dicembre 2008

Art South Africa Volume 7: Numero 02
Stuart Bird; Latifa Echakhch; Dada Masilo; Blk Jks

CAZZO, CAZZO, CAZZO, CAZZO!

GLI OGGETTI DI STUART BIRD A VOLTE POSSONO ESSERE DIFFICILI DA GUARDARE, VISUALMENTE AGGRESSIVI, TRAMPICANDO UNA LINEA SOTTILE TRA CONTROVERSALE E OFFENSIVO, SCRIVE ROBERT SLOON.

alto - basso Stuart Bird, Morto sbagliato, 2008, neon;
Stuart Bird, Cuore a Cuore, 2006, imbuia intagliata, amo da pesca;
Stuart Bird, Armi tradizionali (dettaglio), 2008, legno intagliato,
acciaio, dimensioni variabili.

Stuart Bird è uno scultore, ma realizzato in una varietà di media; il suo lavoro si traduce in giochi di parole visivi e gag visive con battute cupe. In effetti, l'idea di un pugno è piuttosto significativa poiché le sue battute riguardano quasi sempre l'intersezione tra mascolinità, sesso, violenza e politica. Come un buon pugno, i suoi oggetti a volte possono essere difficili da guardare, visivamente aggressivi, calpestando una linea sottile tra il controverso e l'offensivo. Da bravo comico, è un bel posto in cui operare. La sua particolare estetica è racchiusa nella sua serie di bronzo dipinto Biscotti Zuma (2007), che ha ricevuto ampia attenzione dalla stampa nazionale dopo essere stata esposta per la prima volta in una mostra collettiva all'inizio del 2007.

"Dobbiamo parlare di quello?" lui chiede. "No", mento. Tuttavia, Biscotti ZumaL'umorismo nero e la presentazione brillante sono una buona introduzione. L'opera è la parodia di un noto biscotto, lo zoo ghiacciato di Baker, sostituendo le sue icone di animali amiche dei bambini con simboli - un AK-47, scudo, gonna e doccia tradizionali Zulu - che rappresentano le opinioni controverse espresse da Jacob Zuma durante il suo processo per stupro, nel 2006.

Bird, che sta completando il suo Master presso la Michaelis School of Fine Art presso l'Università di Cape Town, dice di aver scelto il biscotto per la sua popolarità tra i bambini, "come base per evidenziare la natura seducente della sua retorica e la sua posizione di influenza come politico del popolo ". A differenza del suo Biscotti Zuma, la maggior parte della produzione di Bird prende uno sguardo più generale, anche se più duro, alla sessualità e alla violenza maschili. Armi tradizionali (2008) è una serie di peni di legno che ricordano le manopole (o mazze da baseball). Dick come manganello è una vecchia barzelletta, consolidata da tempo in psicologia, ma la svolta è nelle armi che assumono una forma "tradizionale". Lo scherzo si è normalizzato, fa parte della nostra eredità, e la violenza contro le donne da parte degli uomini è diventata incredibilmente diffusa. Tuttavia, a causa della forma, il lavoro può essere visto come culturalmente specifico.

Bird dice: “Cerca di situare con fermezza la violenza abituale e normalizzata contro donne e bambini
all'interno della cultura egemonica forzata. Il lavoro cerca di essere culturalmente inclusivo in
la sua accusa attraverso la gamma tonale che si trova nei falli. L'allusione al club, o specificamente nel contesto sudafricano, il knobkerrie, funziona per fondare il lavoro nel locale, tuttavia la specificità culturale implicita è minata dalla gamma tonale ".

Cuore a Cuore (2006), mostrato nella sua mostra di laurea alla Michaelis Gallery, porta ulteriormente questa nozione di violenza sessuale radicata. Due placche a forma di cuore, una rosa confetto, l'altra azzurro polvere, si fronteggiano. La placca maschile ha un amo che sporge da essa, mentre la versione femminile è scavata a forma di vagina. I colori infantili e specifici per genere implicano l'indottrinamento di questi valori sin dalla giovane età.

