Natalie Field, Sielulintu, 2017. Fotografia, incisione tedesca Hahnemuhle, 801 x 534 mm.

Un profondo stato di consapevolezza esistenziale

'Natura umana'

ARTE AFRICA ha parlato con Natalie Field della sua ultima mostra "Human.Nature" che sarà esposta al Berman Contemporary ad aprile. Questa serie di lavori esplora la natura ciclica della vita e della morte e l'interconnessione dell'universo come un tutto monistico, riportando in vita il mitico folclore finlandese e 19th tecniche di stampa fotografica del secolo.

ARTE AFRICA: "Human.Nature" è stato concepito per la prima volta durante la tua residenza d'artista presso l'Arteles Creative Center in Finlandia nel 2016. È stato in queste foreste finlandesi che hai esplorato e riscoperto il rapporto tra uomo e natura, e l'interconnessione e la natura ciclica della vita e dell'energia . Cosa c'era in questo spazio, in Finlandia, che ha ispirato questo viaggio creativo?

Natalie Field: Ogni tanto la vita ci lancia una palla curva, un evento che ci porta a mettere in discussione tutto ciò che pensavamo di sapere. Nel 2016 ho avuto un'esperienza del genere e sono diventato fin troppo consapevole della natura fugace della nostra esistenza umana. Avevo bisogno di tempo per elaborare questa esperienza e Arteles mi ha fornito l'opportunità perfetta per uscire dal rumore della città e in uno spazio calmo e pacifico ideale per la riflessione e la creazione.

La storia del nostro universo inizia con una singolarità. A causa di una forza inconcepibile, lo spazio si espanse e la materia si formò. Le stelle, la terra, gli oceani, gli animali e persino i nostri corpi sono tutti fatti di questa materia che esiste dall'inizio dei tempi. Il dizionario Merriam-Webster ha un termine per questo collettivo: NATURA.

Natalie Field, Birds Nesting in My Head, 2018. Fotomontaggio, Hahnemuhle German Etching, 900 x 900 mm. Tutte le immagini per gentile concessione dell'artista.Natalie Field, Uccelli che nidificano nella mia testa, 2018. Fotomontaggio, Hahnemuhle German Etching, 900 x 900 mm. Tutte le immagini per gentile concessione dell'artista.

Attraverso il mio lavoro contemplo il cosmo come un sistema ciclico e chiuso che richiede equilibrio. Riflettendo il principio del Tao Taijitu: lo yin e lo yang che illustrano l'interconnessione di forze dualistiche contraddittorie ma complementari che insieme creano un tutto monistico.

Questa natura mercuriale ed effimera della Natura viene esplorata attraverso concetti intorno alla creazione, evoluzione, metamorfosi e trasmigrazione dell'anima. Lavorando in un ambiente straniero, ho sentito che era importante trarre ispirazione sia dal paesaggio che dalla cultura finlandese per esprimere queste idee.

In passato, mi sono connesso con la natura attraverso l'escursionismo e altre attività all'aperto. Muoversi sempre nello spazio, piuttosto che indugiare in esso. La posizione remota della residenza mi ha permesso di esplorare visivamente l'ambiente forestale in dettaglio, lavorando direttamente nel paesaggio per creare i tableaux cinematografici, oltre a raccogliere campioni botanici da incorporare nei fotomontaggi che avrei sviluppato nel prossimo anno.

Per collegare questo mondo fisico con il metafisico, ho guardato, tra le altre cose, alle mitologie finlandesi che circondano i concetti dell'anima e la loro trasmigrazione. Per questo mi sono ispirato a due testi. Il primo è un volume intitolato Mitologie di tutte le razze: ugro-finnico, Siberia di Uno Holmberg, che ho scoperto durante la mia visita alla Biblioteca Nazionale di Helsinki. Il secondo, il Kalevala, un'opera di poesia epica del XIX secolo compilata da Elias Lönnrot dal folclore e dalla mitologia orale careliana e finlandese.

