dicembre 2007

Pubblicato per la prima volta in Art South Africa Volume 6: Numero 02

Anthea Moys; Simon Gush


GIOCA CON ME
PER ANTHEA MOYS REALIZZARE L'ARTE È UN MEZZO PER CATTURARE, DIMOSTRARE E RICORDARE TUTTE LE ANIME VOLTE CHE È COME SEMPLICEMENTE GIOCARE, SCRIVE TEGAN BRISTOW.

Anthea Moys, 94.7 Cycle Challenge, 2007, ancora dalla performance messa in scena a Johannesburg.

All'inizio di quest'anno, in una sera nei giorni feriali di agosto, la Bag Factory ha ospitato Reazione, una sola notte di performance art guidata da Johan Thom. Entrando nella fabbrica di borse, ho visto Anthea Moys guidare una banda di volontari vestita in modo assurdo facendo aerobica - esibiva un sorriso altrettanto assurdo sul viso. Anche se non sono un tipo partecipativo, volevo unirmi e ridere della ragazza che stava scuotendo il suo sedere nel modo sbagliato.
Moys esige molto poco dal suo pubblico ma attraverso le sue esibizioni e il suo lavoro video ti afferra per un braccio e ti ricorda i pomeriggi trascorsi giocando con altri bambini, di celebrare ciò che il tuo ambiente può offrirti, di un tempo in cui sei scivolato in una pozzanghera e pensato che fosse lo scherzo più grande del pianeta. Eppure è con un certo peso che Moys, che attualmente sta completando il suo AMF alla Wits University, spiega la serietà delle sue intenzioni.
All'inizio del 2006 ha visitato Sierre, in Svizzera, per partecipare a un programma Master of Arts in Public Space (MAPS). Fu in Svizzera che le nozioni di gioco e spazio pubblico si unirono per Moys. È iniziato con La serie di incidenti, una sequenza video in cui ha incidenti, letteralmente. Non era sua intenzione procurarsi incidenti; Moys si è semplicemente imbattuto in loro inizialmente. Iniziò in una passeggiata esplorativa un giorno soleggiato quando saltò su una recinzione in un bellissimo campo innevato e affondò il collo in profondità nella neve. Si è salvata "nuotando sulla neve".
"Questa esperienza rappresenta per me ciò che significa davvero recitare", afferma Moys. “La situazione era potenzialmente giocosa e pericolosa, ed è nella tensione tra questi due che esistono le mie idee di gioco.
Una volta che Moys ebbe nuotato, sistemò il suo treppiede (che era uscito con lei) e si vide fotografare nuotando nella neve.
Con il suo brillante contrasto di colore e attività, La serie di incidenti ricorda il lavoro video dell'artista svizzero Pippilotti Rist. In un segmento, slittamento, Moys scivola sul ghiaccio ancora e ancora finché non cade e batte la testa; in Scorrevole scivola letteralmente lungo un pendio scivoloso fino a quando non si taglia un dito sul ghiaccio. Queste opere ansiose ma divertenti dimostrano il fascino di Moys per il gioco: non solo gioca con i limiti dell'ambiente, ma spinge anche alle proprie capacità, spingendo fino a quando qualcosa come un dito sanguinante interviene e il gioco è finito.
"Il gioco è una cosa transitoria che si basa su strutture esistenti", afferma Moys, disimballando la sua nozione di gioco. "In gioco sovvertiamo le reali intenzioni e funzioni delle strutture nel nostro ambiente immediato." Al suo ritorno a Johannesburg lo scorso anno, Moys ha partecipato alla 94.7 Cycle Challenge: vestita con attrezzatura da ciclismo, ha posizionato la sua cyclette su un tratto di strada trafficata e ha pedalato - solo che non andava da nessuna parte. “L'atto era in qualche modo aneddotico, ora lo vedi, ora non lo fai. È stato il mio impegno per il momento presente mentre tutti gli altri erano impegnati con l'obiettivo schiacciante di vincere. ”
Gli interventi vitali di Moys, che si sono manifestati in diverse occasioni e località in giro per la città quest'anno, sono progettati per spostare le prospettive delle persone sugli eventi quotidiani e offrire un nuovo potenziale agli ambienti eccessivamente funzionali. Più di recente, a fine settembre, ha organizzato lo spettacolo pubblico, Gioca a City. "Stiamo sfruttando l'area" sicura "istituita a Newtown Johannesburg dall'Arts Alive Lockdown", ha dichiarato Moys. Ha organizzato un percorso a ostacoli non sensato, una gara competitiva composta da sette partite su e intorno a Mary Fitzgerald Square. Per molti è stato un invito a esplorare uno spazio che avevano attraversato solo in precedenza, per altri ha permesso un momento di giocoso impegno tra sconosciuti per strada. Il più memorabile per me è stato guardare i giocatori, che seguivano con gratitudine le regole, cercando di convincere i passanti a partecipare a una gara a tre zampe. Immagina un disadattato informatico che convince la venditrice femminile a vendere pap per saltare lungo la strada; o vedere una squadra di guardie di sicurezza fare volontariato nei loro servizi proteggendo e guidando i giocatori bendati mentre navigavano in un campo minato di bancarelle del mercato. Con le intenzioni più serie, Moys ha fatto ridere un'intera strada di persone.
Tegan Bristow è un artista con sede a Johannesburg e docente di media digitali interattivi presso la Wits School of Arts.
Informazioni su Anthea Moys: da quando ha completato il suo BFA nel 2004, Moys con sede a Johannesburg ha partecipato a numerose mostre collettive, tra cui la mostra curata di videoarte di Trasi Hennen, Art in the Dark (2005) Kazoo - è una cosa d'arte dal vivo presso The Premises Gallery (2006) e Risposta armata 2 al Goethe Institut (2007), che ha co-curato. Un partecipante a Kin: Be: Jozi, un progetto di scambio tra artisti di Berna, Kinshasa e Johannesburg, recentemente presentato Moys Interruzione, la sua mostra personale di debutto in adempimento del suo MAE, alla Intermission Gallery, 195 Jeppe Street, Johannesburg. Video di Moys, Snowswimming, è stato selezionato per Spier Contemporary. Vedere Progetto di boxe, visita http://kinbejozi.blogspot.com/ or www.antheamoys.com .