I giochi di parole di Bird possono essere più complessi, come in Uva dell'ira, in cui passamontagna blu pendono minacciosi dal soffitto. Facendo riferimento all'omonimo romanzo di John Steinbeck, in cui lo scontro di vecchi valori con il capitalismo moderno disumanizza le persone e genera criminalità, l'opera riflette la disperazione e la povertà in Sud Africa. Assomigliano a strani frutti (nel senso di Billie Holliday), guardano chiaramente sia alla situazione attuale, di un crescente divario di ricchezza, sia al passato, dove la rapida urbanizzazione mescolata con le città dell'apartheid e le politiche razziste hanno creato un vino amaro.

Mentre le battute di Bird possono essere semplici, anche didattiche, si avventurano in un territorio complesso dove molti altri artisti si ritirano. Non ha nemmeno paura di ridere di se stesso. Nel Perso quello, ha costruito una vetrina attorno al proprio dente, messo fuori combattimento in una rissa. È un santuario della violenza maschile, ma allo stesso tempo personale e rammaricato, un memoriale della futilità del pugno.

Robert Sloon è l'alias online di un artista di Cape Town e fondatore di http://artheat.net.

Informazioni su Stuart Bird: Nato a Durban (1977), Bird di Cape Town ha lavorato come decoratore e restauratore di interni di chiese prima di iscriversi a Michaelis, dove ha completato il suo BA (FA) nel 2004, con una distinzione in scultura. Il suo lavoro è apparso in numerose mostre collettive, tra cui Come Again: New Work di Michaelis Masters Students (2008), alla Substation Gallery; Pronto (2008), a cura di Bettina Malcomess per la Kizo Gallery di Durban; e Sport con la palla (2007), a cura di Kirsty Cockerill per l'Association of Visual Arts, Cape Town. Il suo lavoro Biscotti Zuma è nella collezione della Iziko South African National Gallery.


LINGUA SENZA PAROLE

IL LAVORO DI LATIFA ECHAKHCH NON SOLO SULLE SOTTOLETTE DEL LINGUAGGIO, MANTIENE UN EQUILIBRIO POETICO TRA L'ALLUSIVO E IL REFERENZIALE, SCRIVE BEN BORTHWICK.

Latifa Echakhch, A Chaque Stencil une Révolution ("For Each Stencil A Revolution"), 2007,
carta carbone, diluenti per vernici, installazione specifica in loco. Foto: Ryan O'Toole.

Come molti dei migliori artisti francesi degli ultimi due decenni, la pratica di Latifa Echakhch è profondamente radicata nelle tradizioni dell'arte concettuale e caratterizzata da un'intensa attenzione alle sottigliezze, alle vicissitudini e alla forza storica del linguaggio. I materiali subiscono la minima trasformazione necessaria, determinando una materialità specifica che è cruciale per la costruzione del suo significato. Le connessioni tra gli elementi possono essere allo stesso tempo necessarie e arbitrarie, risuonando tra loro in modi logici e laterali. Nata in Marocco ma cresciuta e istruita in Francia, la pratica di Echakhch si inserisce comodamente in una mostra dei suoi coetanei, il cui lavoro è saturo di forme - e forma - di conoscenza letteraria, così come in una mostra che esamina la soggettività post-coloniale. Invece di soffermarsi su un senso astratto del potere del linguaggio, Echahkch denaturalizza il linguaggio del potere con un'infusione delle affermazioni surreali della burocrazia dell'immigrazione, mentre la sua riflessione sulla soggettività postcoloniale beneficia di un'abile sottigliezza che aggira il trattamento pesante questo soggetto riceve spesso.

Un punto di forza fondamentale del suo lavoro è che può operare in questi domini che normalmente si escludono a vicenda, mentre rifiuta di limitarsi a letture singolari sconvolgendo i rispettivi finali.

