche in bianco e nero. Esempi dei suoi primi lavori - fotografie da Crossroads, un insediamento fuori Città del Capo - compaiono in Okwui Enwezor e Rory Bester's Ascesa e caduta dell'apartheid mostra, una vetrina enciclopedica della tradizione prevalentemente in bianco e nero del fotogiornalismo e della fotografia documentaria del Sud Africa.

Mthethwa, accusato di aver aggredito mortalmente la prostituta 23enne Nokuphila Kumalo, è stato un notevole critico di questa tradizione almeno dalla fine degli anni '1990, quando la sua fotografia a colori ha iniziato ad attirare l'attenzione internazionale. Le sue critiche, registrate per la prima volta in un'intervista nel catalogo del Immagini della democrazia mostra (1998, Umea, Svezia), deve molto ai suoi studi post-laurea negli Stati Uniti.

Grazie a una borsa di studio Fulbright, Mthethwa ha potuto iscriversi a un Master presso il Rochester Institute of Technology (RIT) di New York nel 1987. "Quando ho studiato alla Michaelis non avevano strutture per il colore", mi ha detto Mthethwa nel 2004. "Al RIT avevamo 22 camere oscure a colori." I suoi primi esperimenti con il colore hanno fornito una panoramica.

"Quando ho guardato il mio lavoro che ho girato prima di andare negli Stati Uniti, lavoro che avevo già iniziato nel 1984, sono rimasto scioccato", ha detto. "Il mio lavoro sembrava perpetuare il mito secondo cui i poveri sono infelici e squallidi".

Il passaggio decisivo di Mthethwa al colore è diventato un modo di teorizzare l'estetica nel Sudafrica post-apartheid. Il colore nobilita, così va l'argomento. Ma non tutti sono d'accordo con la sua logica.

"Sentivo che il mio lavoro e quello dei mancini, dei gruppi e degli archivi e di altri attivisti e organizzazioni insieme ai loro sforzi venivano insultati e buttati via come tanti oggetti e bagagli dell'apartheid", ha detto Santu Mofokeng in un'intervista via e-mail lo scorso anno . Mofokeng, che attualmente ha fotografie in mostra al Biennale di Berlino, ha interpretato le dichiarazioni di Mthethwa come un espediente per attaccare una particolare tradizione della fotografia in bianco e nero.

"Ho sentito che i nostri sforzi nella lotta e nell'agitazione per lo scioglimento e l'abbandono dell'apartheid venivano vanificati", ha detto. “È apparso casualmente quando il Sud Africa aveva bisogno di un volto con gli sviluppi nel paese. Era radicato da ex direttori di musei dell'apartheid che stavano cercando di legittimare le loro collezioni e altre politiche, che ignoravano le immagini di lotta e i documentari ".

Secondo lo storico dell'arte John Peffer, autore di Arte e fine dell'apartheid (2009), anche la teoria del colore di Mthethwa è storicamente imprecisa. Molti fotografi si sono legati ad Afrapix, il collettivo di fotografia non razziale e anti-apartheid fondato da Paul Weinberg e Omar Badsha e composto da, tra gli altri, Mofokeng e Guy Tillim, colore usato, sostiene. Ma nelle sue parole, "Non ne hanno fatto un gran che."

In una certa misura, l'argomento sul colore - in particolare sulla sua usabilità ed etica come mezzo per un lavoro serio nel Sud Africa post-apartheid - è alimentato e sostenuto da una generazione di fotografi (e studiosi) svezzati sulla fotografia analogica.

"Con l'avvento dell'era digitale, il colore è diventato supremo", scrive Akinbiyi, con un pizzico di rassegnazione. "Il bianco e nero è ora generalmente visto come un ritorno a una tradizione un tempo forte che ha più o meno perso il suo pubblico". Ojeikere ha riconosciuto anche questo. "Siamo nell'era del jet", ha osservato l'anno scorso.

Particolare da Trovato non preso serie, marzo 2013,
Luanda, Angola. © E.Chagas

È un'espressione azzeccata, soprattutto visto il notevole successo di documentaristi a colori come Pieter Hugo e Mikhael Subotzky dal Sud Africa, o Edson Chagas, il fotografo angolano che ha vinto per il suo paese il prestigioso Leone d'Oro premio per il miglior padiglione nazionale alla Biennale di Venezia dello scorso anno.

© Mikhael Subotzky e Patrick Waterhouse,
Ponte City (dettaglio)

Completamente fluente con il mezzo del colore, il loro lavoro - insieme a quello dell'Egitto Nabil Boutros, lo Zimbabwe Calvin Dondo e residente a Lubumbashi Sammy Baloji - ha rapidamente concretizzato una tradizione fragile, di sorta. Il loro lavoro è ora regolarmente imitato (o rifiutato) da una generazione ancora più giovane di fotografi che lavorano con il colore.

