Tamara James, Clench, 2010. Stampa a getto d'inchiostro d'archivio su carta opaca migliorata, 42 x 59,4 cm. Edizione di 25. Immagine per gentile concessione della Candice Berman Fine Art Gallery.

Riflessione corporea

Nell'era della tecnologia digitale, gli smartphone acquisiscono milioni di selfie ogni giorno. I post sui social media contengono innumerevoli immagini di corpi e volti umani, tutti "taggati" ed etichettati affinché i seguaci dell'individuo li trovino nella palude del cyberspazio. Non solo le immagini vengono prodotte a un ritmo astronomico, una volta che sono disponibili nel cyberspazio, vengono copiate liberamente, decontestualizzate e ridistribuite nonostante le avvertenze e le restrizioni sul copyright. Non si può fare a meno di chiedersi perché gli artisti stanno ancora cercando di catturare la forma umana in media più tradizionali come la pittura, il collage e persino i media scultorei, se la facilità con cui vengono prodotte le immagini digitali domina e informa la nostra cultura visiva. Allo stesso tempo l'emergere di studi culturali, di genere e postcoloniali ha evidenziato la necessità di riconoscere l'ampia diversità di culture, credenze e costumi differenti, mettendo contemporaneamente in discussione il modo di rappresentazione del corpo, che è stato tradizionalmente quello di un approccio parziale e prevalentemente occidentale.

Il nostro fascino nel catturare la forma umana risale al nostro record delle prime opere d'arte, risalenti ai feticci preistorici della fertilità. Ma è proprio nel Rinascimento che la rappresentazione del corpo assume una qualità sovrumana che da allora ha dato il tono all'arte occidentale. Il perfetto "uomo universale" è esemplificato da Leonardo Da Vinci uomo vitruviano, un perfetto esemplare umano, che si inserisce in uno spazio geometrico perfetto, che esiste in perfetta armonia con Dio e la natura. Il corpo era spesso idealizzato e generalizzato. L'artista rinascimentale non solo doveva possedere un'eccellente conoscenza dell'anatomia umana, ma doveva anche essere abile nel manipolare il corpo e la prospettiva per adattarsi agli angoli di visione di ogni opera una volta creata, spesso collocata su soffitti o rientranze elevate nelle basiliche o edifici pubblici. Arte, matematica e prospettiva erano all'ordine del giorno. Come ricorda Vasari, il pittore fiorentino Paolo Ucello (1396 / 7-1475) era così ossessionato dalla prospettiva che si diceva che rimanesse sveglio quasi tutte le notti a elaborare i punti di fuga dei suoi dipinti, con grande sgomento della moglie che lo aspettava. per raggiungerla a letto. L'uomo "perfetto" nel suo ambiente "perfetto" era l'ideale per cui tendere.

John-Michael Metelerkamp, ​​Diamond, 2014. Acrilico su pannello, 900 x 900 cm. Immagine per gentile concessione della Candice Berman Fine Art Gallery.John-Michael Metelerkamp, ​​Diamond, 2014. Acrilico su pannello, 900 x 900 cm. Immagine per gentile concessione della Candice Berman Fine Art Gallery.

Con l'invenzione della fotografia, le rappresentazioni visive hanno subito un cambiamento fondamentale che ha liberato l'artista dal dover catturare questa perfetta "realtà", ed è stata innegabilmente l'influenza più radicale sulla rappresentazione del corpo nell'arte contemporanea. Un problema specifico di rilevanza qui è la capacità della fotografia di inquadrare e frammentare il corpo. Molti teorici come Nicolas Mirzoeff e Linda Nochlin ritengono che la tendenza a rappresentare il corpo come frammentato sia un sintomo postmoderno, che riflette la natura caotica, disgiunta e schizofrenica della vita contemporanea. Le parti del corpo sono poste, contorte ed esposte. I corpi vengono tagliati, tagliati in sezioni e presentati come "oggetti" carnosi che spesso negano l'individuo come persona. A tal proposito, i lavori fotografici di Tamara James sono un esempio calzante. Ad esempio, l'opera Clench presenta allo spettatore un paio di piedi, staccati dal corpo e decontestualizzati. Tutto ciò contribuisce all'ambiguità visiva e pone la domanda se questi piedi senza genere provano dolore o piacere.