Uno di questi esempi di utilizzo del linguaggio "trovato" è ospitalità (2006). La frase "Espace a Remplir Par l'Etranger" ("Spazio da riempire dallo straniero"), appropriata dal modulo di immigrazione francese, è grossolanamente scolpita nel muro della galleria. Alla fine della mostra, la cavità incisa deve essere riparata, il tipo di lavoro di costruzione solitamente svolto dagli stessi immigrati il ​​cui lavoro mantiene bassi i salari ma non hanno diritto all'indennità di disoccupazione durante una recessione. Anche se questo spazio è perfettamente riempito e reso invisibile da una mano di vernice, la frase rimarrà, una cicatrice invisibile sotto il muro della galleria. Echakhch ha già lavorato con materiali culturalmente specifici come il cuscus e le stuoie da preghiera, ma rifiuta qualsiasi legame essenziale tra la sua soggettività e tali materiali. "Sono strani per me come qualsiasi occidentale", ha detto. “Posso identificarli come parte della mia cultura e, allo stesso tempo, mi sono completamente estranei. Non ci sono bicchieri da tè a casa mia. " Di conseguenza, un'opera come Errore di stampa (2004), in cui migliaia di bicchieri da tè marocchini vengono gettati individualmente contro il muro, sfregiandone la superficie e cadendo in frammenti sul pavimento, è allo stesso tempo un'articolazione violenta delle dinamiche mappate dalla citazione sopra, ma anche un rifiuto spietato di supposizioni compiacenti che "noi" potremmo conoscere la persona solitamente descritta come "Latifa Echakhch (nata nel 1974, El Khnansa, Marocco)".

Importante quanto i materiali è il modo in cui si materializzano nello spazio. Ogni installazione conserva le possibili letture delle fonti dei materiali, ma allo stesso tempo offre una serie di alternative, comprese le connessioni storico-artistiche. I luccicanti frammenti di vetro di Errore di stampa legare insieme pratiche formali e storiche disparate per mappare (in tre dimensioni) la complessità visiva della pittura di Colourfield, la malinconica ritrattistica astratta dei 'tappeti' dell'involucro di caramelle di Felix GonzalezTorres, persino le qualità fisiche e temporali dei Lancio di piombo (1969). Recentemente ho curato la mostra di Echakhch Speaker's Corner alla Tate Modern. Composto da due installazioni contrastanti, esamina diverse articolazioni del potere statale e delle forme di dissenso attraverso i materiali piuttosto che il linguaggio. La prima installazione, A Chaque Stencil Une Révolution (2007), è un ambiente con pareti ricoperte da fogli di carta carbone bianca, il materiale obsoleto dell'amministrazione kafkiana che è stato utilizzato anche dagli studenti nel 1968 per duplicare trattati e manifesti radicali. Le pareti sono state cosparse di diluenti per vernici altamente infiammabili che hanno filtrato il colore dalla carta carbone in pozze di pigmento essiccato sul pavimento, il che implica che questo "progetto di rivoluzione" è privo di possibilità.

La pittura di questo spazio riporta alla mente i pittori di Colourfield, in particolare le tele di Morris Louis e il grande dipinto astratto blu di Clyfford Still 1953 (1953), che questi artisti consideravano strettamente legati alla loro politica radicale. Ma Chaque StencilL'uso del colore e della forma immersiva indica anche uno dei grandi precursori dell'astrazione su larga scala, il soffitto blu della Cappella dell'Arena di Giotto (1302-06). (Sono altrettanto tentato di associare la griglia di carta carbone con lo spettro dei colori dei tessuti Touareg, ma forse un'associazione migliore è il blu infinito delle piastrelle moresche.)

L'ambizione e la gamma di queste possibili interpretazioni rivelano le potenzialità della pratica di Echakhch, indipendentemente dal fatto che l'artista ne sia consapevole o addirittura sia d'accordo con esse. Il suo lavoro mantiene un equilibrio poetico tra l'allusivo e il referenziale, in cui ogni progetto è al tempo stesso ancorato allo specifico, ma apre un'ampia gamma di connessioni poetiche. A questo proposito, offre uno spaccato del ruolo del politico nell'esperienza vissuta, spostandosi costantemente dal conscio all'inconscio, alludendo allo storico come modo per informarci sul presente. Queste letture potrebbero non essere immediatamente ovvie ma sono chiaramente identificabili se scegli di vederle, anche se guardi ancora più attentamente e ti faranno mettere in dubbio le certezze che inizialmente sembravano promettere.

Ben Borthwick è assistente curatore alla Tate Modern e co-direttore di Butcher's, uno spazio di progetto a Londra. Ha recentemente curato Latifa Echakhch: Speaker's Corner alla Tate Modern.