Diverse immagini della serie cinematografica sono intrise di narrazioni tratte da questi testi. Ad esempio, un simbolo importante della cultura finlandese incluso nelle narrazioni, è quello di un uccello. Mi sono concentrato sulla Jackdaw, non solo perché mi piace lavorare con "oggetti trovati" dall'ambiente, ma anche perché è un membro della famiglia dei corvi. In tutto il folklore, il corvo è diventato noto non solo come un messaggero di morte, ma anche come un mediatore tra il mondo degli spiriti e il nostro. Secondo Holmberg, un uccello consegnerebbe loro l'anima di un essere umano alla nascita e la raccoglierebbe di nuovo al momento della loro morte. Questo "uccello dell'anima" era conosciuto come Sielulintu.

Natalie Field, Sielulintu, 2017. Fotografia, incisione tedesca Hahnemuhle, 801 x 534 mm.Natalie Field, Sielulintu, 2017. Fotografia, Hahnemuhle German Etching, 801 x 534 mm.

L'interconnessione della natura viene ulteriormente esplorata in una serie di fotomontaggi realizzati digitalmente da immagini decostruite per creare nature morte sospese, in cui le forme biologiche sono intrecciate insieme per illustrare l'interazione reciproca trovata in tutta la natura. Alimentate da un interesse per l'anatomia, la zoologia, l'entomologia e la botanica, queste opere d'arte di grande formato esplorano la relazione provvisoria tra l'umanità e il suo ambiente. Più che celebrare la natura, sottolineano l'interdipendenza delle forme di vita biotiche e dei loro microhabitat; e l'importanza della conservazione di questo ecosistema che chiamiamo casa - la terra.

Hai scritto nella tua dichiarazione d'artista per "Human.Nature" che era importante per te recitare come protagonista in questa narrazione personale ed esplorazione della vita e della morte. Com'è stato esibirsi davanti alla telecamera e aggiungere la performance art a un repertorio già impressionante?

Andare da solo nelle mie escursioni nella foresta mi ha permesso di vivere appieno sia la natura che la fotografia, ininterrottamente, in un modo che non avevo mai fatto prima. Sebbene la forma umana sia sempre stata presente nel mio lavoro, le serie passate sono state collaborazioni con modelli, ballerini e yogi. Ma questo è stato un viaggio personale, non solo l'esperienza fisica, ma anche per quanto riguarda l'argomento.

Ho trovato qualcosa che non mi aspettavo. Sdraiarsi nel soffice muschio della foresta era tranquillo. Ballare nella foresta con l'aria letteralmente gelida che accarezza la mia pelle calda mi ha fatto sentire vivo.

Lavorare da solo mi richiedeva di sviluppare un nuovo processo. Una volta stabilita la scena per un'immagine, montavo la fotocamera su un treppiede, quindi utilizzavo l'intervalometro per acquisire automaticamente le immagini a intervalli predefiniti. Durante queste esposizioni, mi lasciavo andare, attingendo al mio subconscio per interpretare il momento attraverso il movimento e la danza. La collega artista Kathy Moss lo chiama "stato di rêverie". Credo che sia una forma di automatismo: la narrazione recitata davanti alla telecamera senza sapere veramente cosa viene catturato nei fotogrammi.

Questo nuovo processo ha ulteriormente contribuito all'evoluzione della mia tecnica, quando sono incappato in una direzione alternativa per il mio lavoro a lunga esposizione: i film in stop-motion. Durante la creazione dell'immagine fissa, Ballerino nel bosco, Stavo scorrendo i fotogrammi sul retro della fotocamera quando ho notato quanto fosse interessante riprodurli rapidamente. Mi ha ricordato le cornici d'arte animate vintage. Di conseguenza ho regolato le mie prestazioni per entrare nel telaio da un lato e uscire dall'altro. Poi li ho cuciti insieme per creare un breve video che raffigura una figura che lampeggia attraverso il fotogramma, in loop per un effetto Groundhog Day. Quest'ultimo sarà anche esposto come parte di una più ampia installazione video in mostra.