Filipe Branquinho António Muianga, Barbeiro-Barber
dalla serie ‚Occupazioni. © Filipe Branquinho

Formatosi come architetto, nato a Maputo Filipe Branquinho è cresciuto con le fotografie in bianco e nero di Ricardo Rangel e Kok Nam, illustri documentaristi mozambicani che hanno registrato le molte gioie e agonie della dolorosa nascita del loro paese. Nel suo saggio sui ritratti in corso Occupazioni (2011-), Branquinho tuttavia assume un approccio più formale rispetto ai suoi predecessori. Interessato non solo a mostrare ciò che le persone fanno per lavoro a Maputo ma anche dove lo fanno, i suoi ritratti a colori mostrano che la capitale dell'Oceano Indiano del Mozambico è un luogo di lavoro e di impresa, di funzionari e atleti, ma anche di vigili del fuoco e venditori ambulanti. Hugo è un riferimento, sebbene Branquinho sia più empatico nei confronti dei suoi soggetti rispetto alla sua controparte sudafricana, più vicino nello spirito infatti al nonno dell'indagine professionale, il fotografo tedesco August Sander.

Nella sua confidente esibizione d'esordio Pareti morbide, che è stata recentemente proiettata a Johannesburg e Cape Town, Sydelle Willow Smith allena il suo obiettivo sull'esperienza degli immigrati, sul difficile processo di creare una casa e trovare lavoro in un paese ostile ai migranti africani. Molte delle sue fotografie a colori si trovano in case sudafricane, anche se la Smith altrettanto spesso guida autobus e treni con i suoi soggetti, proprio come fecero Goldblatt e Mofokeng negli anni '1980, il decennio in cui nacque Willow. Di tanto in tanto, registra anche i detriti della vita cittadina: una pozzanghera di vetri rotti dal finestrino di una macchina, un pezzo di graffiti vagabondi dipinti su un cavalcavia.

Smith ha prodotto il suo saggio come parte del Gisèle Wulfsohn Mentorship in Photography, un nuovo premio sotto la supervisione del Workshop fotografico di mercato a Johannesburg. Fondato nel 1989 da Goldblatt come forum per rendere la fotografia accessibile a un gruppo demografico più ampio di quanto consentito dalla cultura dell'apartheid bianco, i diplomati del passato di questo istituto di formazione ora formalizzato includono Zanele Muholi, Jodi Bieber e Nontsikelelo Veleko. Accanto a Smith, altri neolaureati che generano interesse per il loro lavoro includono Mack Magagane, Musa Nxumalo e Thabiso Sekgala.

"Essere un africano gioca sicuramente un ruolo fondamentale nella percezione di Sekgala, che accusa con ironia", scrive Njami di questo fotografo nato a Soweto. Forse. Dopo aver visto corsa, il suo sicuro debutto alla Goodman Gallery di Cape Town, ho riconosciuto un abile fotografo editoriale e un documentarista stravagante le cui fotografie a volte oblique suggeriscono che Sekgala potrebbe essere l'erede evidente di quella fragile tradizione di cui ho parlato prima.

Thabiso Sekgala, Chiesa, Jabal Webdin, Amman,
2013. Cortesia: Goodman Gallery.

Sekgala ha generato per la prima volta interesse con il suo saggio sulla vita contemporanea negli ex Bantustan del Sud Africa, quegli stati neri nominalmente indipendenti che sostenevano la farsa dello sviluppo separato durante il regime dell'apartheid. Mescolando il paesaggio con i ritratti di soggetti giovanili, tutti presentati in modo cruciale a colori, le sue fotografie erano una logica parentesi di chiusura Ascesa e caduta dell'apartheid. L'opera a colori più recente di Sekgala mostra la vita di strada e la cultura dei caffè ad Amman, Bulawayo e Berlino. Sekgala è attratto da angoli di strade insoliti. Le sue fotografie mostrano un'abbondanza di auto parcheggiate e sedie vuote. Gokitima KgoPhala kekgo sepela, Bulawayo, un'opera del 2013 che mostra un pedone in abito che guarda il fotografo mentre cammina davanti a sei manichini nudi, mette in scena l'abilità di osservazione di Sekgala, la sfocatura e tutto il resto.

Una volta, non molto tempo fa, i fotografi erano generalmente convinti che questo genere di cose non fosse possibile con il colore. Ad essere onesti, la tecnologia disponibile non era dalla loro parte. Il colore elabora una dolcezza accentuata; la stampa era inaffidabile.

In un'intervista del 2006, Ojeikere ha osservato di "preferire sempre" la fotografia in bianco e nero. Perché? I risultati sono durati più a lungo. "Le fotografie a colori sbiadiscono in un periodo molto breve a causa della tintura di colore che hanno." Ma quello era allora. L'era del jet è arrivata e con essa un'intera generazione è stata dotata di ciò che Tom Wolfe una volta chiamava "la roba giusta".

Chiedi solamente!, a cura di Simon Njami, uscirà al Joburg Art Fair nel mese di agosto 2014.

Ascesa e caduta dell'apartheid è visibile al Museum Africa di Johannesburg fino alla fine di giugno.

Sean O'Toole è uno scrittore e co-editore di Cityscapes, una rivista critica per l'indagine urbana. Vive a Cape Town, in Sud Africa.