Informazioni su Latifa Echakhch: Nato a El Khnansa, Marocco (1974), Echakhch vive a Parigi e Zurigo. Un abile corridore di lunga distanza prima di diventare un'artista praticante, le sue mostre personali includono Interfaccia 2007, Digione; promessa (2006), all'Ecole des Beaux Arts, Valence; Deserto (2005), presso Show Room, Parigi. Seleziona mostre collettive includono Flusso (2008), allo Studio Museum, New York e Femminismo globale (2007), al Brooklyn Museum, New York. La curatrice Hou Hanrou ha elogiato la "sensibilità sottile e pacifica" che mostra nei suoi "progetti artistici e intellettuali che evocano un forte coinvolgimento con la realtà del postcolonialismo e della globalizzazione".


5-6-7-8, 5-6-7-8… AH, CAZZO!

LA BALLERINA DADA MASILO È UNA CALDA PROPRIETÀ, LE SUE PRODUZIONI DI LAVORO CANONICO SOTTOSCRITTE DA UN RISPETTOSO ICONOCLASMO CHE SI ATTIVA DA UN'INTIMA CONOSCENZA DELLA MATERIA. DI ROBYN SASSEN.

alto - basso Dada Masilo a condurre il ballo
sessione. Foto: John Hogg; Dada Masilo nel
ruolo del titolo di Romeo e Giulietta, Festival Nazionale delle Arti,
Grahamstown. Ogni settimana Dada Masilo insegna
balla con un gruppo di bambini dagli otto anni in su.

“Vorrei morire per combustione spontanea”, dice Dada Masilo. Questo non è un sentimento convenzionale per una ballerina classica, ma Masilo, che ha ballato in Ciajkovskij Suite Schiaccianoci da bambino e spesso si allena in sessioni con SA Ballet Theatre, non è un ballerino convenzionale. All'età di 23 anni è una specie di carta vincente nei locali di danza locali e internazionali, il suo lavoro con il coreografo PJ Sabbagha spinge la busta completamente fuori forma. Tre anni fa Masilo è esploso sulla scena della danza contemporanea con un coinvolgimento ardente con la tradizione classica europea che ha fatto sedere i critici e prendere nota. Durante il suo esame finale presso i Performing Arts Research and Training Studios di Anne Theresa de Keersmaeker, una scuola di danza contemporanea con sede a Bruxelles, le è stato detto di essere più vulnerabile sul palco. Masilo ha risposto ballando morente, morente, morto, dall'opera più famosa del compositore Camille SaintSaëns The Swan –Scritta per violoncello e eseguita per la prima volta nel 1886. Il gioco di gambe di Masilo era impeccabile. Per quanto riguarda il suo coinvolgimento con le critiche del suo insegnante: è andata in topless. Ma Masilo non fa cose per pubblicità. Sostiene il valore della bellezza nella danza, questo residente di Johannesburg sottolinea che il mondo contemporaneo è lungi dall'emulare quello.

L'anno scorso, la più giovane dei vincitori dello Standard Bank Young Artist Award, ha entusiasmato il pubblico del National Arts Festival di Grahamstown con la sua produzione di Romeo e Giulietta. Assistiti da PJ Sabbagha e Gregory Maqoma, i critici sono rimasti sbalorditi dalla performance di Masilo nei panni di Juliet, sostenendo che se avessi visto questa produzione in apertura del festival, potresti anche tornare a casa: ha stabilito uno standard che non sarebbe stato superato. Avevano ragione. "Non potevo crederci", dice Masilo, schietto che prevale sulla modestia. “Non sono mai soddisfatto del mio lavoro. Quando avevo 14 anni, un insegnante mi ha detto che sei bravo solo quanto la tua ultima esibizione; questo è sempre rimasto con me. "

A 17 anni, si è rasata il cuoio capelluto, incasinando le nozioni su come dovrebbe essere un ballerino classico. La sua oscurità non è un problema per lei. “La metà delle volte non ricordo di essere nero. Io sono Dada per primo. In Russia, abbiamo ballato in una piccola città chiamata Kostroma. Le persone mi sputavano addosso, ma erano anche affascinate nel vedere che il colore non si staccava ”, sorride. "Preferisco ballare alle coreografie", afferma in modo arcigno questo ballerino indipendente. "PJ Sabbagha abusa di me!" Lei ride. “Vengo colpito e ferito dal lavoro. Il lavoro di PJ opera emotivamente. Non ci sono passaggi coinvolti; si tratta di rispondere al lavoro ".