Quando si visualizza questa raccolta di opere, le stampe fotografiche cianotipiche sono in netto contrasto con le immagini digitali mitiche e surrealiste. Potresti spiegare il ruolo che queste immagini svolgono nella collezione più ampia e com'è stato sperimentare questa pratica tradizionale di creare essenzialmente "progetti"?

Gran parte del mio processo creativo si basa sull'acquisizione digitale di elementi naturali, che vengono decostruiti in post-produzione, per essere ricostruiti in nuove realtà. Tuttavia, volevo anche celebrare la bellezza innata dei botanici stessi. La mia prima espressione di questo è stata creare copie dirette utilizzando uno scanner digitale con annotazioni di accompagnamento, come si vedrebbe nelle raccolte di erbari tradizionali.

Natalie Field, Annotazione Fiori selvatici della Finlandia, 2018.Fiori selvatici della Finlandia

Dopo aver scoperto il lavoro di Anna Atkins, mi sono innamorato dell'idea di tornare alle mie radici fotografiche e di utilizzare la tecnica del cianotipo. Per coloro che non hanno familiarità con il suo lavoro, Atkins ha fatto la storia quando ha compilato i suoi fotogrammi di alghe essiccate nel primo libro mai pubblicato con illustrazioni fotografiche: Fotografie di alghe britanniche: impressioni cianotipiche (1843). Ero curioso di vedere come avrei potuto implementare questo processo tradizionale per acquisire una visione alternativa dei miei campioni e ho partecipato a un seminario con il seminario sulla stampa alternativa per apprendere questa nuova abilità nel 2017.

Piuttosto che catturare tutti i dettagli come lo scanner, il cianotipo offre una rappresentazione più inquietante dell'argomento. Le immagini risultanti ricordano le ombre nucleari viste a Hiroshima, in cui è rimasto solo il contorno dell'oggetto. Questa "impressione" della realtà risuona con il tema "Human.Nature" dell'effimero. Col tempo gli stessi campioni botanici svaniranno e decadranno, e solo il Sol-Shadows, i ricordi impressi dal sole, rimarranno come prova che siano mai esistiti.

Ciò che era iniziato come "progetto" si è rapidamente evoluto in un'espressione artistica di questo tema. Applicando le sostanze chimiche sulla carta in schizzi e colate, le forme solide degli esagoni iniziano a sanguinare e sbiadire in modo molto simile al soggetto stesso. L'aggiunta di articoli per la casa, come lo zucchero nella fase di esposizione e il detergente per tessuti nella fase di lavaggio, mi consente di esprimere ulteriormente il concetto attraverso i segni sulla carta.

Natalie Field, Sol Shadows, 2018A SINISTRA: Natalie Field, Sol-Shadows # 33, 2018. Cianotipia su Fabriano, 365 x 300mm. GIUSTO: Sol-Shadows # 21, 2018. Cianotipia su Fabriano, 265 x 225 mm.

Si dice che il tuo ultimo interesse risieda nella sperimentazione di effetti nella fotocamera. Di cosa si tratta questa specifica manipolazione visiva rispetto alla post-produzione che ha catturato il tuo interesse? Potresti approfondire come hai implementato questo processo, in quali pezzi, in "Human.Nature"?

