Dale Lawrence, Six of One, 2017. Linocut su carta, 76 x 76cm. Edizione di 5. Per gentile concessione di SMITH Studio.

Un altro aiuto

In conversazione con Dale Lawrence

L'artista sudafricano Dale Lawrence è tornato allo SMITH con "Another Helping", un'indagine critica sulle numerose, e forse divertenti, complessità della produzione artistica.

Attingendo all'idea che gli artisti affrontano una pressione per produrre un lavoro identico a mostre precedenti, ma concedono una serie di idee e un mezzo preferito con cui comunicarle, si trovano costretti a creare un corpo di lavoro abbastanza simile a quello del loro lavoro precedente - produrre, in altre parole, un altro aiuto.

ARTE AFRICA ha parlato con Dale Lawrence di "Another Helping", del confronto tra cibo e arte e delle influenze che ha avuto lungo la strada.

Dale Lawrence, Garnish for the Salad, 2017. Monotipo su carta, 100 x 50 cm. Per gentile concessione di SMITH StudiosDale Lawrence, Garnish for the Salad, 2017. Monotipo su carta, 100 x 50 cm. Per gentile concessione di SMITH Studios.

ARTE AFRICA: In un'intervista con Matthew Freemantle, hai affermato che una notevole somiglianza tra cibo e arte è la loro capacità di comunicare, ma il cibo è probabilmente molto più bravo a comunicare come strumento culturale e sociale rispetto all'arte. Come sei arrivato al confronto con il cibo per la tua mostra, 'Another Helping', attualmente alla SMITH Gallery, e perché è stato importante per te esplorarla?

Dale Lawrence: Penso che le persone spesso pensano alla cultura del consumo come riferita al consumo di oggetti ed esperienze, ma è possibile che si riferisca in modo più accurato al consumo di idee e messaggi tramite oggetti ed esperienze. È qui che si può vedere la somiglianza tra arte e cibo.

Ogni pasto contiene al suo interno l'ovvio valore nutritivo, ma altrettanto importante ha valore sensoriale (gusto / estetico) e valori astratti (cura, abilità, impegno, novità, etica, ecc.). Il pasto è un vaso di comunicazione proprio come l'arte, solo l'arte è mistificata al punto in cui la maggior parte delle persone afferma di non avere gli strumenti per capirla affatto. Di fronte a un piatto di cibo, è probabile che ci si chieda 'cosa sto mangiando? Quali sono gli ingredienti?'. Le persone dovrebbero avere lo stesso approccio nel vedere l'arte, nell'acquistare scarpe o nel guardare un film, se è per questo.

Altrettanto importante è il confronto nell'altra direzione: pensare alle cose di tutti i giorni, come il cibo, come simili all'arte. Tutto può essere coinvolto e inteso come comunicazione. Tutto ha, scritto nel suo tessuto, i messaggi delle intenzioni e delle convinzioni dei suoi creatori. Dal più ovvio - abbigliamento religioso o tribale - al più sottile - come oggetti di design "funzionali" che pretendono di non avere alcun messaggio. Se sei consapevole di cosa compone il pasto che hai davanti, sei in una posizione migliore per decidere se vuoi mangiarlo.

"Another Helping" viene dopo la tua mostra personale acclamata dalla critica "Look Busy", in cui hai rielaborato idee e metodi precedenti e completato lavori incompiuti nel tentativo di comprendere meglio il "momento mutevole della novità". Puoi dirci esattamente cosa intendi per "momento mutevole di novità"?

Se ho una nuova idea o sviluppo una nuova tecnica, c'è un momento in cui l'aspetto nuovo è veramente nuovo. Quel momento può essere catturato o realizzato in un'opera d'arte (o qualsiasi oggetto o esperienza). Ma ciò che era veramente nuovo nell'ultimo lavoro che ho fatto non lo sarà la prossima volta che lo farò. Può essere ancora valido e vale la pena realizzarlo, ma non può essere "nuovo" allo stesso modo. In un certo senso è una riproduzione del momento originale.

Guardando l'esempio della scoperta / invenzione della pittura a goccia di Jackson Pollock nel 1946, quando realizzò quel primo dipinto era qualcosa di veramente nuovo. Successivamente, da una prospettiva, ha esplorato tutti i possibili esiti di questa nuova forma d'arte. Da un'altra prospettiva, ha rimesso in scena quel momento per il resto della sua carriera.

Quello che volevo fare con il lavoro in questa mostra è riposizionare quegli aspetti di un'opera d'arte che sono responsabili del suo valore percepito - come la novità in questo esempio - con la speranza di rendere gli `` ingredienti '' del lavoro più visibili, quindi rendendoli nuovi opere d'arte cannibalizzando / riciclando quelle vecchie.

Giocando con i due meccanismi di guida contraddittori all'interno dell'industria artistica - ci si aspetta che gli artisti siano entrambi sperimentali, perché cose nuove creano nuove idee e fanno di più le stesse, perché deve essere sostenibile economicamente - hai creato un nuovo corpo di lavoro da vecchie incisioni su linoleum e piatti deturpati. Pensi che questo numero sia esclusivo della scena artistica sudafricana, considerando lo scarso sostegno alle arti da parte del governo, o diresti che è un sintomo del mondo dell'arte, a livello globale?

Penso che sia un acuto esempio di un fenomeno globale che non si limita all'arte. C'è una tensione tra le due forze che guidano la produzione di qualsiasi cosa: quella di soddisfare i bisogni (l'apparente "scopo") e quella di generare reddito. L'una forza si sforza verso un impegno profondo e significativo, l'altra spietatamente sostiene l'efficienza.