Il repertorio di Masilo è vario. Adotta il canone classico con un'iconoclastia rispettosa che attinge dalla sua conoscenza intima del materiale che smentisce di gran lunga la sua giovinezza, mentre si confronta con le emozioni rappresentate. Usando la musica come una tavolozza, mentre fa i gesti, si assume la proprietà unica del lavoro. Romeo e Giulietta, per esempio, inizia con l'ouverture di Prokofiev - "per farla finita", spiega. Quindi fonde una combinazione di musica non creata per la danza, che va da Vivaldi e Bach a Phillip Glass.

Ha debuttato con la sua produzione Il mondo, il mio culo e altre cose grandi e rotonde, un viaggio attraverso il femminismo, con la musica di Meredith Monk e del compositore estone contemporaneo Arvo Pärt, nel 2005. “L'ho fatto perché ero arrabbiata”, dice del progetto, che è un palinsesto del gruppo del 2005 e dei lavori solisti del 2007. È un pezzo conflittuale, che tratta dei preconcetti delle donne nella società. “Sei sempre fatto per essere consapevole di te stesso. Non hai la libertà di esserlo. " La costruzione degli assoli è un calvario per lei, ammette: "Improvvisamente sono molto timida". Masilo ride, offrendo spavalderia per coprire ogni suggerimento di vulnerabilità. "Mi sento solo sul palco." Proveniente da una ballerina che ha la capacità di attirare la tua attenzione, sia che sia sola sul palco o che balli con un ensemble di 50 ballerini, questo è interessante. È un punto da non perdere per questa eccitante giovane ballerina. "Si tratta di confronto - con te stesso."

Robyn Sassen è direttore artistico del Rapporto ebraico SA.

A proposito di Dada Masilo: Nato a Johannesburg, Masilo si è immatricolato presso la National School of the Arts di Braamfontein, Johannesburg, nel 2002, laureandosi in danza classica. Nel 2003, ha ballato per il Jazzart Dance Theatre a Cape Town, con Alfred Hinkel. Ha vinto una borsa di studio per studiare per due anni presso i Performing Arts Research and Training Studios di Bruxelles. Nel 2008 ha ricevuto lo Standard Bank Young Artist Award for Dance. Attualmente sta lavorando a un pezzo per Dance Umbrella nel febbraio 2009; il lavoro si propone di “svelare” Bizet Carmen.


AFRO-AVANT-noise-rock-GRRRRRRR!

I BLK JK SONO UN QUATTRO PEZZI JOBURG DAL SUONO INCLASSIFICABILE. SONO BUONI, COSÌ BUONI INFATTI CHE HANNO GIÀ UNA MITOLOGIA SU DI LORO. DI FRED DE VRIES.

alto - basso Mpumi Mcata in viaggio con la cantante dei Blk Jks Linda
La casa di Butelezi a Spruitview, Johannesburg; Mpumi Mcata
scanalatura; Il Blk Jks (da sinistra a destra) Tsepang Ramoba,
Linda Buthelezi, Mpumi Mcata e Molefi Makananise. Fotografie:
Michael MacGarry, agosto 2007, agosto 2007.

Può una rock band eccitare ancora quando sente che tutto è stato fatto prima e che tutto è formattato meccanicamente e mirato? Quando la spontaneità sembra una parolaccia. I quattro pezzi Blk Jks di Joburg possiedono ancora un po 'di quell'antica magia. È nel modo in cui le loro dita si collegano senza sforzo alle corde, quel potere naturale che puoi anche vedere nei video di Jimi Hendrix degli ultimi giorni. Ti dà un brivido, una sensazione elettrica, la consapevolezza che stai guardando qualcosa di speciale. È anche nel modo in cui le chitarre e la sezione ritmica si fondono come pennellate di pittura su una tela, con motivi e colori che rifiutano di seguire le regole e sfidano la categorizzazione.

È impossibile etichettare i Blk Jks. "Rock" non è sufficiente. Quindi canonizziamoli. Tracciamo una linea che va da Robert Johnson e Jimi Hendrix, passando per Parliament, King Tubby e Steel Pulse, passando per Living Color e Basement 5 fino a Bad Brains e Tricky. Il che ancora non ti dà il quadro completo, perché da qualche parte lungo la linea pezzi di kwaito e jive della township sono stati aggiunti al mix.

