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Daniella Mooney

Art South Africa Volume 12: Numero 03

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Jody Paulsen, ogni tipo di umore, 2013. 16 abiti in feltro sintetico, appendiabiti in legno e binario. Fotografia per gentile concessione di Malibongwe Tyilo per Skattie What Are You Wearing?

Quando Ed Ruscha iniziò a pubblicare lavori di graphic design negli anni '1960, fu fatto sotto il moniker di "Eddie Russia"1, un gesto che caratterizza il tipo di autocosciente avversione per essere associato al design che è stata storicamente sostenuta dagli artisti. Le riserve sono solitamente incentrate sulla percezione che a causa dell'adempimento pagato di una qualche forma di funzione prescritta, il design esiste come il cugino commerciale “tutto esaurito” dell'arte. Non senza ironia, è proprio a causa di questa percezione che gli artisti in molte occasioni sono passati al design come mezzo creativo per integrare i propri guadagni. Il contrario, "Beh, il design è la mia passione ma produco arte per sbarcare il lunario", non è ancora abbastanza comune. Al di là di qualsiasi nozione di commercio, tuttavia, molti artisti trovano sempre più il duplice impegno nell'arte e nel design per essere vantaggioso per la loro pratica generale, formando un dialogo interrelato che informa la loro produzione in entrambe le sfere. Questo articolo discuterà di tre artisti praticanti di Città del Capo che stanno negoziando con successo il filo del rasoio fluttuante tra la produzione di arte e il lavoro simultaneo con il design.
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Jody Paulsen, la mappa frocio universale, 2013. Feltro e colla. Fotografia per gentile concessione di Malibongwe Tyilo per Skattie What Are You Wearing?

Un artista che ha pienamente abbracciato il lavoro tra i due è Jody Paulsen, neolaureata Michaelis MFA. Ispirato da artisti come Yayoi Kusama, Tracey Emin e Sarah Lucas, Paulsen si è fatto un nome negli ultimi tempi con i suoi collage di feltro su larga scala e la sua continua collaborazione con lo stilista Keith Henning per l'etichetta Adriaan Kuiters di Henning. Il rapporto di lavoro di Paulsen con Adriaan Kuiters è iniziato all'inizio del 2013 quando i lavori commissionati da Julia Rosa Clark, Georgina Gratrix e lui stesso sono stati stampati su tessuto e utilizzati per produrre una gamma di camicie da uomo e da donna in edizione limitata. Subito dopo l'associazione è cresciuta al punto che Paulsen ha preso cinque settimane di pausa dal lavoro alla sua mostra MFA per collaborare alla gamma Adriaan Kuiters che ha debuttato come parte della Mercedes Benz Cape Town Fashion Week nell'agosto 2013. Con un colpo spettacolare, la moda la mostra si è svolta nella Iziko South African National Gallery, inserendo letteralmente arte e moda nello stesso spazio. Sfruttando appieno la natura dello spazio, opere di artisti come Georgina Gratrix e Athi Patra Ruga sono state appese nella sala per dialogare con l'evento principale. Paulsen abbraccia il rapporto tra arte e fashion design a braccia aperte, con l'obiettivo di coltivare un dialogo sostenuto tra i due nel suo lavoro. Da un lato, condurre una sfilata di moda nella galleria nazionale ha assicurato che la linea fosse mostrata in un contesto molto più ricco rispetto al Cape Town International Convention Center (dove sono state svelate tutte le altre voci della settimana della moda tranne una). Al contrario, la funzionalità dell'abbigliamento fa molto per "mantenere l'arte radicata". Come afferma l'artista, “In un certo senso sembra più umano. Ogni giorno, non importa chi sei, aprirai il tuo guardaroba, guarderai i tuoi vestiti e deciderai cosa indossare. Sembra che tu stia facendo qualcosa di utile. A volte l'arte può essere così inebriante e con il design dell'abbigliamento sembra che sia qualcosa di più radicato, qualcosa per le persone ". Attualmente lavora a collage di feltro per lo stand di BRUNDYN + all'imminente Cape Town Art Fair, oltre a una nuova linea con Adriaan Kuiters per Design Indaba, Paulsen sembra destinato a continuare su questa traiettoria parallela.
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Daniella Mooney, Parquet, 2012. Tela marina, impiallacciatura mista, tela, meranti, mogano africano, mogano sapele, sedia antica restaurata con schienale. Immagine per gentile concessione di Whatiftheworld e Hayden Phipps.