Il finanziamento organizzato può funzionare per alleviare la pressione finanziaria a breve termine, ma in definitiva il commercio è il sistema di distribuzione più stabile al mondo oggi in tutti i settori, quindi capire come bilanciare questi due elementi opposti sarebbe il più vantaggioso a lungo termine .

Idealmente, ciò che diventa il "prodotto" coerente è intuizione onesta e nuove forme di espressione che si adattano ai tempi (cioè la vera arte contemporanea), in modo che diventi ciò che le persone si aspettano. John Berger descrive un'altra forma d'arte, che definisce arte "cinica", in cui la pressione per effettuare una vendita o completare una commissione è maggiore dell'impulso interno per realizzare l'opera. Se un pubblico può capire la differenza tra questi due, artisti e gallerie vengono ricompensati per aver mantenuto l'arte rilevante e significativa per le persone le cui vite è destinata a riflettere. Se il pubblico non può, allora sia il valido che l'invalido vengono ricompensati indiscriminatamente, il che serve solo a confondere ulteriormente la questione.

Dale Lawrence, Acquisition, 2017. Acrilico su carta, 120 x 80 cm. Per gentile concessione di SMITH Studios.Dale Lawrence, Acquisition, 2017. Acrilico su carta, 120 x 80 cm. Per gentile concessione di SMITH Studios.

“Il fatto che il lavoro sia in una galleria per cominciare eleva il suo status da oggetto quotidiano a oggetto significativo. Posizionando l'opera sulle pareti di una galleria suggerisci che quest'opera ha qualcosa da dire o che vale la pena di essere contemplata. Più spazio gli viene dato più ne viene caricato, quindi più intimidatorio ma anche maggiore attenzione richiede. Quindi, l'idea di rompere la galleria era sia di creare un silenzio che di avere meno opere d'arte visibili alla volta. Affronti ciò che hai di fronte, non è un buffet. " - Sebbene "Another Helping" consideri criticamente lo spazio della galleria e lo utilizzi ancora, non suggeriresti che sia meglio eliminare completamente lo spazio della galleria? Come suggeriresti di "degradare" lo status dell'arte per meglio abbinare il consumo e l'inclusività del cibo?

La natura focalizzata di una galleria (il suo unico scopo in un dato momento è la presentazione del lavoro che sta attualmente mostrando) significa che è un ambiente incredibilmente potente e in movimento se usato bene. Mantenendo l'analogia con il cibo, suggerire di eliminare completamente le gallerie potrebbe essere paragonabile all'eliminazione dei ristoranti. Forse la risposta è che le gallerie non dovrebbero essere l'unico posto in cui "riempirsi".

C'è un aspetto sociale nel cibo che spesso manca nell'arte. Si può condividere un pasto con gli amici e gustarlo in modo informale e schietto. L'arte dovrebbe essere affrontata allo stesso modo. Ti parla o no. Ti piace il gusto o no.

Penso che se riusciamo a riconoscere l'arte come una forma di comunicazione alla pari del cibo e dei vestiti, della pubblicità e della TV, allora le persone sapranno come coinvolgerla, aumentando così la portata e la rilevanza dell'arte formalizzata (o `` fine '') nella vita delle persone .

Dale Lawrence, Waste Management, 2017. Linoleografia su carta, monotipo su carta, 76 x 56 x 6 cm. Per gentile concessione di SMITH Studios.Dale Lawrence, Waste Management, 2017. Linoleografia su carta, monotipo su carta, 76 x 56 x 6 cm. Per gentile concessione di SMITH Studios.

Citi la scoperta / invenzione della pittura a goccia di Jackson Pollock nel 1946 e la nozione di arte "cinica" di John Berger, in cui la pressione per fare una vendita o completare una commissione divenne maggiore dell'impulso interno a fare lavoro. Diresti che questi due pionieri nel mondo dell'arte hanno avuto un grande impatto sul tuo lavoro e a chi altro cerchi ispirazione?

Penso che lo abbiano fatto, insieme a innumerevoli altri. Sarebbe difficile riconoscere l'influenza di tutti. Detto questo, eccone alcuni che mi vengono in mente:

La preferenza di John Ruskin per il dilettante rispetto al professionista (suggerisce che i dilettanti hanno maggiori probabilità di fare grandi scoperte perché la formazione è, per definizione, conservatrice).

L'osservazione di Jean Baudrillard secondo cui gli esseri umani usano gli oggetti in gran parte in modi simbolici o comunicativi, rispetto alle loro ovvie funzioni pratiche.

Il suggerimento di John Berger che la pubblicità è la forma d'arte più vera oggi, mettendola in relazione con i ruoli svolti nella società dalle forme d'arte premoderne.

La teoria di Jared Ginsburg secondo cui le persone sono simili Lurpak mucche: devi essere in un buon spazio per produrre qualcosa di buono.

Di Andy Warhol Zuppa Campbell serie.

Bandiere Ghana Asafo.

Le poesie di Carl Andre.

L'onestà di Leonard Cohen.

Le bugie di Bob Dylan.

Incisioni su linoleum di John Muafangejo.

Laurie Anderson's Big Science.

I dipinti di Bob Thompson.

Le istruzioni di Yoko Ono.

I disegni di David Shrigley.

Brian Eno's Strategie oblique.

Dale Lawrence, After Ghirlandaio, upon a Flash of Inspiration, 2017. Olio su tela, 60 x 40 cm. Per gentile concessione di SMITH Studio.Dale Lawrence, After Ghirlandaio, upon a Flash of Inspiration, 2017. Olio su tela, 60 x 40 cm. Per gentile concessione di SMITH Studio.

IMMAGINE IN PRIMO PIANO: Dale Lawrence, Six of One, 2017. Linoleografia su carta, 76 x 76 cm. Edizione di 5. Per gentile concessione di SMITH Studio.