Questo approccio frammentato può essere visto anche nelle opere di John Vusi Mfupi, il cui processo artistico dipende dalla ricostruzione del corpo utilizzando frammenti, scarti di carta stampata per formare immagini collage di vita quotidiana. L'atto stesso di costruire un ritratto dai pezzi strappati del supporto fisico che promuove i prodotti che consumiamo quotidianamente è un commento piuttosto ironico sulla società contemporanea. Mentre le sue narrazioni sono spesso chiare, negano la reale identità delle persone che stanno ritraggendo, riducendole a prodotti dei prodotti che consumano (o non consumano). Eppure, nonostante ciò, Mfupi riesce ancora a catturare qualcosa di una personalità, un'istantanea di una narrazione personale, pur riconoscendo inavvertitamente qualcosa dell'ossessione della società con la pubblicazione di immagini digitali di esperienze quotidiane `` insignificanti '' sui social media.

La pubblicità, d'altra parte, solleva anche interrogativi sulla rappresentazione del corpo idealizzato. Molte critiche sono state rivolte all'industria della pubblicità per il suo ruolo nella rappresentazione di rappresentazioni del corpo altamente irrealistiche. Le figure femminili sono manipolate digitalmente in una forma organica non realistica, più magre è, meglio è. Le anomalie sono spesso rilevate solo dallo spettatore critico che si è fermato a pensare se fosse umanamente possibile per un modello avere un girovita di un paio di centimetri. La maggior parte degli spettatori accetta automaticamente le immagini manipolate digitalmente come la "verità". Usando la vernice come mezzo, al posto della fotografia si potrebbe commentare ulteriormente la rappresentazione del corpo in questo contesto. Lo spettatore riconosce istintivamente che la pittura non riflette la "realtà" allo stesso modo della fotografia, e quindi si accetta molto di più le incongruenze nella rappresentazione visiva del corpo, infatti, gli spettatori si aspettano che siano presenti. Le opere di John-Michael Metelerkamp, ​​come l'opera del 2014 intitolata Diamante, potrebbe essere visto come un commento ironico sui limiti fisici del corpo. In un certo senso, questi lavori fanno anche eco all'approccio delle compagnie pubblicitarie per rappresentare il corpo femminile come un oggetto altamente sessualizzato, con poca o nessuna considerazione per le proprietà fisiche del corpo umano. I dipinti di Metelerkamp diventano commenti sulle assurdità associate alle rappresentazioni contemporanee del corpo in modo piuttosto rivelatore.

John Vusi Mfupi, Showers of Nature, 2015. Rivista collage su carta, 126 x 80 cm. Immagine gentilmente concessa dalla Candice Berman Fine Art Gallery.John Vusi Mfupi, Showers of Nature, 2015. Rivista collage su carta, 126 x 80 cm. Immagine gentilmente concessa dalla Candice Berman Fine Art Gallery.

Ovviamente, il problema della rappresentazione del corpo è complesso e molto dibattuto. Gli esempi citati sollevano ulteriori domande sull'uso dei media "tradizionali" rispetto ai media digitali. Tuttavia, potrebbe essere (orrore degli orrori) che le idee moderniste riguardanti il ​​ruolo del mezzo artistico e della pratica informino ancora il modo in cui affrontiamo "l'arte" nonostante tutti i tentativi fatti per comprendere l'arte all'interno di sfere alternative come la definizione istituzionale di arte . In questa luce, potremmo considerare l'uso dei mezzi artistici tradizionali come un tentativo da parte degli artisti di provare ancora una volta a stabilire una sorta di rilevanza nel mondo (e nel mondo dell'arte per quella materia), e nello specifico in un mondo invaso da milioni di istantanei immagini, un mondo in cui il significato della rappresentazione del corpo è stato messo alla prova su più livelli.

Tamara James, John Vusi Mpufi e John-Michael Metelerkamp sono rappresentati dalla Galleria Candice Berman a Bryanston.

Catherine Terblanche è una storica dell'arte indipendente, docente e curatrice.

FONTI CONSULITE

Mirzoeff, N. 1995. Bodyscape: arte, modernità e figura ideale.

Londra: Routledge.

Nochlin, L. 2001. Il corpo in pezzi: il frammento come metafora della modernità. Londra: Tamigi e Hudson.

Vasari, G. 1965. Le vite degli artisti: Volume 1. Tradotto da George Bull. Londra: Pinguino.

IMMAGINE IN EVIDENZA: Tamara James, Clench, 2010. Stampa a getto d'inchiostro d'archivio su carta opaca migliorata, 42 x 59,4 cm. Edizione di 25. Immagine per gentile concessione della Candice Berman Fine Art Gallery.