Previsione: Joburg non manterrà i Blk Jks. Sono come la tua splendida nuova ragazza che sai che perderai molto presto. Quelli di noi che li hanno visti apprezzeranno quel ricordo e racconteranno l'esperienza nello stesso modo in cui le persone parlano di vedere i Sex Pistols, Prince o i Velvet Underground. Non terremo i Blk Jks perché saranno sedotti da Londra o New York e saranno annunciati come la prossima grande cosa dall'Africa. Sono già a metà strada, dopo essersi esibiti all'SXSW di Austin e aver registrato negli seminali Electric Lady Studios di New York, originariamente costruiti per Jimi Hendrix nel 1969. Non male per un gruppo di ragazzi che sono cresciuti a Spruitview e Soweto e si prendono un'ora per sintonizzarsi quando suonano nella Casa di Ntsako di Brixton. Anche questo soundcheck si trasforma in un ambient jam, in cui non sei sicuro se si tratta di una canzone o se hai solo il tono giusto. È un po 'una delusione quindi, quando dopo questo spaghetto senza fine, il suono è decisamente kak.

Non così per i loro due EP in vinile da 10 pollici. Il primo, uscito nel 2007, in un'edizione limitata di 500, aveva due brani: Lakeside e il lugubremente orecchiabile Uno deve morire. È arrivato avvolto in una ruvida copertina di carta marrone con la scritta "BLK JKS". La seconda versione, con un'immagine nebbiosa della sagoma di cinque pescatori che calpestano l'acqua, vista attraverso le canne, ha quattro tracce. È un caleidoscopio in continua evoluzione di suoni e ritmi, con un ritornello orecchiabile inserito per buona misura e la chiara possibilità di una riproduzione radiofonica 5FM.

Il suono di Joburg? Sarebbe troppo facile vedere la musica come un viaggio attraverso la metropoli, diciamo da Spruitview via Soweto a Killarney, oltre edifici abbandonati, sogni infranti e campi da calcio vuoti fino a complessi di sicurezza
con piscine private. Troppo facile, perché è tutto anche nella mente. Questo è il luogo delle infinite possibilità, dove le visioni emergono attraverso nuvole di fumo dolce, traducendosi in uno spazio musicale dove un drone e una melodia si sfidano, senza un chiaro vincitore.

Ma ciò che rimane è quel momento fugace nella House of Ntsako, quando la chitarrista Linda Buthelezi, vestita di nero, ha avvolto le dita intorno al collo del suo strumento e ha suonato quei primi accordi intrisi di feedback. Questo andava oltre il bello, il sexy o il funky. Non durò a lungo, ma per un breve istante suggerì un'unità, una specie di ibrido futuristico uomo-chitarra che era in contatto con la nuvola astrale dove risiedono Sun Ra, Coltrane e Hendrix. Nel profondo dell'oscura Brixton, il piccolo palcoscenico della Casata di Ntsako divenne l'astronave, pilotata dai Blk Jks, noi discepoli, alla deriva nell'oscurità, mal di mare nelle orecchie delirante.

Fred De Vries è giornalista e autore del libro Club Risiko (2006), un resoconto della scena musicale underground europea degli anni '1980.

Informazioni su Blk Jks: Formata all'inizio del 2000 da Mpumi Mcata (chitarra) e Linda Buthelezi (voce), amici d'infanzia di Spruitview nell'East Rand, la band è stata ufficializzata quando Tshepang Ramoba (batteria) e Molefi Makananise (basso), entrambi di Soweto , sono stati reclutati come sezione ritmica della band. Dopo aver pubblicato un EP di debutto omonimo (2007), premuto per un'esibizione al Museo dell'Apartheid, la band è stataFADER l'editore della rivista Knox Robinson, seguita da un'offerta dell'etichetta Mad Decent, distribuzione di 10 pollici da collezione di Lakeside ad Other Music (New York) e Rough Trade (Londra), e inviti a concerti in Europa e negli Stati Uniti (incluso il New York's New Museum). La band è apparsa sulla copertina dell'edizione primavera 2008 di FADER. Il loro suono, che fonde riferimenti musicali diversi come il jazz cittadino, il groove e il reggae di Fela Kuti con il metal dei primi anni '1970, è stato brevemente descritto come "Afro avant noise rock"