Newsletter di AA GavinRain

Andrew Lamprecht in conversazione con Gavin Rain

Andrew Lamprecht ha incontrato l'artista sudafricano Gavin Rain a Worldart a Cape Town per discutere il suo processo creativo, la neuropsicologia, i suoi master in studi spaziali e la sua partecipazione al 54a Biennale di Venezia. Rain è noto soprattutto per i suoi dipinti pointillist op-art che combinano matematica, precisione e amore per la fotografia analogica. Esercitandosi come pittore per tutta la sua carriera, ha sviluppato il suo specifico stile pointillist dal 2003. Da allora ha creato una collezione impressionante di ritratti pointillist, paesaggi urbani e altri argomenti interessanti.

Newsletter di AA GavinRainGavin Rain nel suo studio. Ottobre 2015. Fotografia: Dale Yudelman.

Andrew Lamprecht: Voglio iniziare raccontandoti una storia che è accaduta non molto tempo fa. Stavo tenendo un discorso di apertura per una mostra di design e arte presso la galleria Eclectica Design and Art (a Città del Capo). Mentre stavo fotografando l'interno e il tuo lavoro sul retro, è successo qualcosa di molto strano. Quando ho guardato i tuoi dipinti attraverso le lenti del cellulare, si sono dissolti e sono sembrati totalmente diversi. Tutto il resto sembrava lo stesso, ma all'improvviso i tuoi dipinti sembrano abbastanza diversi. Era come un fenomeno neuropsicologico o un'illusione ottica.

Gavin Rain: Sapevi che ho studiato neuropsicologia? Ho iniziato questo processo cercando di inventare uno stile artistico diverso, come fanno tutti. Ci sono voluti circa due anni per inventare questo stile di pittura, questo modo di esprimermi. Sapevo che volevo dire qualcosa con l'arte e trasmettere un messaggio. Sono stanco di andare nelle gallerie

e non riuscire a capire l'arte. Dò la colpa all'artista, perché penso che il messaggio di una persona dovrebbe essere facilmente compreso. Come artista sento la necessità che una persona lo "capisca". Penso che sia una vera tragedia non "prendere" Klein o Rothko. In apparenza Rothko è forse abbastanza difficile da capire, ma se non lo fai allora ti manca quanto sia elegante e bello il suo lavoro.

Ad un livello, sì. Ma ad un altro livello, ho "ottenuto" il tuo lavoro solo quando l'ho guardato attraverso un obiettivo fotografico.

Non ho mai pensato a un obiettivo fotografico. Quello che avevo pianificato era il messaggio dietro l'arte. L'idea - che le persone dovrebbero fare un passo indietro e pensare alle cose in sé - è stata formulata prima dell'arte. Volevo che l'arte fosse il veicolo che ti fa fare un passo indietro fisicamente per sperimentare la pittura. Da vicino, c'è questa travolgente massa di punti, che è difficile da interpretare oltre a qualche piccolo motivo. È difficile vedere qualcos'altro. In questo modo i miei quadri sono come le nostre vite, dove per capirci qualcosa dobbiamo fare un passo indietro per vedere il quadro generale. È composto da tutto ciò che informa la vita; persone, idee e così via. Il mio argomento sono le cose che rendono le persone ciò che sono.

Newsletter AA GavinRain3Gavin Rain, dettaglio di Nuovo Biko, 2014. Acrilico su tela, 150 x 150 cm. Tutte le immagini per gentile concessione di WorldArt, Cape Town.

Quindi i singoli punti sono carichi di simbolismo e significato?

Sì. A livello di singolo punto gioco o selezionerò colori contrastanti o complementari: qui ho un po 'di dialoghi o licenze artistiche. Ma a livello di gruppo, i punti creano un'immersione di colori e motivi in ​​cui c'è una forma, ma è nascosta in bella vista. Il bello di questo è che sai che stai guardando qualcosa, ma non puoi avere un'idea di cosa sia finché non ti rimuovi.

E i colori che hai usato per creare la bandiera della coppa del mondo?