Per la scultrice Daniella Mooney, un problema presente in entrambi i campi risiede nell'attitudine all'artigianato e al processo di produzione dell'opera dal nulla. L'artista osserva che “così spesso all'interno della scultura c'è una tendenza a esternalizzare la produzione dell'opera, il che a un certo livello intrinseco toglie la connessione dell'artista al processo”. Decisamente pratica nel suo approccio, l'attenzione ai dettagli nella costruzione è diventata un segno distintivo del lavoro di Mooney. Forse come conseguenza di questo atteggiamento, ha trovato il suo lavoro abbracciato dalla sfera del design senza cercarlo intenzionalmente. Come risultato dell'acquisto da parte degli organizzatori del lavoro della sua mostra del 2011 "Forse la tua magia sta funzionando" presso la galleria Whatiftheworld di Cape Town, Mooney è stata invitata a contribuire con un nuovo pezzo alla vetrina annuale di design di Southern Guild nel 2012. Il compito era di produrre un "funzionale" oggetto ”, una nozione che l'artista ha scelto di interrogare e con cui contestare Parquet (2012). Incorporando un aspetto funzionale nella forma della sedia, il lavoro lancia contemporaneamente un giocoso coltello da taglio nelle opere con il parquet drappeggiato sulla parte anteriore di esso. Qui Mooney sfida con leggerezza lo spettatore a sovvertire l'impressione consacrata "guarda ma non toccare" dell'oggetto artistico e si siede. Nonostante il prodotto finale sia considerato dall'artista come "puramente scultoreo", il lavoro è valso a Mooney la copertina del supplemento Wanted di Business Day nell'agosto 2012 sotto il titolo "Design Champions: The Hottest Local Talent". Sufficientemente colpita, la Southern Guild la invitò a contribuire di nuovo l'anno successivo. Promuovendo la sua ricerca per espandere le sue abilità pratiche, Mooney ha collaborato con Yogide Beer, un vasaio specializzato nella creazione di pentole a ruota su larga scala. Il risultato finale, La porta per l'invisibile deve essere visibile (2013), era un arco catenaria autoportante realizzato in porcellana e granito. Fortemente intriso dell'affinità chimerica di Mooney per la natura, porta ha ottenuto il duplice effetto di spingersi ulteriormente nel territorio del design mantenendo i tratti distintivi della sua pratica. Sarebbe seduto altrettanto comodamente in una mostra d'arte come ha fatto insieme al lavoro di alcuni dei principali designer del paese presso il Museum of African Design (MOAD) di recente apertura nel Maboneng Precinct di Johannesburg.
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Julia Rosa Clark, (Poster Modernista: Catastrofe), 2007. Collage e gouache su cartoncino, colla senza acidi, matita, fotocopie. Per gentile concessione dell'artista e di Whatiftheworld.

Artista poliedrica che lavora con diversi media, Julia Rosa Clark ha prodotto un'ampia produzione di design nel corso della sua carriera, dalla scenografia e la produzione di oggetti di scena a copertine di libri, illustrazioni, poster e design industriale 49 con il suo marchio Luminary Lights. Clark è stato anche responsabile del packaging dell'iconica troupe hip hop sudafricana Moodphase5ive, l'album Steady On (2000) e ha contribuito al design visivo di The Constructus Corporation; un'
pre-MaxNormal.TV e il progetto Die Antwoord di Waddy Jones (Ninja) con Sibot, Felix Laband, Markus Wormstorm e Anri Du Toit (Yolandi Visser). Avendo lavorato a progetti così vari, era inevitabile che gli elementi di design fossero emersi con forza nella sua pratica artistica, particolarmente evidenti in opere come il Serie di poster modernisti (2007) e la navigazione compiuta di colore, collage e spazio che ha definito la sua trilogia di mostre installative "Hypocrite's Lament" (2007), "Fever Jubilee" (2007/8) e "Paradise Apparatus" (2010). È importante sottolineare che queste sensibilità estetiche del design nel lavoro di Clark sono sempre intrise di un senso di analisi autocritico. Pressata su dove individua il divario arte / design, l'artista afferma che "in senso tradizionale, la distinzione per me sta nel fatto che l'arte consiste nel porre domande, mentre il design è fondamentalmente nel trovare risposte o risolvere un problema". Resistendo attivamente a qualsiasi forma di finalità o conclusione tematica, porre domande è qualcosa in cui le opere di Clark sono particolarmente abili. All'inizio spesso sembrano esuberanti, le opere si dimostrano concise e meticolosamente disposte a un esame più attento. C'è un'economia dell'eccesso organizzata e ponderata nell'opera d'arte di Clark che in qualche modo oscilla tra l'essere ingombra fino al punto di immersione e tuttavia perfettamente bilanciata. Come parte del team responsabile delle vetrine natalizie a tema, Clark sta attualmente applicando la sua astuta sensibilità al design al ruolo di visual merchandise design manager presso Woolworths, oltre a pianificare la sua prossima mostra personale per Whatiftheworld.
1. Coles, A. 2005. "On Art's Romance with Design". in problemi di progettazione. vol
21.3, estate 2005. 19.
Tim Leibbrandt è uno scrittore, curatore e musicista di Cape Town.