Mi ha colpito per la prima volta l'idea di utilizzare tecniche integrate nella fotocamera, come il motion blur e le esposizioni multiple, mentre lavoravo alla serie "Breathe in ... Breathe out ... Let the human in ..." (2015). Stavo creando un collage di diverse immagini stratificate in post-produzione, quando mi è venuto in mente di creare effetti simili attraverso il mezzo stesso. Dopo molte ricerche e diversi scatti di prova, ho creato la serie "Animal Within" (2015). Quest'ultimo ha esplorato i concetti di animalismo e teriantropia (mutaforma), attraverso la performance di un ballerino. I risultati imprevedibili di questi esperimenti ricordavano le mie prime esperienze di lavoro in una camera oscura: guardare con un senso di meraviglia mentre le immagini si sviluppavano sulla carta nel bagno chimico. Catturavo immagini oltre la mia immaginazione ed è nata una nuova passione.

È stato il mio interesse per questa spontaneità che per primo mi ha portato all'automatismo, la tecnica sviluppata durante il movimento surrealista, che sposta l'atto di creare dal controllo cosciente al caso.

In virtù della loro natura, le tecniche nella fotocamera incoraggiano il fotografo a rinunciare al controllo ed entrare nel mondo dell'immagine inaspettata. In questo modo, le opere e il processo stesso possono assumere una vita propria.

Queste tecniche si sono dimostrate molto utili nell'esprimere i miei temi intorno al mercuriale e all'effimero, poiché mi permettono di catturare fisicamente l'energia transitoria attraverso il movimento. Per questa serie ho usato il flash a sincronizzazione lenta per illustrare lo spirito nel Ört-Bi e Cerchio di pietre immagini. Lavorando con lunghe esposizioni, lanciavo e agitavo la stoffa per catturare il movimento, illuminando contemporaneamente parti della scena con lampi di flash per catturare l'immobilità. Ho anche applicato un mix di fotografia a esposizione multipla e lunga per catturare la traslucenza della forma umana in Dissolvenza.

Natalie Field, Ort Bi, 2018.Natalie Field, Ört-Bi, 2016. Fotografia, Hahnemuhle German Etching, 801 x 534 mm.

Nella tua dichiarazione d'artista per "Human.Nature" hai scritto che questo lavoro era una reazione alla tua paura di morire. Di cosa hai così paura nella morte? Sei riuscito a trovare il conforto che cercavi nel processo di creazione di questa collezione?

Suppongo che sia nella nostra natura umana temere la perdita della nostra identità individuale. Dai faraoni determinati a viaggiare nell'aldilà con tutto ciò che possedevano, al lasciare un'eredità attraverso i propri figli, le persone continuano a cercare modi per bruciare la memoria di se stesse in questo mondo. Per me, sarebbe attraverso la mia arte. Perché allora ho sentito l'urgenza di creare, di confrontarmi con l'idea di sé.

La mia ricerca durante la residenza mi ha portato alla conclusione che la creazione (il mondo fisico, inclusi i nostri corpi) e la coscienza (la forza immateriale della vita) non sono che un'unica energia che vibra semplicemente a frequenze diverse. E secondo la prima legge della termodinamica di Einstein, l'energia non può essere creata né distrutta, può solo essere cambiata da una forma all'altra. Le immagini presentate in 'Human.Nature' celebra questo ciclo infinito di vita e l'interconnessione di tutta la materia e l'energia. Col tempo, questa energia che una volta eri tu, si trasmuterà per formare una nuova vita.

Per me, questa continuazione della forza vitale è la trasmigrazione dell'anima.

MA, attraverso questo processo, la tua mente cosciente, la tua identità, questa persona con questi pensieri e ricordi andranno persi per sempre. Questa è la tua unica possibilità di essere una combinazione di questa mente, in questo corpo, in questo momento, in questo spazio. Questo stesso momento è un'esperienza umana unica. È davvero un dono. E la vera domanda è: cosa farai di questa vita?

Natalie Field, Per ridare vita, 2018.Natalie Field, Per ridare vita, 2016. Fotografia, incisione tedesca Hahnemuhle, 801 x 534 mm.
IMMAGINE IN PRIMO PIANO: Natalie Field, Sielulintu, 2017. Fotografia, Hahnemuhle German Etching, 801 x 534 mm.