TERRENO UNCOMMON
DURANTE UNA RECENTE VISITA IN CILE, SIMON GUSH HA CHATTATO CON PHILIPPE VAN CAUTEREN E THOMAS CARON, DEL MUSEO SMAK DEL BELGIO A GHENT, CIRCA LATITUDINE, PRENDERE POSIZIONI E RALLENTARE IL CONSUMO DELL'ARTE.

Simon Gush e Dorothee Kreutzfeldt, 3 Point Turn, 2007, realizzato da Sam Matentji Point Blank Gallery / Twist Street, Drill Hall, Johannesburg.

Philippe Van Cauteren: Santiago è alla stessa latitudine del Sudafrica. Ne parlo perché, nel tuo lavoro, stai studiando contesti, ambienti o situazioni. Come percepisci Santiago?
Simon Gush: Trovo difficile fare dichiarazioni generali su Santiago. Sono riluttante a commentare dopo così poco tempo.
PVC: Tuttavia, l'azione specifica del tuo sito a Kolkatta, in India, Trasloco (2006), che è stato prodotto anche in un breve periodo di tempo, potrebbe essere letto come un commento su quel contesto. In particolare, hai scelto Chaudhuri Bari come posizione e assunto sette risciò per biciclette per cercare di far avanzare l'edificio.
SG: Ero interessato a esplorare la questione del lavoro in un contesto straniero. Penso che quando un artista fa questo, vi sia una transazione in base alla quale spesso prende più di quello che dà. L'esperienza di guida in risciò in India è stata interessante per me in relazione a questo perché i conducenti hanno il loro potere, nel senso che sono sindacalizzati e quindi hanno un libero arbitrio. Ma anche se uno ne è consapevole, sta ancora pagando per essere trascinato da un altro essere umano. L'ho trovato molto scomodo. Volevo in qualche modo esporre questo tipo di sentimento. Il lavoro, Trasloco, riguarda tanto l'assunzione dei risciò quanto lo è in realtà cercare di far avanzare la casa.
PVC: Gli artisti cileni sono spesso legati alla storia della dittatura di Pinochet o alla genealogia dell'arte contemporanea cilena. Come giovane artista con una particolare relazione con l'apartheid, in che modo la storia politica del tuo paese ti influenza nel posizionarti come artista in altri contesti?
SG: Da quando mi sono trasferito in Europa, sono stato più consapevole della misura in cui crescere in Sudafrica ha definito l'approccio al mondo. Detto questo, non voglio essere visto esclusivamente come artista sudafricano. Penso che questa etichetta abbia troppo effetto sul modo in cui un pubblico non sudafricano legge il lavoro. Cerco di evitarlo perché lo spettatore tende a fare affidamento su idee preconcette quando interagisce con un pezzo.
Thomas Caron: Ma riesci ad allontanarti dall'essere sudafricano quando l'argomento del tuo lavoro è coinvolto nell'essere cresciuto in questo contesto? Ad esempio, i tuoi interessi nelle relazioni di potere?
SG: Penso che sia importante che i sudafricani inizino a posizionare le loro discussioni in un contesto più globale e a partecipare a discussioni più ampie. Le cose che mi interessano non esistono solo in Sudafrica.
TC: È possibile trasportare questi problemi a livello globale quando sono sempre molto specifici del contesto?
SG: Non credo che quando lavoro in Belgio, Cile o India i miei problemi siano specifici per il Sudafrica. Il mio obiettivo è cercare di evitare le generalizzazioni esaminando come particolari dettagli in diverse situazioni potrebbero contribuire a un dibattito più ampio.
PVC: In una delle nostre precedenti discussioni, eri l'unico partecipante a dire che un artista doveva prendere posizione. Come ti posizioni come artista e come vedi la posizione dell'artista in generale?