È qui che è iniziata la mia pittura a colori. Inizialmente dipingevo solo con colori diversi della stessa tonalità. Sono passato a più colori per quel progetto FIFA. Non so molto del calcio e ho deciso di provarlo come esperimento. Il processo prevedeva di prendere ogni bandiera del mondo e creare un set di cinque colori. Inizialmente avevo creato tutti i calcoli per cinque anelli, poi sono arrivato in Sudafrica (che è l'unico paese con più di cinque colori nella sua bandiera) e mi sono reso conto di aver fatto un errore.

Parliamo di matematica: il tuo metodo di lavoro è affascinante. Ho letto che il tempo di preparazione può richiedere fino a undici mesi prima che qualsiasi vernice venga applicata su tela. Quale procedura segui per creare questo incredibile effetto?

Esistono due procedure matematiche che vengono eseguite indipendentemente l'una dall'altra e quindi combinate. Il primo è un po 'come un taglio di mezzitoni e una creazione in cui scatto una fotografia, la divido in una griglia e poi fotografo ogni sezione di quella griglia con la mia macchina fotografica su sfocatura. Sfocatura l'immagine della griglia per ottenere un singolo colore o tono in scala di grigi in tutti i blocchi. Ho un set da dieci a quindici carte che vanno dal bianco al nero e quindi scelgo quello più vicino a colori. Questo mi dà il dimensione del cerchio e crea un semitono. La proporzione di nero su uno sfondo bianco nasconde quindi tutto il bianco o mostra il nero attraverso lo sfondo bianco. Questo rende la forma generale del dipinto.

È più complicato ottenere lo stesso risultato con i colori. Ripeto il processo per ottenere una sfocatura, ma in questo caso il colore sarà più vicino a un tono di pesca. Ho creato una libreria di 12462 punti fotografandoli e sfocandoli singolarmente. Quindi, con i colori risultanti, ho creato un indice di sfocature. È quasi come questa rubrica di sfocature a indice inverso. Quindi, quando ho bisogno di un colore specifico, vado nel mio indice e guardo le diverse versioni per scegliere quella più vicina.

Poiché l'effetto ottico del tuo lavoro è così travolgente, è facile perdere il modo in cui questo processo è metaforico delle relazioni umane tra persone vicine e lontane. La trama ha qualcosa a che fare con questo?

La trama è importante in quanto mostra un altro lato del mio pensiero. La trama è forse la ragione per cui ho ideato questo stile; riporta l'attenzione nel quadro: l'aspetto tangibile e basato sulla creazione del mio lavoro. Penso che abbiamo perso molto a causa dell'avvento della fotografia digitale e della digitalizzazione delle immagini. Questo è significativo per me poiché la fotografia è sempre stata una parte importante della mia vita. Crescendo, ho imparato la fotografia da mio nonno che era un fotografo professionista di ritratti e paesaggi. Portavo le sue borse fotografiche e mi sedevo con lui nella camera oscura.

È qui che mi sono innamorato della magia della fotografia analogica perché la bellezza di esso si trova nel processo e nell'arte del lavoro. Tutto è cambiato con il nuovo bambino sul blocco; fotografia digitale. All'epoca non mi piaceva molto la fotografia digitale, la qualità delle immagini era terribile ma era così conveniente! Questa è la fatica della nostra società oggi ed è una simile analogia per chi siamo. Se è più facile, lo facciamo. Digitale significa in realtà "intervallo distinto" o mancanza di flusso. La fotografia cinematografica consente una gradevole, illimitata sfumatura di tonalità e colore che non è possibile ottenere con il digitale.

Newsletter AA GavinRain2Gavin Rain, dettaglio di Venere, 2014. Acrilico su tela, 120 x 120 cm.

Credo che la fotografia digitale sia qualcosa di abbastanza distinto dalla fotografia. A livello visivo sembra lo stesso, ma in realtà è una cosa completamente diversa.

Sì, l'imaging digitale è molto diverso - e c'è una grande divisione tra i due approcci. Attualmente sto studiando un Master in Space Science e uno dei moduli riguarda l'applicazione spaziale, lo studio delle immagini satellitari e come funziona. Guardiamo cose come immagini iper-spettrali o multispettrali che ti permettono di vedere le cose più sorprendenti. Ma è importante sapere che si tratta di imaging, non di fotografia, anche se entrambi creano un'immagine. L'uso dei dati per creare qualcosa di visivo non lo rende una fotografia e penso che dovrebbe essere la divisione.

