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'Catturato': Seán Slemon alla Mariane Ibrahim Gallery, Seattle, di Ts Flock

A colpo d'occhio, i nuovi lavori di Seán Slemon a Galleria Mariane Ibrahim potrebbe sembrare un po 'disconnessi l'uno dall'altro: un trio di acquatinte, un raggio inclinato di pannelli in acciaio lucido e due resti di alberi ricoperti da una lamina d'oro. Uno degli alberi è sospeso vicino all'ingresso della galleria, più o meno parallelo al pavimento, e fa una così grande impressione che il resto potrebbe sembrare ripensamenti. Vi è, tuttavia, una logica unificante, che è arricchita dall'ambiguità del contenuto e dai trucchi ottici che Slemon gioca in ogni singolo lavoro.
Newsletter AA luglio21 Slemon 1Seán Slemon, Pino, 2011. Pino 2x4s, foglia d'oro, nastro, 91.4 x 228.6 x 91.4 cm. Tutte le immagini per gentile concessione della Mariane Ibrahim Gallery, Seattle.

Ad un esame più attento, quello che sembra essere un tronco grande e cavo, intitolato Pino, seduto sul pavimento, è in realtà una ricreazione realizzata con assi due per quattro, unite e scolpite per produrre una superficie irregolare e annodata. La maggior parte è ricoperta da una lamina d'oro, ma grandi strisce sembrano carbonizzate. Queste strisce sono colorate con inchiostro nero che puoi vedere ha spruzzato l'interno dell '"albero" in cui tutte le illusioni si rompono. L'albero sospeso, intitolato Nel nero / Nel rosso: un atto di bilanciamento del valore, sembra essere tenuto in alto da dozzine di nastri neri e rossi che fissano i suoi rami alle pareti della galleria. L'impossibilità fisica di questo potrebbe registrarsi inconsciamente, anche se non si reagisce immediatamente ad esso, e l'effetto è inquietante. Due cavi sottili attaccati al soffitto in realtà fanno tutto il lavoro, permettendo all'albero di apparire stranamente senza peso con la sua pelle squamosa d'oro.
Newsletter AA luglio21 Slemon 2Seán Slemon, In The Black / In The Red: A Balancing Act of Value, 2016. Albero di pino morto locale indigeno, foglia d'oro, nastro di raso rosso e nero. Installazione specifica per sito, 457 x 182 x 182 cm.
Chi ha familiarità con il lavoro di Slemon riconoscerà queste tecniche. Ha già fatto installazioni simili prima e alcuni di questi alberi sono finiti segati in dischi e collocati in scatole; da oggetti morti e banali a una visione rarefatta e ritorno a una forma più banale, ancora dorata, che porta le prove di questa trasformazione ritualizzata. Questa ritualizzazione fa ora parte della propria comprensione dell'opera - Slemon non sta commerciando in mera novità o commentando merci. Per ripetizione, indica la tendenza umana a decorare e venerare, come il primo può portare al secondo e come ciò che è prezioso diventa santo. Ci sono evidenti connessioni con la doratura di icone e reliquie religiose, ma nello spazio bianco della galleria attraversato da nastri rossi e neri (tutti i colori alchemici), la conversione dell'hyle in oro può implicare anche altri concetti più esoterici.
I livelli non finiscono qui. Nel contesto di un mondo dell'arte in cui la preziosità aggiunta attraverso i materiali piuttosto che il contenuto (o lo stile genuino) sono trucchi comuni usati per ingannare gli spettatori, si sarebbe giustamente diffidenti di Slemon usando questo trucco, se ci si fermasse lì. Le sue altre opere, meno appariscenti, chiariscono questa filosofia e unità più ampie: il gioco tra materiale tangibile e intangibile, specialmente la luce. Gli acquatinti austeri catturano chiazze di luce mutevoli su una superficie acquosa, ricordando opere di altri artisti che si meravigliano della luce nel flusso, in particolare Uta Barth. Tuttavia, la deliberata marcatura e il morbido bianco e nero della tecnica dell'acquatinta producono un effetto completamente diverso, che conferisce alla luce una fisicità sulla carta come spazio negativo. Come trittico, l'ampiezza crescente della luce vista quando le immagini vengono lette da sinistra a destra può implicare il passare del tempo, anche se poco chiaro. Forse la luce continuerà a crescere e ad espandersi, non semplicemente cadere dal bordo con il passare del sole. Come per le altre opere, c'è spazio per l'ambiguità quando limitiamo i nostri presupposti.
L'inclinazione di pannelli metallici riflettenti su una parete, semplicemente intitolata Light, imita la forma della luce che passa attraverso i vetri di una lunga finestra. Impallidisce rispetto al lavoro passato che ha catturato meglio l'effetto della luce inclinata attraverso le finestre con acciaio lucido e resistente alle intemperie. Quelle sono state grandi opere pubbliche, tuttavia, impossibili da mostrare in questa galleria. Anche se è l'offerta meno impressionante di "Captured", riflette ancora il principale tentativo di Slemon di catturare in modo solido il più luminoso, fugace e immateriale in un modo più immediato e accessibile.
Newsletter AA luglio21 Slemon 3Seán Slemon, particolare di Light, 2016. Acciaio inossidabile da parete tagliato a laser, 307 x 254 cm.
Con pochi pezzi e una modesta gamma di media, Slemon crea uno spazio per la meditazione su forze e idee fondamentali: luce, rituale, sacro, trasformazione. Nonostante quanto possano apparire sgargianti gli alberi dorati, i gesti rimangono relativamente semplici e servono da critica alla grossolana mercificazione delle risorse, non da uno stratagemma cinico per l'attenzione. Ma sarebbe un errore limitare la lettura a un commento puramente sociale o politico. Il vero dialogo di Slemon è con fenomeni puri, tra l'assoluto e l'ambiguo, ed è un piacere farne parte.
Ts Flock è critico di arti visive per Seattle Weekly e Vanguard Seattle. Il suo lavoro appare in pubblicazioni regionali e internazionali, con particolare attenzione alle arti visive e performative.
"Catturato" di Seán Slemon è stato esposto alla Mariane Ibrahim Gallery, Seattle, dal 7 aprile all'8 maggio 2016