SG: Non cerco di assumere una posizione statica o prioritaria, ma penso che gli artisti debbano assumersi la responsabilità del sistema in cui hanno scelto di lavorare. Come artista, si ha un'agenzia e una voce insieme all'accesso a un pubblico. In relazione al mercato, ad esempio, non mi sento fuori di esso. Le opere d'arte che sono apertamente critiche nei confronti del mercato vengono spesso assorbite rapidamente in esso, ad esempio il lavoro di Santiago Sierra. Penso che il mercato dell'arte sia un riflesso del capitalismo globale. Il potere di quest'ultimo si rispecchia nella forza del mercato. Sento di avere la responsabilità di agire al suo interno per cercare di rallentare il consumo dell'arte che produco. Mi piacerebbe se ci fosse un modo per trattenere qualcosa nel lavoro, in modo che ci sia una parte che non può essere acquistata e venduta.
TC: Ma come funziona la tua azione 21 Gun Salute per la morte di un collezionista (2007) resistere al mercato? Stai vendendo qualcosa, in questo caso un saluto da 21 colpi che può avvenire solo dopo la morte del collezionista.
SG: Il lavoro fa parte del mercato e progettato di conseguenza. C'è un rifiuto letterale dell'opera, nel senso che il collezionista può avere l'opera solo dopo la sua morte. Ma soprattutto, propone una relazione diversa con il collezionista. Il certificato che contiene entrambi i nostri dettagli ci collega. Pertanto, devo assumermi la responsabilità della mia associazione con il collezionista e deve assumersi una diversa responsabilità per il lavoro. Il collezionista è legalmente tenuto a non vendere il lavoro fino a dopo il completamento della performance. Pertanto non può essere un investimento per il guadagno personale del collezionista durante la sua vita.
PVC: In un certo senso, penso che molti artisti si nascondano dietro il loro lavoro. Ho l'impressione che non ti stia nascondendo dietro il tuo lavoro ma che ti stia accanto. È un approccio molto diverso alle cose che fai come artista.
SG: Cerco sempre di coinvolgermi nella mia pratica e, ad un certo livello, anche nel pubblico. Ad esempio, nel mio pezzo con Dorothee Kreutzfeldt, Rotazione a 3 punti (2007), cerco di far sì che il pubblico si assuma la responsabilità della partecipazione all'opera, anche se il loro ruolo è quello di interpretare Sam Matentji, un ex autista di minibus-taxi, facendo un giro di tre punti e guidando su un occupato in un modo strada. L'azione è stata vista dal balcone della Point Blank Gallery e dalle persone per strada quel giorno. Non era comodo da guardare.
Penso che queste idee non siano estranee al concetto di Philippe, che all'inizio potrebbe sembrare ingenuo, di tentare di realizzare un manifesto nel 21 ° secolo. L'intero processo richiede domande complicate sulla nostra capacità di interagire con la politica. Fa un tentativo di agire in modo positivo, anche se si è consapevoli che potrebbe non esserci alcun risultato concreto da esso. Si trattava di processo.
Philippe Van Cauteren è direttore artistico di SMAK, il Museo Civico di Arte Contemporanea di Gand, in Belgio; Thomas Caron è curatore presso SMAK.
Informazioni su Simon Gush: Nato a Pietermaritzburg (1981), Gush ha completato il suo BFA presso Wits (2003). Attualmente candidato all'Hoger Instituut van Schone Kunsten (HISK) di Gand, in Belgio, ha recentemente tenuto la sua prima mostra commerciale, Saluto, alla Galleria Michael Stevenson. Fondatore e curatore della Parking Gallery, uno spazio di progetto temporaneo in Pritchard Street, Johannesburg, ha partecipato a numerose mostre collettive, tra cui Fuori posto, apri l'archivio n. 1, ad Argos a Bruxelles, e Anteprima, presso la Point Blank Gallery, Johannesburg (2005).
Questa è una versione modificata di una discussione tenutasi a Santiago, in Cile, il 30 ottobre 2007, durante la preparazione della mostra El Manifiesto de Santiago / Das Santiago-Manifest, avviato da Philippe Van Cauteren presso il centro culturale Matucana 100. Il progetto ha tentato di scrivere un manifesto come obiettivo principale e ha incluso Gush come partecipante. Per maggiori informazioni: www.m100.cl.