E come si ricollega al tuo stile pittorico?

Volevo prendere qualcosa di apparentemente digitale e rimetterlo nel regno analogico. In termini di stile, ciò si ottiene sottolineando che gli spazi tra i punti sono un'area morta. Funziona allo stesso modotra MC Escher e Vasarely. Erano i miei due più grandi artisti. Ho adorato la precisione e la matematica che hanno creato la dimensionalità nel loro lavoro. L'anno scorso ho fatto una mostra a Venezia insieme ad alcune opere di Vasarely.

Volevo chiederti dell'argomento. Lavori principalmente nella ritrattistica, anche se so che hai realizzato paesaggi urbani e tette. Qual è il legame tra l'oggetto, la tecnica e la forma?

C'è spesso un link. Mi piace dipingere icone popolari come Audrey Hepburn e Marilyn Monroe. Marilyn Monroe è morta da cinquantacinque anni, eppure è ancora probabilmente lo zoom su una fotografia digitale sarebbe, mentre l'immagine inizia a pixelare. Quindi, questa zona morta sta davvero sacrificando la qualità per motivi di convenienza. Per tornare a quella qualità e arte, uso la vernice per strutturare le immagini digitali, che considero intrinsecamente morte, piatta e senza vita. Tuttavia, nel tempo ho trovato le immagini digitali estremamente utili, quindi la mia percezione è cambiata.

Sembra che tu abbia una frustrazione generale per l'arte. Ci sono dei pittori con i quali non hai esperienza?

Ammiro gli artisti che sanno tradurre il loro messaggio. Adoro artisti come Rothko e gli espressionisti russi come Kandinsky e Stepanova. Mi piace il faccia tosta hanno e mi piacciono i loro atteggiamenti. Spesso, i movimenti artistici prendono il nome solo dopo che gli artisti sono morti, ma gli espressionisti salirono e fecero il loro movimento. Dissero: "Questo è ciò che rappresentiamo, questo è ciò che faremo ed è per questo che lo faremo".

Parlando degli espressionisti e del faccia tosta nel nominare il proprio lavoro, quando si fa riferimento al tuo lavoro, sono stati usati i termini "puntinismo" e "neo-pixelismo".

Immagino che se mi chiedessero, mi definirei un pointillist o un neo-pointillist, anche se molte persone mi chiamano un op-artist come Victor Vasarely. Quando ero più giovane, ho alternato una delle icone pop più famose là fuori. Sono ancora guidatori nella nostra società. Mi trovo affascinato dagli individui che diventano nodali nella nostra società. Sono al centro di cluster relativi che compongono la nostra società e voglio sapere perché.

Quindi, sei guidato da celebrità o identificabilità?

Penso che sia identificabile, ma di solito i due diventano uguali. Mi piacciono anche i personaggi politici.

Raccontaci di più su Aung San Suu Kyi, il personaggio politico che ti è di grande ispirazione.

L'ho dipinta per la 54. Biennale di Venezia. Ho pensato che sarebbe stata un'enorme dichiarazione politica, ma a nessuno importava. Era nella parte posteriore della biennale, quindi forse non era così visibile. Ma sono stato in contatto con la sua fondazione e stiamo provando a portare una delle opere nella London Portrait Gallery. Abbiamo creato un'opera per ogni anno in cui lei era agli arresti domiciliari. Ho realizzato undici lavori identici nel tentativo di decodificare un'icona pop. Voglio mettere la sua faccia là fuori in modo che diventi ben nota, perché la cosa peggiore di lei è che nessuno sa chi sia, nonostante sia una forza così importante nella zona.

Newsletter AA GavinRain4Gavin Rain, dettaglio di Marilyn, 2014. Acrilico su tela, 120 x 120 cm.

E perché sei stato attratto da lei in particolare?

La mia compagna è un avvocato - è interessata alla legge sui diritti umani e quindi si interessa a Kyi. Ho letto di lei e anche lei ha suscitato il mio interesse. La sua vita è fondamentalmente una canzone di tragedia e sono stupito dalla sua capacità di recupero - è qualcosa che ammiro davvero più di ogni altra cosa. L'ovvio riferimento è Nelson Mandela. Ricordo di essere stato coinvolto nell'ANC nella varietà. Quando ci penso, provo paura e orrore, non ci ho mai pensato che stava per finire. Ho solo pensato che prima o poi sarebbero venuti a prenderci. Sono stupito dalle persone che sopportano quella sensazione per anni e anni. Aung San Suu Kyi dovrebbe essere un esempio per il mondo per quello, ma è anche conosciuta come Steve Biko, il che è ridicolo. Un'altra figura politica che ho dipinto era un ex sindaco di una città del Messico. È stata assassinata dai cartelli della droga perché ha combattuto contro di loro. Ho anche fatto alcuni Steve Bikos, ma non ho mai voluto fare un dipinto di Nelson Mandela. Ho pensato che fosse completamente esagerato, poi ho finito per dipingerne uno comunque.

Come qualcuno che ha molti gradi, risultati e aree di competenza, è necessario conoscere parecchio sulla resilienza. Ci parli della tua traiettoria dalla Fine Art a un Master in Space Science?

Non mappare mai i miei percorsi; Di solito scelgo solo le strade davanti a me. Ho iniziato a studiare arte presso Ruth Prowse e poi ho fatto Storia dell'arte, seguito da neuropsicologia presso l'Università di Città del Capo. Dopo la laurea mi sono laureato con lode in psicologia. Dipingevo sempre, ma non mi accontentavo mai perché sentivo di non dire nulla. Finalmente sono arrivato al punto in cui avevo qualcosa che volevo dire e sapevo dirlo. Ora sto studiando scienze spaziali. Penso che l'arte e la scienza stiano cercando di fare la stessa cosa: stanno cercando di portarti in un'area dell'ignoto e di farti sentire a tuo agio con la tua presenza.

L'ultima domanda; che dire del futuro?

Il mio stile attuale si basa su osservazioni sulla fotografia e, attraverso queste esplorazioni, ho anche fatto osservazioni sulla nostra società in generale. Sono stato ispirato da vecchie pubblicazioni sulle tecniche fotografiche tradizionali. Nell'investigare questi diversi tipi di fotografia, mi sono imbattuto in una tecnica chiamata "Autochrome Lumière". È il più bel tentativo di fotografia a colori del primo periodo vittoriano. Implica la tintura di perline di fecola di patate e la loro distribuzione casuale sulla tela in rosso, verde e blu. Diventano piccoli obiettivi per filtrare la luce, quindi il soggetto deve rimanere fermo, ma ciò vale comunque per la fotografia vittoriana. Crea la grana più sorprendente sullo sfondo ed è anche diverso in quanto crea il colore. Sto studiando la matematica attorno a questa tecnica da un po 'di tempo e mi sto muovendo verso l'uso di una distribuzione completamente casuale di punti. Bene, è pseudo-casuale, perché provo a garantire che i punti siano più o meno equidistanti ma invece di usare la griglia, baso il dimensionamento su alcuni punti nell'immagine, che crea una trama diversa.

Esattamente. Il tuo lavoro ha assunto una morbidezza, che è diversa.

Assolutamente. La durezza è il risultato del fatto che il dipinto proviene da un'immagine digitale. Volevo allontanarmi da quello e altro in una risoluzione pittorica. Ho creato questi schemi che permettono all'occhio di muoversi in modo geometrico e viaggiare molto di più. Come ho detto, sono ispirato da Autochrome Lumière; il modo in cui lo spettatore desidera interagire con il lavoro da vicino, in modo da poter vedere i colori. Ma il risultato è quasi più pittorico e vibrante, quindi sembra che stia accadendo molto poco. Volevo anche avere un livello di impegno con il lavoro da lontano, che ho trovato mancava qui.

Newsletter AA GavinRain5Gavin Rain, dettaglio di Grazia, 2015. Acrilico su tela, 180 x 180 cm.

Andrew Lamprecht è curatore e docente alla Michaelis School of Fine Art (UCT) di Città del Capo, in Sudafrica.